Bruno Lisboa

Nova casa (aliás nem tão nova assim)

2010-11-05T08:02:00.001-07:00

De uns tempos pra cá tenho unido forças com alguns amigos e estamos todos trabalhando na nossa nova casa: o site www.likepop.com.br.

Destinado para fãs de cultura pop, tal como os leitores deste blog, meus textos estão sendo todos postados neste domínio.

Faça-nos uma visita.

Abraços e até mais!

O lado escuro da-força em "Heligoland", disco novo do Massive Attack

2010-09-14T11:16:00.000-07:00

Soturno. Etéreo. Belo. Dançante. Noturno. Angustiante. Sujo. Sexy. Depressivo. Estes são alguns dos vários adjetivos que permeiam críticas ao redor do globo quando o assunto é Massive Attack.

Ah mas você caro leitor não os conhece? Então eis aqui uma breve apresentação: trio formado em 1988 na cidade de Bristol (Inglaterra) pelos DJs Grantley “Grant” Marshall (Daddy G or “G”), Andrew “Andy” Vowles (Mushroom ou “Mush”) e o grafiteiro e cantor Robert Del Naja (3D or “D”). Eles foram responsáveis (junto ao Portishead) pelo o que se conhece como trip-hop que condensa em seu som uma almálgama entre o dub, a música eletrônica e hip-hop. De lá pra cá o hoje duo (Andrew Vowles abandonou o barco em 1998) consquistou prestígio da imprensa, respeito no meio musical e fãs por todo mundo. Após romper um hiato de 7 anos o retorno é celebrado via Heligoland.

Comparados aos discos anteriores(os dois primeiros inclusive: os celebrados Blue Lines e Proctetion) este disco difere por apostar em cores escuras. Não espere nada “fofo” como “Protection” (hit mor da década de 90 com clipe dirigido por Michel Gondry). A cadência aqui é outra. De um lado temos a arrastada e marcial “Saturday come slow” que tem Damon Albarn (do Blur) nos vocais. Em contraponto “Babel” tem como destaque a bela voz Martina Topley-Bird que nos conduz a dançar sem precedentes. O 1º single “Sliptting the Atom” tem Horace Andy (fiel colaborador do grupo) e seria a trilha perfeita para filmes de terror tamanho o caráter fantasmagórico. Já “Paradise circus” é perfeita para ninar crianças de colo tamanha a graciosidade, mas não sem um quê de soturno.

Introdução feita, os belo horizontinos terão oportunidade ímpar de conferir dia 15 de Novembro no Chevrolet Hall estas e outras perólas arrepiantes que embalam sonhos/pesadelos obscuros no vasto imaginário desta genial banda.

Nosso lar?

2010-09-08T20:48:00.000-07:00

Atenção: você seguidor da doutrina espítita e admirador da obra Nosso lar, de Chico Xavier, não perca seu tempo com esta resenha. Antes de mais nada é preciso frisar: não tenho nada contra a quem segue a religião em si ou a própria obra. Meu exercício aqui é analisar a adaptação fílmica da obra tida como um clássico do gênero.

Dirigido por Wagner de Assis o filme, à primeira vista, tem um visual deslumbrante (um primor em termos de cinema nacional). A retratação do universo é de encher os olhos. Construída em parceria com o diretor de fotografia Ueli Steiger (de 10.000 BC e O dia depois de amanhã) e efeitos visuais supervisionados por Lev Kolobov (responsável por Watchmen) a veracidade em que ônibus espaciais e estruturas arquitetônicas modernas são projetadas na tela é tamanha que fazem jus aos 20 milhões de investimento (o maior da história aliás). Para completar este desbunde visual só faltava uma bela história, mas isso não 0corre.

Desconhecedores a ideologia espírita podem sair do filme com várias questões em mente, pois o roteiro é ralo e carente de substanciabilidade. A história de André Luiz, personagem central, é meramente ilustrada via flashbacks que em nada acrescentam à trama. A disposição e os mecanismos que movem a cidade astral são mal trabalhados. E estes fatores somados prejudicam, inclusive, a atuação do elenco que mais parecem peças dispersas de um jogo inacabado. A impressão final (tal como aprendemos em A origem, filmaço de Christopher Nolan) é que estamos em um sonho no qual, tradicionalmente, pegamos a história pela metade e tentamos juntar as peças de um complexo quebra-cabeça.

O espectador natural (assim como eu, sem vínculos que somente buscava assistir a um bom filme) sai insatisfeito tamanha a carência de elementos que garantam uma boa história. Que no final das contas é tudo o que queremos quando o assunto é cinema.

Os Manics querem você!

2010-09-05T19:06:00.000-07:00

Canções movem você? Lhe causam "estranhas" sensações? Te fazem arrepiar quando tocam fundo seu coração? Se a resposta é sim para as três questões bem-vindo ao clube: você é um apaixonado pelo cancioneiro pop.

Provavelmente, 2010 será lembrado por várias razões graças a grandes álbuns lançados até aqui e os galeses do Manic Street Preachers, como não poderiam deixar de ser, deixam a sua marca via o belo Postcards from a young man.

Com proposta diferente do disco anterior (o sujo, cru e roqueiro Journal for Plague Lovers) os Manics (assim chamados, de forma carinhosa, pelos fãs) apostam nesta nova empreitada em canções mais ganchudas e grudentas. James Dean Bradfiled, o frontman do grupo, em entrevista concedida ao semanário NME disse que a proposta era criar um álbum que soasse como uma "coleção de grandes hits radiofônicos". Já o baixista Nicky Wire afirma que o alvo é "atingir o maior número de pessoas". E que ouvimos aqui atinge o seu objeto em sua plenitude. O 1º single "(It's not war) just the end of love" é o perfeito cartão de visita: riffs de guitarras pegajosos, refrão inesquecível somado a um quarteto de cordas criam corpo para a já habitual ressoante voz e o caráter poético nas letras abordando temas políticos, relações humanas e o amor que há tanto tempo comovem meus ouvidos caleijados. O restante do álbum segue essa mesma viciante linha e conta com convidados de peso como Ian McCulloch (do Echo and The Bunnymen) e o eterno ex-Velvet Undergroung John Cale.

Por fim, gostaria de falar mais do Manics, mas este é exercício deveras complexo, pois há anos (desde a minha aquisição de Everything must go, lançado em 1996) a cada lançamento me faltam palavras para descrever cada elogiado passo que este trio dá.

De certo, mais uma vez me rendo ao talento e faço parte deste "exército". Se você ainda não se "alistou" a legião galesa o convite está feito.

Friday nights

2010-08-29T06:03:00.000-07:00

Clichê número 1: o tempo é efêmero. É bem verdade que a velocidade impressa e um elevado número de coisas à fazer nos dias de hoje é tamanha que quando assustamos tudo se foi num estalar de dedos. Mas isto não quer dizer que tenhamos que nos limitar nossa vida a pequenas ações na tentiva vã de desacelerar nossos dias. Deve se sim viver e aproveitar ao máximo o que nos é proposto. Um pouco de diversão não faz mal à ninguém (clichê número 2). E é nessa ótica que temos Teenage Dream, segundo disco de Kate Perry.

Em entrevista à Billboard a cantora afirmou que "queria um disco que só tivesse hits" e ela quase consegue. Temos aqui várias canções com cara de pop de FMs felizes que jovens adoram: versos pegajosos, melodias dançantes e letras engraçadinhas (clichê número 3). "California Gurls" e a faixa título são demonstrações que vocês podem conferir por aí. Outros atrativos do álbum são "Circle of the Drain" (a sua visão/versão de "You Outgha know", canção emblemática de Alanis Morrissete sobre ex-namorados) e a deliciosa "Hummingbird Heartbeat". Se não fosse as habituais baladinhas (desnecessárias) o disco atingiria seu objetivo com louvor.

Por fim, Teenage Dream tem cara de sexta-feira à noite e Kate Perry convida a molecada pra dançar. Como todo mundo sabe, (lá vem mais um clichê) após a baladinha vem as ressacas de sábado. Mas enquanto ela não chega curta o efeito/gosto deste chiclete.

P.S. Essa enumeração de clichês tem explicação: é oriunda da obra "Clube dos corações solitários" cujo personagem central (Spit) adora fazê-la.

Terrible love

2010-08-24T09:17:00.000-07:00

Parêntesis: Ano de 2008. A banda The National colhia os louros do aclamado disco The Boxer (tido como um dos melhores de 2007) e fez uma elogiada turnê pelo nosso país em Novembro daquele ano. Num total ato de loucura abandonei minhas atividades de trabalho e parti para Vitória, capital do Espírito Santo, onde nem mesmo um lugar para ficar eu tinha. Porém, essa atitudade insana fora totalmente recompensada: o grupo fez um dos mais belos shows que estes olhos já viram.

A apresentação realizada para os 300 sortudos que foram ao teatro da Faculdade Federal do daquele estado foi carregada de emoção. Privilegiando a nata de seu repertório, a banda surpreendeu o público presente graças a um grande carisma, injetando força e pungência as canções executadas naquela noite especial. A mistura de influências dispares como Bruce Springsteen e Joy Division no som conquistou o público de tal forma que quem esperava pelo MGMT (a "grande" atração) saiu de queixo caído.

Voltando para 2010, muita expectativa se criou em qual seria próximo passo da banda que havia conquistado de lá pra cá bastante prestígio da crítica e apresentações ao lado de Wilco e R.E.M. E o silêncio foi rompido via High Violet.

Dificil nas primeiras audições, o álbum lançado em Janeiro de 2010, vai crescendo a cada play. A estrutura das canções de certa forma rende comparações ao jeito The Smiths/Morrissey de ser: apresenta tristeza em suas letras retratando amores perdidos, o estado de medo ante as pessoas, fantasmas que assobram noites obscuras e doses parcas de esperanças quanto ao mundo estão no cardápio. Tudo isso executado de forma brilhante graças ao instrumental que adiciona o contexto de beleza necessário ante a poesia escrita por Matt Beringer (vocalista e compositor da banda).

Indiscutivelmente, em tempos de vazio sentimental, este grupo do norte-americano segue a sua ousadia musical ao apostar em falar de peito aberto sobre os temores que nos cercam. E o fazem de maneira sublime como poucos (muito poucos) fazem tão bem hoje. Ponto para eles.

Qual o sabor da nostalgia?

2010-08-19T07:25:00.000-07:00

Quais são os mecanismos que movem o passado? Por que sempre gostamos de retomar/reviver tempos já vividos? Quais são os sabores e desabores que a nostalgia nos trás? Essa gama de perguntas enevoaram minha mente após a leitura de Clube dos corações solitários obra de André Takeda.

Lançado em 2001, o livro traz à tona um história simples, contada de forma informal, desfragmentada e com personagens "fúteis". E se pensada dessa forma talvez a obra não tenha tantos atrativos literários já que se comparados a clássicos atemporais da literatura (quem nem cabe citar aqui) se torna uma obra menor. Mas muito se engana quem pensa desta forma.

No pós-segunda guerra mundial, a literatura (principalmente a norte-americana) ganhou outros contornos e estruturas que em quase nada se assemelham ao tradicional. Objetivando dialogar com o público se sua geração, um exemplo clássico dessa revolução é O apanhador no campo de centeio de J.D. Salinger cujo personagem central é um garoto desajustado e perdido num mundo cada vez mais confuso. Reside aí o mote central do livro do autor. Lá temos um grupo de jovens que procuram se encontrar em meio a diversas escolhas como carreiras, amores e amizades. Garotas e garotas que assim como eu nasceram na década de 80, cresceram vendo tv e na década de 90 passaram a consumir (ou foram consumidos) pela cultura pop via filmes, livros, canções fator este que faz com que a narrativa seja carregada de referências.

De maneira geral esse tipo de literatura (chamada de fast-food) tem a sua validade. Porém, não deve ser ignorada já que de certa forma a alimenta a saudosa nostalgia de um tempo bom que se foi e não volta mais.

P.S. Como consta na epígrafe do livro "Maturidade é uma fase, adolescência é para sempre" Jules Feiffer.

Almost there

2010-08-18T12:26:00.000-07:00

Dias atrás antes do lançamento deste The Suburds um crítico da BBC afirmou ser este 3º disco do Arcade Fire "uma obra prima". Até aí tudo bem, mas ele foi além e afirmou que (pasmem!) este seria melhor que OK Computer do genial Radiohead. Logicamente, tal análise gerou comentários em todo mundo, pois o status imaculado do disco da trupe de Thom Yorke é enorme e qualquer comparação é tida como blasfêmia/heresia. Deixando observações externas de lado, o fato é que a banda canadense realmente surpreende em sua nova guinada sonora. O universo tristonho das letras (caracterítica habitual) não fora deixada de lado, mas as doces melodias ensolaradas tomaram corpo e enchem os olhos. O "susto" já vem desde o 1º play quando a faixa título vem à tona: um piano conduzido com tamanha delicadeza e um refrão pegajoso permeiam o ar. "Ready to start" e "We used to wait" contagiam via melodias que lembram o passado da banda. "Month of May" surpreende pela crueza e rende comparações ao Queens of the Stone Age. A singela "Wasted Hours" é perfeita para embalar os mais belos sonhos. Por fim, o disco só não é a tal "obra-prima" por ser longo demais (16 faixas). Mas se você fã de música pop quer ouvir algo de uma banda que vai crescendo em qualidade disco a disco esse The Suburbs agrada a ouvidos e corações mundo afora.

Pavement no Brasil!

2010-08-08T19:58:00.000-07:00

Para celebrar a antes sonhada, e agora real, vinda do Pavement ao Brasil (novembro no festival Planeta Terra) relembro um texto meu publicado em Julho de 2004 no site Dying Days sobre o clássico "Slanted Enchanted":

Unindo influências de bandas como R.E.M, Velvet Underground e Sonic Youth, o Pavement surgiu no fim da década de 80 inicialmente como um projeto de estúdio idealizado por Stephen Malkmus (guitarrista e vocalista) e Scott "Spiral Stairs" Kannberg (guitarrista).

Após o lançamento de alguns EPs e definida a formação que perdurou até o fim, o grupo seguia sendo cultuado por meia dúzia de pessoas até que a Matador Records faz uma ótima proposta para gravação do 1º álbum.

Assim, no dia 20 de abril de 1992 nasce o clássico "Slanted and Enchanted". Gravado antes do "boom" do movimento grunge, o álbum tornou-se um clássico lo-fi (onde não se preza muito pela produção), obtendo ótima receptividade, tanto por parte do público quanto por parte da crítica, que não se cansava de elogiar o disco e transformar o Pavement na banda da vez. Stephen Malkmus, na época, não tinha a noção de que isso viria a acontecer. "Eu trabalhava como vigia no Whitney Museum de Nova York e pensava em, no máximo fazer um disco melhor que os do Sebadoh". As melodias simples, preguiçosas e cativantes, somadas às letras triviais/bobas tornaram-se a marca registrada da banda.

Músicas como "Summer Babe", "Trigger Cut", "No Life Singes Her", "In the Mouth a Desert", "Zurich is Stained" e "Here" falam por si mesmas e são obrigatórias em qualquer lugar onde Stephen Malkums (hoje em elogiada carreira solo) se apresente. O álbum ainda gera um número imenso de seguidores no meio alternativo.

O melhor é que hoje em dia "Slanted & Enchanted" pode ser encontrado no Brasil com extrema facilidade (vide a gravadora Trama) com o seguinte adesivo na capa: "clássico do rock". Ouça e comprove.

Bruno Lisboa

Once, twice and ever.

2010-05-18T20:20:00.000-07:00

Havia declarado o falecimento deste espaço, mas a paixão pela vida me fez voltar. Os motivos são vários, mas por hora, é simples e belo: Once, filme lançado em 2007 e dirigido/escrito por John Carney.
A película chegou a causar certo burburinho no universo pop vide ao fato de ter concorrido e, merecidamente, ganhado o Oscar de melhor canção. Mas os atrativos desta película são muitos outros.
Dialogando com a máxima do ator Jeff Brigdes, via o recente Coração Louco, a essência do filme poderia ser assim dita: “quanto mais triste a vida, mais doce é a canção”.
O roteiro aborda a vida Glen Hansard e Marketa Irgova.”, músicos que buscam seu espaço num mundo cada vez mais complicado. Porém, mesmo com um passado aterrador, que não que conseguem ignorar, ambos acreditam que não importa o quão dura e aparentemente imutável a vida possa ser. A canção é o mote de sobrevivência e da realização do seus sonhos.
Rodado de forma manual (quase documental) em quase todas as tomadas, este recurso auxilia a exposição da veracidade histórica.
Em tempos de cifras milionárias para a realização de uma obra, assistir a um filme de baixo orçamento, mas de rara beleza me faz lembrar da celebra frase do falecido gênio François Truffaut que dizia que independente dos recursos financeiros o que garante a sobrevivência do cinema são as boas histórias. E Once de forma simples e apaixonada mantém viva a chama da cultura pop. Amém.

The death is not the end ou é o fim do blog como conhecemos e eu me sinto bem.

2010-03-29T20:38:00.000-07:00

Bom eu tentei por meses manter esse espaço vivo, mas infelizmente não deu...

Um bom blog exige dedicação que, como vocês podem ver, tem faltado bastante tal como tempo hábil para escrever algumas linhas sobre as minhas paixões.

Então sem mais delongas e choramingos fecho as portas deste espaço que por anos foi a minha razão pop de viver, que fez com que fosse entrevistado e gerasse boa discussões por aí.

Porém, atento a "modernidade" meu twitter (http://twitter.com/brunorplisboa) é ferramenta na qual, mesmo que de forma reduzida, irei destilar meu ar "subversivo" (como diz meu grande amigo André).

Abraços e até mais.

Bruno Lisboa

2010-01-12T16:33:00.000-08:00

Este blog está em estado, mais uma vez, de "paradez" total. O último post tem data do ano passado é de setembro... mas espero nesta férias tentar voltar ao batente.

Por hora, para deixar a par dos assuntos, continuo sim ouvindo bastante música pop e irei gastar gastar algumas linhas com alguns discos do ano passado futuramente.

2009 foi um ano relativamente bom no cenário internacional graças a perólas de Norah Jones, o essencial Them Crooked Vultures, a fofinha parceria de Scarlett Johansson e Pete Yorn, o bons discos de veteranos como Dylan e Morrissey...

A ala nacional, surpreendente, se destacou. Por anos tive certa birra de algumas coisas, mas dos discos novos da cena feminina de Céu (ah Céu...), Mariana Aydar, Ana Canãs, Erika Machado e os novos petardos de Arnaldo Antunes, Otto e Eramos Carlos foram de encher os olhos.

No cinema destacaram - se o belo 500 dias com ela, a loucura sempre genial de Quentin Tarantino em Bastardos Inglórios, a viagem surreal de Avatar (viva James Cameron e seu cinema), o ignorado Inimigos Públicos de Michael Mann...

Faltaram palavras eu sei, mas eu volto já.

Aguarde e confie.

Juan Fiorini: o poeta

2009-09-20T12:43:00.000-07:00

Meu grande amigo e mestre Juan Fiorini irá lançar em Dezembro seu primeiro livro de poesia em parceria com a editora Tradição Planalto. Para os admiradores deste gênero literário fica a dica de um belo trabalho. Para maiores informações e como adquirir clique na imagem.

A melhor banda do mundo ou razões para você não perder o show do Faith No More

2009-09-10T07:43:00.000-07:00

Fato: quem gosta ou já gostou do Faith No More já teve ou tem a banda com a melhor do mundo. E tem muitas razões para isso. A começar pela formação: o melhor vocalista de todos os tempos (para muitos) Mike Patton que oscila entre agudos e sutilezas como se fosse à coisa fácil do mundo. As linhas de baixo de Billy Gould são sinuosas e cheias de groove. Mike Bordin é um monstro da bateria graças a suas batidas quebradas e inventivas. Roddy Bottum acrescenta com o teclado suas melodias épicas. O peso e a precisão da guitarra de Jon Hudson fecha com chave de ouro este quesito. As letras são outro ponto a favor, pois desde The Real Thing (momento da entrada de Patton) ninguém soube tão bem analisar o ser humano seja através de canções sobre a crise de meia-idade (“Midlife Crisis”), a religião (“Just a Man”), a violência latente dos dias atuais (“Be agressive) e a vida computadorizada (“Naked in front of the computer”) entre tantas outras. Versatilidade sonora é outro ponto a favor. Qual banda no mundo executa covers de Bee Gees (“I started a joke”), flerta com o funk de Isaac Hayes, canta em português (“Caralho Voador”, cuja melodia é pura bossa-nova), vai ao metal extremo (“Malpratice”), passa pelo gospel e é pop ao compor clássicos radiofônicos como “A Small Victory” ou regrava “Easy” de Lionel Richie? Pode procurar por aí. Você não vai encontrar alguém tão bom quanto eles.

Minha entrada ao universo do grupo foi há 11 anos atrás via King for a day, fool for a lifetime. De lá para cá a banda sempre esteve presente em minha vida.

2009 será lembrando por várias razões e duas em especial para mim: o ano em que vi os Beatles da minha geração (o Radiohead) e a volta do Faith No More a ativa com shows espetaculares realizados ao redor do globo.

E é com grande prazer que anuncio que dia 08 de novembro a banda se apresentará em BH Horizonte às 20 horas com ingressos já à venda no Chevrolet Hall. E você caro leitor irá perder? O meu já está na mão. Histórico.

Professores

2009-06-29T20:08:00.000-07:00

São cinco e meia da manhã de uma segunda–feira. A água está fervendo no fogão para preparar o café e para ajudar a enfrentar a semana. Mais uma como qualquer outra na qual podemos ser heróis ou bandidos, mas sem direito de escolha. E uma dezena de dúvidas perpassa nossas cabeças: como será nosso dia? Voltaremos vivos aos nossos lares após a nossa exaustiva carga horária de trabalho? Seremos maltratados ou agredidos? Teremos em algum momento reconhecimento da nossa antes

admirada agora malfadada profissão? Dúvidas estas e outras tantas que permanecem sem resposta definitiva.

Após o café é hora de partir para a batalha. Porém, por mais que a realidade apresentada seja semelhante à de um policial estes questionamentos se dirigem a um raro grupo de pessoas que acreditam que o mundo ainda tem solução e ela reside no ato de educar. São eles: os professores.

Diariamente, acompanhamos em jornais, revistas e no bate-papo do intervalo, situações vergonhosas que envolvem a já desgastada relação professor/aluno. É o professor que teve seu braço quebrado porque reprovou um aluno. É a professora ameaçada de morte devido a uma nota baixa dada, etc. Antes respeitada, a figura do professor hoje está num estado de putrefação educacional aparentemente insolúvel.

Este estado de incerteza absoluta continua imaculado de tal forma que até mesmo o cinema que antes acreditava/apresentava a figura do professor revolucionário, capaz de mudar a realidade vigente (tal como vemos nos belos A Sociedade dos poetas mortos, Mentes perigosas entre tantos outros) caiu por terra. Um exemplo recente desta guinada é Entre os muros da escola do francês Laurent Cantet, filme baseado no livro homônimo de François Bégaudeau (que também é o roteirista, atua como protagonista do longa e nas horas vagas é professor de francês) percebemos que esse mal das adversidades apresentadas não difere em nada da atual educação francesa. O desrespeito dos alunos, o desinteresse por parte dos mesmos, a luta do professor que, despreparado, não consegue alcançar seus objetivos, a tentativa vã de promover a interdisciplinaridade, o descaso de alguns pais quanto ao comportamento de seu filho(a) perante regimento escolar, inúmeras tentativas de reestruturação deste... são tantos aspectos em comum que a concepção sobre os problemas educacionais brasileiros torna-se lugar-comum; tristemente, não mais pertence a nossa cultura, e sim, ao mundo.

Por fim, talvez este texto amargo devesse terminar de forma sombria, sem esperanças, mas ainda temos que acreditar que todos esses males possam ser sanados, pois, como disse certa vez finado cineasta François Truffaut sobre Luz de Inverno, filme de Ingmar Bergman:

"No final de Luz de Inverno vemos um padre que quase perdeu a fé celebrando uma missa em sua igreja completamente vazia. ... ‘Sim, Bergman quer nos dizer que os espectadores no mundo inteiro estão se desligando do cinema, mas acha que devemos continuar mesmo assim a fazer filmes ... ainda que não haja ninguém no cinema."

François Truffaut, em O Prazer dos Olhos. Escritos sobre Cinema

Faz-se necessário, mais do que nunca, acreditar que a educação é a chave de um mundo melhor e que ela irá proporcionar grandes mudanças em todas as estruturas da sociedade. Ainda que grande parte dos nossos espectadores (os alunos) não estejam atualmente interessados nisso.

Por Bruno Lisboa

Texto publicado originalmente no jornal Soletrar da PUC - Minas

Conexão Vivo: últimas linhas

2009-04-29T07:22:00.003-07:00

Chico Amaral convida Marina Machado e Samuel Rosa: Um das maiores figuras do cenário musical mineiro, Chico Amaral veio ao festival mostrar um pouco de seu trabalho autoral focado no samba/jazz e algumas de suas realizações junto a seus “pupilos” (Marina Machado e Samuel Rosa). No final a aparição surpresa de Milton Nascimento foi motivo de catarse geral.

Makely Ka convida Alexandre Lima: O mineiro Makely Ka vem aos poucos conquistando o seu espaço no cenário musical. Recentemente foi atração de abertura do show de Tom Zé em terras mineiras. Unindo a sua poesia urbana com guitarras pesadas sua banda fez um das apresentações mais significativas do festival. O capixaba Alexandre Lima trouxe o seu “Game Boy sonoro” e acrescentou sonoridades eletrônicas que casaram perfeitamente.

Porcas Borboletas convida Arrigo Barnabé e Paulo Barnabé: A sensação do cenário mineiro junto à família Barnabé foi divertidíssima. Letras engraçadas e melodias cheias de groove fizeram com que o público gastasse todas as suas energias. No final “Minha Menina” dos Mutantes com um autêntico All Star Game no palco (Otto, Curumin etc.) deixaram o Parque Municipal com um gosto de quero mais.

Enéias Xavier convida Flávio Venturini e Kadu Viana: O show era para ser do músico instrumental Enéias Xavier que tinha na sua banda de apoio, entre outros feras do cenário musical mineiro, Chico Amaral. Porém, após a segunda canção e a entrada de Kadu Viana (guitarrista) e Flávio Venturi a apresentação privilegiou o set list na obra do ex-integrante do Terço. Casais apaixonados de todos os tipos eram só sorrisos.

Patrícia Ahmaral convida Vander Lee: Grata surpresa. Indo do samba ao rock sem derrapar Patrícia surpreendeu positivamente intercalando canções próprias com covers genialmente reestruturadas (como “My guitar gently weeps” do Beatles). A presença de Vander Lee, o músico mineiro mais querido da atualidade, foi motivo de comparecimento em peso por parte do público que cantava cada um de seus versos a plenos pulmões.

Pedro Morais convida Moska: Garoto prodígio da cena brasileira o rapaz mostrou suas belas e românticas canções que agradaram geral ao público. A presença de Moska foi motivo extra para que o público devoto ao artista solta-se a voz. Resumo da apresentação: total entrosamento de público e banda. Coisa bonita de se ver.

Curumin: Dono de, a meu ver, o melhor show do festival. O baterista do Hurtmold veio com dois discos solos na bagagem (o último Japan Pop Show é obra-prima) e um repertório no qual mescla as mais diversas variedades sonoras que são impossíveis de se classificar. Agora fácil é se render o seu carisma e sua simplicidade. A presença surpresa e improvisada do rapper Renegado não deixou ninguém parado. Para quem não conhecia seu trabalho saiu de boca aberta.

Bom... assim foi o Conexão que mesmo em tempos de cancelamento de festivais em todos país (Tim Festival, Skol Beats, Motomix...) permanece Vivo e trazendo o que há de melhor no vasto cenário musical brasileiro. E que seja eterno enquanto dure.

Beat connection. Beat communication: Considerações iniciais do Festival Conexão Vivo

2009-04-28T08:57:00.000-07:00

Realizado entre os dias 17 a 26 abril no Parque Municipal mais uma vez BH recebeu o festival Conexão Vivo. Tido como um dos maiores do Brasil, a edição de 2009 foi um grande sucesso.
Diferente de outras edições, talvez pela malfadada crise, o evento careceu de grandes atrações (como a Nação Zumbi ou Fernanda Takai, presentes no ano passado) em 2009. Porém, este foi o grande trunfo do festival.
Conciliando apresentações de artistas que ainda debutam no cenário nacional (ou que ainda permanecem no underground) com o público, presente em peso todos os dias, e artistas sedentos por novidades estas foram algumas atrações de destaque:

The Hell’s Kitchen Project: Power Trio inusitado tendo como instrumentos baixo, bateria e vocal realizou show explosivo graças a performance eletrizante no palco.

Renegado convida Marku Ribas e Cubanito: Passado e presente. Tudo agora e ao mesmo tempo. Renegado, grata revelação do cenário rap mineiro, dividindo o palco com o ícone da black music Marku Ribas e companheiro de cena Cubanito (da banda Black Sonora) não deixaram ninguém parado.

Vanguart: a maior banda de todos os tempos da última semana apresentou as belas canções do seu primeiro, e elogiado, álbum conciliando novas músicas presentes no registro Multishow ao vivo. Faltou a dylanesca “The Last time I saw you”, mas atendendo a pedidos, teve o seu momento “toca Raul” com “Medo da Chuva” no bis. Os indies deliraram.

Macaco Bong: tendo no currículo o melhor disco de 2008 por várias publicações (incluindo a Rolling Stone brasileira) o trio instrumental impressionou pelo cross-over de jazz, rock e sutis brasilidades. Um dos melhores shows do evento.

Cidadão Instigado: a banda de Fernando Catatau, guitarrista predileto de Vanessa da Mata e Marisa Monte, veio ao festival mostrar que gostar e ter influência de artistas bregas é cool. A competente banda de apoio reproduziu fidedignamente os arranjos do ótimo E o método tufo de experiências e apresentou outras pérolas da banda que promete disco novo para 2009.

Kiko Klaus convida Naná Vasconcelos: Mineiro com raízes pernambucanas em seu som, Kiko Klaus e sua soberba banda de apoio uniram a poesia regional com a percussão experimental do gênio Naná Vasconcelos e agradaram geral.

Falcatrua convida John Ulhoa: o sempre performático grupo mineiro surpreendeu positivamente ao apresentar a sua nova turnê que tem como base a obra de Tim Maia. Passando longe da reprodução de acordes, a banda colocou a cara à tapa recriando, adicionando novas texturas e peso aos clássicos do ícone do funk brasileiro. John Ulhoa (idealizador desta nova fase da banda) veio no apagar das luzes e fechou a brilhante apresentação.

Para visualização de fotos e outras informações do festival acesse: http://www.conexãovivo.com.br. Em breve os comentários de outras atrações do festival. Aguarde e confie.

See ya!

A contract with god or Jesus (Frank Miller) was only a son

2009-04-06T17:57:00.002-07:00

Will Eisner é para muitos um Deus. E quem o considera assim não está exagerando. Eisner e seus personagens foi o pai de uma geração de fãs de quadrinhos. Criar a primeira chamada graphic novel (A contract with god) fora outra de seus inúmeros trunfos. Porém, seu legado não foi apenas aceito pelo público leitor como também por toda uma geração de quadrinistas veio a ser influencido pelos seus traços. Não à toa o Oscar do gênero tem o seu nome... Como se pode observar, falar sobre esse precursor, que começou a escrever suas histórias na década de 30, é algo que se pode fazer por horas a fio. E dentre um dos seus admiradores/seguidores está Frank Miller, o Jesus dos quadrinhos.

Dono de uma carreira genial Miller é o homem que restruturou a "carreira" de Batman (a elogiada fase Dark Knight é dele) e do Demolidor. É o criador das bestiais graphic novels Sin City e 300 ambas levadas ao cinemas e com grande repercursão de público e crítica. Entre tantas outras obras primas. Eis então que nasce a idéia de The Spirit.

Desde o inicio o encontro era tido como espetacular, pois de um lado teríamos um dos personagens mais clássicos das HQs (o héroi The Spirit criado por Eisner) e tendo o comando de Miller seria um sonho a ser realizado. Mas por vezes seguir os mandamentos divinos é um exercício arriscado.

Em 102 minutos de filme o que vemos é um sucessão de maneirismos e erros que prejudicam e muito a grandiosidade esperada. À começar pelas técnicas de filmagem surrupiadas/emprestadas de Sin City (co-dirigido por Miller) o que faz com a antes novidade seja vista com maus olhos do tipo "ah! já vi isso antes". Os personagens são vazios, caricatos e carentes de um caráter psicológico. No campo das atuações salvo o protagonista (interpretado por Gabriel Match) o restante do elenco repete trejeitos de atuações anteriores: Samuel L. Jackson e seu Dr. Octopus é igualzinho a 20 outros personagens maléficos que ele já fez, Scarlet está virando sinônimo de insosa. Eva Mendes e a sua sensualidade. O roteiro é fraco e superficial ao extremo. Em suma: um desperdício.

Então o encontro de pai e filho, Deus e Jesus, aconteceu. O contrato foi assinado, mas o resultado desta parceira não rendeu frutos. Deus escreveu certo, mas com linhas tortas e Miller não as interpretou muito bem. O que comprova que Jesus era realmente apenas um filho de Deus como todo nós seres humanos, pois somos passíveis de erro. E Frank Miller que então até não havia errado cometou o seu primeiro pecado: assinar a direção deste fiasco chamado The Spirit. E Deus que está nos observando do céu desde de 2005 está em ira.

Cenas de um casamento ou um núcleo familiar como o meu ou o seu

2009-02-27T19:41:00.000-08:00

Após um hiato ficcional dedicado aos documentários (Neil Young e Jimmy Carter foram alguns) Jonathan Demme, o eterno diretor de Silêncio dos Inocentes, retorna a ativa transitando em ambos os gêneros, e de forma surpreendente, em Rachel Getting Married (O casamento de Rachel).
Conduzido à lá Robert Altman (que é citado nos créditos de agradecimento), o filme traz inovações estéticas ao cinema do diretor que optou por utilizar câmeras manuais trazendo assim veracidade ao enredo e “casando” diretamente com o roteiro espontâneo da estreante Jenny Lumet, filha do diretor Sidney Lumet.
A trama aborda um núcleo familiar diversificado que se reúne para a cerimônia de casamento. Nela observamos pais divorciados, amigos de longa data engraçadinhos, ciúmes de todos os lados e música (muita música).
Porém, o centro desta narrativa reside na figura das irmãs Kym (Anne Hathaway em atuação impecável) e Rachel (Rosemary Dewitt que também não fica atrás em termos de atuação). Opostas ao extremo de um lado temos a figura de Kym, uma ex-modelo recém saída de uma clínica de reabilitação, e Rachel, centrada, inteligente e responsável.
De inicio a relação entre ambas é relativamente calma e harmoniosa, mas no decorrer da película a tensão se estabelece à medida que o passado de Kym é revelado e discutido entre todos e a inevitável “lavação de roupa suja” toma conta.
Não muito diferente da vida real, Rachel Getting Married é um filme que agrada não só pela veracidade já comentada aqui, mas pelo tom melancólico deixado na reta final provando que nem só de happy endings vive Hollywood.

Fim da letargia ou Morrissey e seus anos de reclusão

2009-02-17T16:56:00.001-08:00

Após meses de pura preguiça, devidamente assumida, eis que volto a escrever neste espaço. E o motivo não poderia ser melhor: o homem que mais ama e odeia este mundo em que vivemos, um autêntico Arthur Rimbaud do meio musical; o melhor inglês vivo... Em suma: Morrissey!

Years of Refusal, nono albúm solo, é um disco em há de se reconhecer: não surpreende se comparado a nova guinada na carreira do cantor iniciada em You are the quarry (2004), mas não desaponta tamanha a qualidade sonora destilada.

Tudo o que o cantor já havia exposto em trabalhos anteriores está lá: a tristeza e a descrença quanto ao amor no cartão de visita eletrizante, "Somebody Is Squeezing My Skull". A ironia em "All you need is me". A doçura de "I'm throwing my arms around Paris". A reflexão sobre amadurecimento e a busca pelo amor exposta através de belos acordes em "That's how people grow up".

Tudo, tudo, tudo de forma enérgica, dançamente e mais um fez memorável graças a também mão certeira de Jerry Finn (produtor do disco que, infelizmente, faleceu após as gravações) e da exímia banda de apoio que transforma as delisões de Morrissey em provas de amor destinadas a música.

Emocinante e comovente, Morrissey promove seu retorno, mais uma vez, acertando em cheio num disco que agrada um tanto que me fez voltar a escrever. E que os anos de reclusão continuem para ele. Afinal, fazer com que a tristeza ganhe contornos brilhosos e cheio de vida é privilégio de poucos. E ele sabe muito bem o que faz.

I'll be back someday...

2008-09-02T18:52:00.000-07:00

Paradez total. É o estado em que se encontra este espaço. O motivo? Carência criativa? Sim. Falta de tempo? Não. Preguiça? Um pouco.
Textos e idéias sobre sopram em meus ouvidos e esgueiram meus olhares, mas de uns tempos para cá tem rolado um certo desleixe. Desde de que a minha vida tomou outros e novos rumos escrever ficou em terceiro plano.
Tenho dedicado meu agora vasto tempo livre à leituras inúmeras e aprendido bastante. Autores (as) como Raymond Carver (Short Cuts) e Miranda July (É claro que você sabe do que estou falando) me ensinaram à observar o cotidiano de forma diferenciada e bela: como um autêntico voyer das profundezas banais.
A lista da Bravo dos 100 livros vai sendo adquirida aos poucos: O Grande Gatsby, O Leopardo, Coração das Trevas e Trópico de Cancêr estão na pilha de leituras futuras.
O livro O Jardineiro Fiel, de John Le Careé, ganha contornos de brilho e atenção pós - filme.
A série de cinco livros do Mochileiro das Galáxias, de Douglas Adams, também está a minha espera...
A expectativa está criada quanto à versão de Fernando Meireles para Ensaio sobre a cegueira (livro impactante e atemporal do genial escritor português José Saramago) como também a vinda do R.E.M. para o Brasil em novembro.
O TIM Festival também está aí e terá além de outras boas atrações o sublime The National que gostaria muito de ver. The Boxer, último petardo destes americanos fissurados em Bruce Springsteen, é um dos grandes trunfos do ano passado cujo disquinho, recém-chegado da Argentina para mim via meu grande amigo Marcos "Seu Muniz", tem recebido rotações diárias e constantes.
DVDs se acumulam numa velocidade tamanha na minha estante e não cabe aqui enumerá-los...
É um pouco da preguiça voltando...
Espero que após um hiato dedicado ao vasto material cultural adquirido a boa vista as "escrituras" retorne. Ainda existe um pouco daquele Bruno Lisboa, que adorava resenhar e escrever textos bobocas e articulados. Vou procurá-lo por aí para ver onde está e espero voltar em breve.

Inté.

Coldplay: ame-o ou deixe-o.

2008-06-13T19:40:00.000-07:00

Ei-lo: Viva la vida or death all his friends, novo e aguardado álbum do Coldplay, está por aí para quem quiser ouvir. E... bom... pouco há para se dizer.

Primeirante, sim, é sensível a melhora quanto a sonoridade de X&Y, irregular álbum lanaçado em 2004. Porém, qual é a da banda de Chris Martin e companhia? Que eles querer ser o próximo U2 (tal como discuti em texto sobre Sam's Town do The Killers) é óbvio desde o lançamento do disco de estréia, Parachutes. Agora soar como o U2 fase Zooropa é demais (ou de menos).

Que a banda de Bono Vox é influente a gente já sabe. Mas a produção de Brian Eno puxou a sardinha demais para o lado dos Irlandeses.

E o que se pode dizer quando o próprio Eno afirma em entrevista à Rolling Stone que as letras de Martin não são lá essas coisas, que a banda é repetitiva demais e que as músicas do Coldplay são, por vezes, longas demais...

Não sou tão extremista quanto Andy Gill, guitarrista do sensacional Gang of Four, que escreveu um artigo ao jornal britânico Independent intitulado Why I hate Coldplay. Pelo contrário. Por um certo tempo a banda era unanimidade em meu cd-player. Afinal como não amar A Rush of Blood to the Head, segundo e multi-platino álbum recheado de boas canções. Ou até mesmo hits do primeiro álbum como a singela "Yellow" ou o otimismo de "Don't Panic"? Mas o desgaste criativo veio cedo demais. E após o hiato de quatro anos muito se esperava muito Viva La Vida. E o resultado não é satisfatório. Pouco pela propaganda absruda pré-álbum que dizia falsas maravilhas.

Se que bem que o Chris Martin já tinha avisado que este álbum seria um "divisor de águas"...

Usufruindo dos dizeres dos tempos da nossa ditatura, o título desta resenha é perfeitamente cabível. E neste jogo de pôquer que é o nosso cada vez mais ampliado cenário musical com zilhões de discos chegando às prateleiras dia após dia, sobre este Viva la vida or death all his friends apenas digo: eu passo.

Nos tempos de Revista Zero

2008-05-07T04:46:00.000-07:00

Slam, novo livro de Nick Hornby, acaba de ganhar edição nacional e em breve estará num cinema pertinho de você.

Crime e castigo: a temática clássica trabalha em romance por Fiódor Dostoievski está em alta nos cinemas. Após Paranoid Park e Desejo e Reparação abordarem o tema agora é vez de Woody Allen pisar novamente em terreno fértil. Se em Match Point Allen recriou o seu cinema numa obra-prima que faz alusão direta a obra do autor russo, Cassandra’s Dream (O Sonho de Cassandra) também o faz. No enredo estão Colin Farrell e Ewan McGregor que interpretam irmãos ambiciosos, mas endividados. Para sanar os seus problemas e manter seus sonhos em voga ambos aceitam o trabalho sujo de matar alguém. A conseqüência disso você já deve saber, mas a maneira como se dá... Em suma: ponto para Woody Allen mais uma vez.

Insane in the brain: após lançar meses atrás o quádruplo Ghosts, disco composto somente por canções instrumentais, Trent Reznor e seu Nine Inch Nails mantêm a criatividade em alta e voltam à ativa com The Slip. Musicalmente falando é o bom e velho NIN de sempre, porém a maneira como o disco chegou ao “mercado” foi interessante: o mesmo está disponível no site oficial do grupo de forma gratuita e em vários formatos (MP3, MP4, Wave...). É... o mundo pós In Rainbows nunca mais será mais o mesmo...

Sweet and sour: L'Âge des Ténèbres (A era das trevas em tradução livre) encerra de forma oscilante a trilogia calcada em fatos históricos em comunhão com as relações humanas proposta pela canadense Denys Arcand. De uma lado temos a porção cômica do personagem sonhador de Jean-Marc LeBlanc (Marc Labrèche) cuja vida monótona e infeliz e “curada” pelos sonhos(composto por mulheres diversas, sucesso...). Mas seus sonhos desmoronam e a realidade vem a tona de forma dura dando ao filme um tom amargo e cruel. "A vida como ela é" diria Nelson Rodrigues.

Finalmente BH terá sua primeira Bienal do Livro. De 15 a 25 de maio no Expominas. Maiores informações aqui.

Fast news as you can

2008-04-15T19:12:00.000-07:00

A gravadora Trama anda mal das pernas. E para tanto vai “desovando” seu catálogo a um preço irrisório: R$ 4,90. No site do Submarino tem discos de Max de Castro, The Kills, Luna, Ed Motta entre tantos outros a sua espera.

Falando em The Kills... o novo disco do duo mais sexy do mundo, Midnight Boom, é uma maravilha. Sujo, em todos os sentidos, mas ainda sim pegajoso. “Cheap and Cheerful” é a música para se ouvir agora.

Its only rock n’n roll but...: Shine a Light, falso documentário de Martin Scorsese sobre os Rolling Stones, é tal como The Last Waltz (também de sua autoria onde captura as imagens do derradeiro show da The Band) uma oportunidade ímpar de ver a melhor banda de rock de todos os tempos, em termos de show, em ação.

On the road again: após enfrentar as dores do câncer Sheryl “All I wanna do” Crow volta à ativa com o disco Detours. Engajado e deliciosamente pop, o disco é um convite para pegar as estradas da vida e encarar a realidade no front sem medo de ser feliz. Comovente.

O homem criador do disco que inspirou o nome deste blog, segundo informações externas, irá tocar no TIM Festival em outubro. Fãs de Leonard Cohen! Tremei! Rio de Janeiro me aguarde.

Love is All There Is: esqueça a crítica! 2 dias em Paris, segundo filme com direção da musa Julie Delpy, é muito bom. Como proposta, o filme expõe a dificildade dos relacionamentos amorosos conteporâneos focando na história de Marion, francesa interpretada por Julie, e Jack, americano vivido por Adam Goldberg . Não tão consistente quanto o duo Antes do Amanhecer e Antes do Pôr do Sol (onde Delpy é protagonista junto a Ethan Hawke), mas apostando em bons e hilários diálogos, o filme deixa uma bela e otimista lição de vida em relação ao amor. Veja.

Notas rápidas

2008-04-01T07:18:00.000-07:00

I’m Not There é um filme sobre Dylan feito para conquistar novos ou agora iniciados em Dylan. Porém, foi criado por um grande fã e conhecedor da obra do mestre. Esta sucessão de orações estranhas, tal como a narrativa fragmentada da película, é só para ilustrar porcamente o grande filme de Todd Haynes. Afinal Dylan é e não é Dylan. Entendeu?

O novo do R.E.M, Accelerate, é como todo o disco de cunho político deveria ser: jovial, urgente, elétrico, curto e grosso. Em suma: perfeito.

Third, novo do Portishead me dá medo. Assustador do início (com direito a frase maluca do ideário Wicca pronunciada em bom português) até a última faixa, a soturna “Threads”, é um daqueles álbuns que você deve ouvir com a luz acesa durante a noite. Disco do ano até agora.

O novo do The Kooks, Konk, é muito bom. As pistas de discotecas indie agradecem.

O “furacão” Maria Rita passou por BH sábado passado mostrando que mais do que as belas pernas a moça “não deixa o samba morrer, não deixa o samba acabar”. Impecável apresentação.

I’m Juno’s again: assisti Juno pela segunda vez no cinema e a cada nova “assistida” me apaixono mais pelo filme de Jason Reitman. Ellen Page está perfeita. A trilha sonora é maravilhosa. O roteiro “anormal” de Diablo Cody fascina. Um raio de luz na vida de qualquer ser humano.

Bob Dylan? Que nada! O canal mesmo é ver a “bichona” do Rufus Wainwright. Maio em BH. Please pay attencion.

Os novos álbuns de Raconteurs (Consoler of the Lonely) e The Black Crowes (Warpaint) são puro “old fashion rock n’ roll”. Ouça “Many Shades of Black” (do Raconteurs) e “Goodbye Daughters of Revolution” (dos Crowes). Sua manhã não será mais a mesma.

Após o soco no estômago de seu “projeto paralelo”, o Grinderman, Nick Cave e seus asseclas (os The Bad Seeds) voltam apostando no pop em Dig Lazarus Dig. A faixa título que o diga. “Dig yourself. Lazarus dig yourself”.

O novo do The Mars Volta, The Bedlam In Goliath, é muito estranho, confuso e desconexo. Graças a Deus.

O Black Rebel Motorcycle Club toca na Argentina esse mês num club bem pequeno, somente para alguns sortudos. Energia em estado bruto. E eu aqui sonhando com eles tocando em BH na Obra...

Estou com uma preguiça enorme de escrever textos longos. Então, por hora, vou dando uma de Lúcio Ribeiro. Até.

A subversão

2008-02-24T18:40:00.000-08:00

Assistir a American Gangster, nova obra de Ridley Scott, foi como diria Woody Allen sobre Fyodor Dostoievsky "uma refeição completa", mas semanas depois a mesma se tornou um pouco indigesta.
Antes de mais nada não mudarei minha opinião sobre o filme. Sim, ele é grandioso. O elenco atua de forma competente. A fotografia é fiel ao período retratado (os anos 70). A trilha sonora é deliciosa. Até mesmo a parte fantasiosa (leia-se: exagerada) da vida do traficante Frank Lucas passa batido. Porém, faltou um pouco da direção.
Que Scott é um grande diretor isto Blade Runner e Alien já comprovaram, mas há algo de estranho. Afinal, a obra em nada se parece com qualquer outra de sua autoria. Se a mesma fosse vendida, para leigos, como de autoria de Martin Scorsese passaria batida tamanha a semelhança com o universo retratado na mente do diretor de Infiltrados, Caminhos Perigosos e tantos outros. Em suma: faltou pulso para Scott.
Essa máxima se faz valer para vários dos aclamados novos diretores que seguem o encalço do Scorsese. Porém, David Cronenberg é a exceção. E não é pelo fato de ambos serem da mesma geração. A grande diferença pode ser percebida em suas duas últimas obras: Marcas da Violência e a que presto à escrever agora, Senhores do Crime, onde o diretor se "aventura", mais uma vez, na ótica do gênero gângster/máfia, mas com uma grande diferença: sob a sua ótica.
A máfia russa está lá, travestida na pele do personagem Kirill (interpretado por um Vincent Cassel como a gente gosta: insano), seu pai Seymon (Armin Mueller-Stahl) e Nikolai (Viggo Mortensen). Porém, a maneira que Cronenberg a trabalha no filme é impressionante e ousada.
Assimilando a visão romântica de Coppola (via O Poderoso Chefão) e adicionado a já tradiconal violência de seus filmes (e por que não também de Scorsese), estes dois fatores, que aqui estão muito bem doados, já fariam do filme o seu diferencial. Porém, ainda não seria uma obra de Cronenberg. Então o que o faz ser diferente dos outros você se pergunta? Bom, para os conhecedores da filmografia de Cronenberg existe fundamental em seus filmes e que aqui está soberdo: o perfil psicológico oscilante dos personagens trabalhado as minúcias. Cada detalhe, cada pensamento, cada ação é transposta a tela sem mazelas. Da ternura ao ódio. E a indicação de Mortensen é mais do que justa ao Oscar, pois o domínio de um personagem dessa natureza impressiona e prova o quão rendosa está sendo sua parceira junto ao diretor.
Qualidades somadas, Senhores do Crime é um grande trunfo na longa carreira de David Cronenberg, pois ele não só realizou um grande filme como também subverte o gênero que tendia a desgastar. Mas nas mãos dele se torna novidade.

Paranoid Park Forever

2008-02-10T09:58:00.000-08:00

"Paranoid Park é o primeiro filme de Gus Van Sant 100% bom": lembro de ter lido isso em algum lugar antes mesmo de ver a nova obra do diretor. Mas será que esta isolada frase teria realmente sentido? E o que faria dele ser algo superior a Elefante ou a Gênio Indomável? Essas foram as questões que se passaram pela minha mente horas antes de assisti-lo. Tendo - o feito vejo que várias são razões para tal afirmação.

Em primeiro lugar, sim, esta é mais uma incursão pelo universo adolescente já trabalhada em películas anteriores. Porém, aqui ela está diluída de maneira diferenciada e abrangente.

Baseado no livro de mesmo título escrito por Blake Nelson, vários dos conflitos oriundos deste período marcante para grande parte dos seres humanos são colocados e discutidos de forma primorosa: a tentativa de se estabelecer em algum grupo, o primeiro amor, a primeira vez, desilusões, separações, o vazio de uma era carente de ideais a seguir (ou com zilhões deles dependendo da ótica)... tudo muito bem "amarrado", sem os buracos no roteiro que possivelmente poderiam aparecer.

O crescimento do diretor, tecnicamente falando, é visível. Utilizando e ampliando recursos utilizados em filmes anteriores, tidos como "experimentais", surgem aqui de maneira natural. As cenas em filme Super 8 (típicas de documentários sobre skatistas tal como o protagonista) são de rara beleza chegando inclusive ao ato inimaginável de imprimir um certo ar poético as imagens. O já tradicional usufruto do flashback (utilizado à exaustão em Elefante) surge de maneira sutil em momentos pertinentes na narrativa.

A trilha chega assustar tamanha a qualidade e diversidade. Oscilando entre o pop e o clássico, a seleção vai dos doces trinados de Elliot Smith (o grande mote de Gênio Indomável), passa pelo gênio Nino Rota, fiel escudeiro do não menos genial Federico Fellini, e utiliza da Nona Sinfonia de Beethoven. Tudo impresso de forma surpreendente nas telas.

O elenco, mais uma vez formado por atores amadores, brilha em atuações dignas e extremamente fidedignas a essência dos personagens.

Mas melhor que ficar escrevendo sobre os fatos, tal como o personagem central (Gabe Nevins) é tentar entender que tal como o "crime" cometido , o sentimento de culpa e as imagens que irão segui-lo por toda vida Gus Van Sant, de maneira histórica, criou um filme que não irá figurar listas de melhores de todos os tempos, nem lhe renderá premições inúmeras (opa! Cannes o fez). Porém, o mesmo não deve ser esquecido. Grande obra.

You've got to be strong, if you want to survive

2008-02-05T18:32:00.001-08:00

"Por que a canção de Bobby Womack, 'Across 110th Street', está presente em quase todos os filmes de gangsters?". Esta pergunta ecoou em minha cabeça por dias. Quentin Tarantino, por exemplo, a utiliza em Jackie Brown. Ridley Scott também a utiliza no recente American Gangster...
Seria devido à melodia funk? Ou seria pelo simples fato dela ser ótima mesmo? A dúvida perdurou por um bom tempo até o dia em que prestei atenção a letra e encontrei a.possível resposta: lá está a frase emblemática de qualquer "malandro" que almeje enfrentar os desafios da vida do ghetto adota para si: You've got to be strong, if you want to survive (você tem de ser forte, se você almeja sobreviver).
Tempos atrás, essa máxima somente poderia ser adota por esse seleto grupo que vivia à margem da sociedade e encarava o cotiano violento no front, buscando meios para a sua sobrevivência nos subúrbios. Mas isso foi há tempos atrás... Hoje ela vale também para todos nós que dia após dia vivemos num mundo cada vez mais sujo e dominado por personagens que antes só ouvíamos falar, visualizávamos nas telas da TV/cinema ou em livros de Elmore Leonard.
A violência tomou dimensões tão grandiosas e desenfreadas no século XX (o pior dos séculos para muitos) que mal avançamos para o de número XXI e o que se vê nos jornais não é um recrudescimento de mortes causadas por atos violentos de qualquer tipo e sim um acréscimo elevado no contingente.
Bom, ai você viu logo acima o pôster de Onde os Fracos não tem Vez (No Country For Old Men no original), novo filme dos irmãos Coen, e se pergunta: em que hora esse imbecil vai falar do filme? Se for isso que você quer caro leitor ai vai: o filme é sem sombra de dúvida o melhor dos Coen desde sempre. O roteiro baseado na obra de Cormarc McCarthy está fidedigno à obra. Javier Bardem está soberbo em atuação digna de Oscar no papel do louco assassino Anton Chigurh. Mas isso você já sabe, leu por ai e é o de menos.
A intenção da película é chocar o espectador. E não com as cenas sanguinárias que permeiam toda a obra. Afinal de contas Onde os Fracos não tem Vez é real e está em todo lugar. Está em frente a sua janela. Está enquanto você perde o seu tempo lendo este texto. E nós estamos estarrecidos, pois, aparentemente, não há nada a fazer.
Nessas horas vêm a consciência as palavras de Lennon: "How do you sleep?". Eu confesso que meu caro amigo que não sei como.

The day after the revolution*

2008-01-20T09:15:00.001-08:00

"You say you want a revolution
Well you know
We all want to change the world"

Beatles em "Revolution"

A vida inteira buscamos por realizações. Buscamos revoluções em nossas vidas, mudar o mundo ao nosso redor. Mas o que vem depois de conquistarmos nossos sonhos? Esse é o mote conflituoso de Amantes Constantes de Philippe Garrel.
O filme, que funciona, de forma indireta, como continuação ao soberbo Os Sonhadores de Bernardo Bertolucci, volta à mesma França de 1968 aonde a revolução estudantil eclode de forma violenta. A juventude tomou às ruas adotando a ideologia da "liberdade individual para todos". E não obstante é datado também nesse período o início da revolução sexual que iria culminar no verão de 1969. Todos esses fatos históricos são filtrados pela ótica de Garrel que imprimi de forma primorosa a visão de quem somente vivenciou tudo com seus próprios olhos poderia fazê-lo.
Acima comentei sobre a ponte entre Os Sonhadores e Amantes Constantes e a mesma acontece justamente por duas razões: primeiramente pelo início já que a película de Garrel começa aonde Bertolucci termina, no conflito armado entre a polícia armada e os estudantes. Segundo, pela presença de Louis Garrel, filho do diretor, que atua também no filme do diretor italiano.
Filmado totalmente em preto e branco, utilizando de técnicas oriundas da década de 60 (seja através de closes focando o rosto e as expressões dos personagens e/ou o silêncio como forma de demonstrar a angústia daqueles tempos), o diretor trás nas suas três horas de duração um filme grandioso que os acostumados aos padrões hollywoodianos de hoje nunca irão se acostumar.
Obrigatório para fãs e apaixonados pela sétima arte que permanece viva na obra de alguns diretores e Philippe Garrel é um deles.

* Dupla referência. Primeira: título de uma canção do extinto Pulp, do carismático Jarvis Cocker, que versa sobre a mesma temática do filme. Segunda: antítese ao filme de Bernardo Bertolucci Antes da Revolução. Durante uma passagem do filme a personagem Clotilde Hesme indaga ao primo de Antoine (Nicolas Bridet), um pintor, se já assistiu “Antes da Revolução”, vira-se para a tela e solta num suspiro soturno: “Bernardo... Bertolucci”.

I was there!*

2008-01-06T06:31:00.000-08:00

Marina da Glória/RJ: 26 de outubro de 2007 - Tim Festival

Eu estava lá! Eu a vi. Renovada, elétrica e extremamente feliz. Em sua melhor fase. Eu a vi como a muito tempo não acreditava vê-la. Me emocinei a cada segundo de sua presença. Por ela qualquer esforço parece em vão. Cat Power. É por ela que meu coração "musical" bate no momento. E não poderia dizer nada mais do que estas parcas linhas do que fora o show dela para mim. Um dos pontos altos de minha vida concretizada em forma de sonho/realidade em três dias de puro êxtase carioca? Com certeza sim.

E para coroar/selar a nossa renovada paixão chegará as lojas no dia 22 de janeiro seu mais novo trabalho: Jukebox álbum onde, mais uma vez, revisita clássicos e obscuridades de artistas de sua predileção como também recria canções do seu próprio repertório.

Como de praxe, o disco já está por ai na web para quem quiser ouvir. E como diz a o título da canção de Bob Dylan: "Tomorrow Is A Long Time". Então o download já fora efetuado a título de necessidade mor.

Considerações: mais um vez, como desde Covers Record , Chan Marshall acerta em cheio graças a seleção grandes canções que graças a sua plácida voz, sua interpretação diferenciada das versões originais e uma exímia banda de apoio (o Dirty Delta Blues colabora novamente tal como no grandioso The Greatest) se destacam de forma primorosa.

O hino clássico/clichê à cidade de New York ("New York, New York", claro, famoso na voz de Frank Sinatra e Liza Minelli) é recriado de forma inimaginável: vigoroso e cadenciado, acrescetando assim, uma nova e esplendorasa visão/interpretação da canção.

A canção country de Hank Willians "Ramblin' (Wo)man" torna-se um blues do primeiro escalão.

"Lost Someone", de James Brown, vira uma delicosa e pulsante valsa tal como a maravilhosa versão de "I Found the Reason" do Velvet Underground cometida por ela no já citado Covers Record.

Bob Dylan está lá de forma dupla: na elétrica versão de "I Belive in You" e na singela/comovente homenagem ao mestre em "Song To Bobby" única canção própria inédita no álbum.

Por fim, destaca-se a trinca final dedicada a cantoras: a versão de "Don't Explain" de Billie Holiday (apresentada em primeira mão nos shows do Brasil), "A Woman Left Lonely" famosa na voz de Janis Joplin e a belíssima "Blue" de Joni Micthell.

Eu estava lá e estarei quantas vezes me for necessário, pois ao contrário de Feist que me "deixou na mão" ao não comparecer ao nosso "encontro" no Tim Festival, Cat Power apagou qualquer ausência sentida e continua a arrebatar corações seja no palco ou em discos como o maravilhoso Jukebox que já desponta como um dos melhores de 2008.

*Qualquer antítese traçada com I'm Not There, filme de Todd Haynes, que tem em sua trilha sonora a própria Cat Power está no caminho certo. Agora, se você se lembrou da frase emblemática de "Losing My Edge" do LCD Soundsystem também está.

That 70's show*

2008-01-04T16:20:00.000-08:00

Os anos 70 foram a glória para muitos. Fora a época que nem almejava em nascer, mas gostaria. Foi um período mágico por infinitas razões. E, musicalmente falando, década das mais propícias para a produção de grandes álbuns.

A beatlemania havia estagnado com fim da banda de Liverpool. Então o mundo respirava ares mais amplos enxergando e dando espaço para muita gente boa. E como era dificil não gostar dele nesse tempo... A fatídica era foi a fase mais promissora de sua carreira.

Afirmar que não gostava de Rod na época seria o mesmo que achava Pelé um jogador mediano fato que, como todos sabemos, é inconcebível.

Foram tantos álbuns e canções históricas que fica dificil destacar apenas um(a), mas por hora fico com o meu predileto do momento, que também figura na lista do Rolling Stone de 500 Melhores Álbuns de Todos os Tempos, tem a predileção de Cameron Crowe e também dos caras do Manic Street Preachers: Every Picture Tells A Story.

Lançado em 1971, o disco catapultou a carreira até então sub-oscura de Rod que estava recém saído do seminual Faces e do Jeff Beck Group. Estão neste álbum vários de seus clássicos presentes até hoje no repertório como "Maggie May", "That's All Right (Mamma)" (famosa também na voz de Elvis Presley) e a faixa título.

Dono de uma das melhores vozes do período e performances eletrizantes Rod Stewart tinha o cetro em mãos e seguiu a década conquistando público e crítica, mas não o manteve por muito tempo. A década de 80 veio, os excessos de quem levou uma vida Rock & Roll ao extremo também, e, consequentemente, a veia criativa afrouxou em prol do que eu chamaria de Roberto Carlos Sindrome , pois uma interminável fase baladeira vingou e não tardou mais.

O cantor versátil e ousado de outrora agora aposta no caminho "fácil" de gravar standars de jazz para agradar em cheio o público norte - americano e o mercado agradece mais um volume da série American Songbook que chega a seu quarto. Um pena. A meu ver desperdício de talento de um dos maiores perfomers que o rock já viu e influenciou tanta gente boa como a "tia" Rita Lee confessou recentemente em entrevista a Rolling Stone.

Saudades do tempo em não vivi nem viverei. Nostalgia pura ocasionda por textos de Lester Bangs, para muitos o maior crítico musical de todos os tempos que retratou como poucos e efervecência dos anos dourados do rock.

Enquanto isso Almost Famous volta para a prateleira de filmes a serem vistos essa semana.

Detalhe: a trilha do filme de Cameron Crowe tem, como de praxe, vários atrativos. Entre eles a faixa "Every Picture Tells A Story" que fora minha primeira incursão ao universo de Rod Stewart.

*Série televisiva recente que revelou o talento de atores como Topher Grace e Ashton Kutcher.

REQUIEM POUR UNE ARTIST

2007-11-11T03:16:00.000-08:00

Pela primeira vez em quase três anos deste espaço publico algo que não seja de minha autoria. E, para começar bem, tenho a honra de postar as considerações de Juan Fiorini (poeta, escritor, agitador cultural e, nas horas vagas, meu grande amigo) sobre o obra prima de Silvie Simmons, Um punhado de Gitanes, que esmiuça a vida e a obra do gênio Serge Gainsbourg.

“Il y a une trilogie dans ma vie. Un triangle, dirons-nous, équilateral que est la fummé enfin, les Gitanes – l’èthylisme, et la fille. Je n’ai pás dit isocèle, j’ai dit équilateral. Mais tout ça avec um background me mec initié à la beauté, à la peinture.”*

Em Um punhado de Gitanes – Serge Gainsbourg, Sylvie Simmons, jornalista de rock renomada procura definir e falar um pouco sobre Serge Gainsbourg, o mito e ícone pop francês, um artista tão versátil quanto polêmico.
Compositor, escritor, diretor / roteirista de cinema, cantor, fotógrafo, intelectual, artista plástico, ator, bêbado, provocador, amante e fumante exacerbado de cigarros Gitanes (cinco maços por dia!!!), este misto de Bukowski com Barry White apresentou a elegante e ímpar chanson française ao mundo pop, namorou beldades (Brigitte Bardot e Jane Birkin, só para citar as mais conhecidas), criou o pop francês – até então a música francesa era motivo de chacota pelo resto da Europa, principalmente entre os ingleses, numa época em que os Beatles e os Rolling Stones eram referências mundiais – e foi o autor / cantor do talvez maior hino musical kitsch e sexy do planeta: “Je T’aime, moi non plus”, uma verdadeira “Stairway to Heaven” das camas redondas.
Dona de uma maneira deliciosamente descolada de escrever, que permite uma leitura objetiva e com poder de entretenimento excelente, Sylvie aborda desde o nascimento de Serge (cujo nome verdadeiro era Lucien Ginsburg, filho de judeus russos), sua juventude, suas primeiras aparições no mundo artístico – iniciando nas artes plásticas e logo após nos pianos dos clubes parisienses –, sua crescente fama, suas manias, suas crises, até a degeneração, encarada com uma classe que só um francês sabe como, bien sûr. O livro também aproveita para expor fatos como suas parcerias musicais com verdadeiras divas chansonniers como Juliette Greco e Françoise Hardy, seus sucessos e insucessos, fatos pitorescos advindos da excentricidade do artista, renomado ainda que tardiamente (o sucesso só viria a brilhar para ele em 1969, embora seu primeiro álbum tenha sido lançado em 1958).
E tudo não pára por aí: no final do livro há também um apêndice com várias citações do enfant térrible, uma discografia pra lá de completa, uma relação de todos os trabalhos feitos para a televisão e cinema e sugestões de referências (ótimas) para gainsbourgólogo nenhum se queixar.
Serge morreu em 1991. Mas para muitos não morreu. Uma inscrição na parede da casa número 5 da Rue de Verneuil, no bairro de Saint Germain, em Paris, diz que “Serge não morreu. Ele está no céu, trepando”. A única e melhor conclusão é a de que este livro é um passeio delicioso pela vida de um dos raros homens que soube talhar a grife da polêmica de maneira fatalista-niilista, um homem que sabia que “la mort est toujour présent, si on n’est pas con”(“A morte está sempre presente, se não formos bobos”), mas que estava igualmente convencido de que por algum motivo isso não aconteceria com ele. Un suicide optimiste, enfin.

*“Há uma trilogia na minha vida, um triângulo eqüilateral, por assim dizer, de Gitanes, alcoolismo e mulheres. Repare que eu não disse isósceles, disse eqüilátero. Mas tudo isso é fruto da formação de um homem que foi iniciado na beleza através de arte.”

Por Juan Fiorini

Diary of a madman: Indie 2007

2007-11-03T19:19:00.000-07:00

Fotos: Divulgação

Aconteceu entre os dias 05 e 11 de outubro a sétima edição da mais tradicional Mostra Mundial de Cinema de Belo Horizonte: o Indie.
Não tão diversificada quanto às de São Paulo e Rio de Janeiro, mas tão importante quanto, a versão 2007 fora de longe uma das melhores dos últimos anos graças a uma programação que agradou a “gregos e troianos” e a exímia organização.
Foram 129 filmes de 23 países exibidos nas salas do Usina Cine Clube e no Espaço Humebrto Mauro e subdivididos em várias categorias que iam desde pré-estréias (a Mostra Mundial), documentários musicais (Música do Underground), a sessão “nostalgia” dedicada a diretores clássicos (Indie Retrô), o atual cinema nacional (Indie Brasil) entre outras.
Segue abaixo a relação de alguns filmes, relatados tal como um diário de bordo, que este que vos escreve assistiu e recomenda como também algumas pequenas considerações sobre o dia a dia de quem, na medida do possível, acompanhou a correria/loucura de sessões disputadas e subseqüentes, assistiu filmes sentado ao chão ou em pé (fato que já aconteceu em edições anteriores). Então está ai:

Sexta – feira – 05/10/07:

No Primeiro a intenção era ver o documentário Rockin’ Brooklin, mas os ingressos estavam esgotados. A opção era então a assistir ao filme brasileiro A Casa de Alice, primeira obra do documentarista Chico Ferreira. A película aborda o dilema e o dia a dia da manicure Alice que reside em São Paulo com três filhos, a mãe e o esposo. O roteiro nos transporta para esse ambiente que se aproxima tanto do real que agrada se pensado justamente como documentário, mas nem tanto como obra ficcional. Ficou devendo.

Sábado – 06/10/07

O dia mais movimentado do festival. Um calor infernal pairava sobre Belo Horizonte. Dia também de sessões disputadíssimas e simultâneas. A tarde começou com o ótimo e hilário filme do gênio multifacetário Serge Gainsbourg Paixão Selavagem que tem no elenco a ainda jovem e belíssima Jane Birkin e uma participação mais do que especial de Gerard Depardieu. Na seqüência fora a vez da surpreendente animação sci-fi noir Renaissance dirigida por Christian Volckman. O roteiro futurista gira em torno do ano de 2054 e é ambientado em Paris onde a vida é monitorada por câmeras de vigilância. A personagem Illona, importante cientista da companhia Avalon, fora seqüestrada. E cabe ao agente Barthelemy Karas resolver a questão. Num misto de Sin City (pelo tom de preto e branco graphic novel semelhante a obra de Frank Miller) e com temática semelhante ao mal resolvido Minority Report, o filme fora um dos melhores deste ano e deve entrar em cartaz em breve em cinemas belo horizontinos.
Chegava a noite e coração ficava partido: iria ver um filme do Truffaut (no caso o elogiado Amor em Fuga), enfrentar a interminável fila para INLAND EMPIRE (novo de David Lynch) ou encarar a obra de estréia de Tom Kalin, Savage Grace? Se existe uma máxima “na dúvida fique com a última opção” aqui ela se comprova e não fora em vão. Savage Grace é um grandioso e ousado filme que retrata a história real de Barbara Baekeland, interpretada brilhante por Juliane Moore sendo esta a sua melhor atuação de todos os tempos. A história gera em torno de seu casamento conturbado com o milionário Brooks Baekeland, uma polêmica relação incestuosa com o seu próprio filho, Antony, que é homossexual, e a decadência de sua família. Dotado de uma bela fotografia, uma direção primorosa e de cenas/diálogos fortes a obra é recomendável com louvor. Para quem perdeu, ele tem estréia marcada nos cinemas brasileiros no dia 15 de novembro.

Domingo – 07/10/07

Dia de filmes B. Leia-se: de baixo orçamento. O primeiro fora Quarto 314, de Michael Knowles. O roteiro da obra é simples e interessante: retrata a história de cinco casais vivendo momentos distintos do relacionamento e tendo como ambiente o quarto mencionado no título. Dotados de bons diálogos e de um elenco de atores amadores, mas condizentes com a obra, o filme carece de apenas um aspecto: a ausência de trilha sonora. Porém, isto não pesa tanto no resultado final. Grata surpresa.
Na seqüência foi a vez do documentário The Ballad of A.J. Weberman de James Bluemel e Olive Ralfe. O filme retrata a vida do lunático A.J. Weberman, um dos pioneiros da Dylanlogia, ou seja, estudo sobre as letras de Bob Dylan e da Garbologia que é o estudo sobre a vida do ser humano através do lixo que ele produz. A porção cômica da obra reside em dois aspectos: primeiro pelas hilárias conversas telefônicas de Weberman e Dylan no qual o primeiro persuadia o segundo em perguntas escatológicas, que beiravam o besteirol, e deixavam-no irritado. Segundo pelo modo de vida obsessivo do protagonista que se une aos “rebeldes” de Nova York para viver de forma irreverente já que ele e seus asseclas/admiradores vivem à margem do sonho americano. Hilário.

Quarta – feira – 10/10/07

Hora e vez do já citado Rockin' Brooklin, dirigido por Wojciech Bozyk, que observa a frutífera cena rock do local. Mais do que retrato romântico, o filme retrata as dificuldades de quem objetiva viver de música e traça paralelos com bandas que conseguiram alcançar o sonho de sair de seus domínios e alcançar vôos maiores como é o caso do soberbo TV On The Radio e o Radio 4. Boas e promissoras bandas são apresentadas ao vivo e provam que apesar de atual cena nova-iorquina estar em decadência (vide Strokes, Interpol etc.) no bairro vizinho as coisas vão bem obrigado.

Quinta – feira – 11/10/07

A despedida do festival. A escolha da vez fora o aguardado, pelo menos por mim, Delirious. A comédia de Tom DiCillo (diretor de Johnny Suede) apresenta o dia a dia do paparazzi Les Galantine que busca de forma insana a sua ascensão profissional. Les encontra o morador de rua que sonha em ser ator, Toby, e o adota como assistente. Ambos partem assim em busca desenfreada pelo sucesso. O desenrolar desta história é deveras delicioso, mas é importante ressaltar o fio condutor da obra que reside na interpretação magistral dos protagonistas (interpretados pelo brilhante Steve Buscemi, como Les, e Michael Pitt, como Toby) que rendem boas gargalhadas. Tal como participação de Elvis Costello que interpreta a si mesmo. De forma geral, DiCillo atinge seus objetivos que residiam não somente apresentar a superficialidade da vida das celebridades como também quão irônica ela pode ser. Perfeito.

E assim, termina mais edição do festival para sempre residirá no coração dos mineiros que, assim como eu, são apaixonados pela sétima arte e aguardam ansiosamente a próxima edição.

Growing up in public*

2007-09-23T08:17:00.000-07:00

Semanas atrás obtive umas das experiências que, provavelmente, terei de enfrentar por muitos anos de minha vida: a sala de aula. Porém, numa posição muito diferente que enfrento diariamente na faculdade, pois lá sou aluno e durante estágio sou professor. E o quão difícil é esta tarefa... Como se não bastasse o frio na barriga ocasionado por encarar pessoas completamente diferentes e desconhecidas existe outro fator maior: basicamente, ninguém liga para você. Numa turma de, por exemplo, quarenta alunos se cinco prestarem atenção no trabalho que você gastou horas formulando é pedir demais. Infelizmente, esta é a realidade do ensino de uma forma geral no qual professores não são mais essenciais e os alunos não se dedicam nem ao mínimo de prestar atenção em respeito à presença do professor.
Este quadro deprimente pode ser transposto para várias outras áreas como, por exemplo, o rap norte – americano. Se para cada Jay – Z (exemplo de aluno aplicado que hoje é professor) existe milhares de alunos indisciplinados (Ja Rule, P. Diddy, T.I., Eminen...) que crescem como vírus provando esta máxima.
Recentemente, o mercado mundial presenciou uma batalha de extremos desta sala de aula: um aluno da turma do “fundão” (50 Cent) lançou o desafiou ao “C.D.F” (Kanye West). O embate consistia em: ambos lançaram no mesmo dia (11 de setembro) seus mais novos trabalhos, 50 via Curtis e West com Graduation. O primeiro (brigão por excelência que se gaba de ter levado nove tiros e sobrevivido) afirmou que seria impossível West vender mais cópias que ele na primeira semana e disse sem pestanejar: caso isto aconteça eu desisto de gravar discos solo. West, do seu lado, ouviu tudo e deixou rolar.
Analisando ambos se vê uma enorme diferença. Curtis é, sem sobra de dúvida, um disco fraco. Se comparado aos álbuns anteriores (Get Rich or Die Tryin’ e The Massacre) não apresenta diferenças. Claro, há momentos dignos de nota como “AYO Technology” (com Justin Timberlake e Timbaland) e “Follow My Lead” (com Robin Thricke), mas não garantem a média e a aprovação fica para o ano que vem.
Já Graduation a história é outra. É perceptível e admirável nas primeiras audições o crescimento do aluno dedicado que Kanye West é. Cada vez mais distante dos “batidões” do gangsta (marca de 50 Cent, por exemplo) West aposta em melodias surpreendentes que dialogam com, por exemplo, com o electro do duo francês Daft Punk (na ótima “Stronger”), utiliza samples da velha guarda da música negra (a belíssima “I Wonder” tem como base “My Song” de Labi Siffre, poeta e compositor) ou deixa o piano conduzir a canção (“Everything I Am”). Como se bastasse, estabelece dialogo não somente com colegas de classe (o sempre aplicado Mos Def marca presença) como também em outras áreas via Chris Martin do Coldplay que aparece em “Homecoming”. E sem deixar de render homenagens a quem merece “Big Brother” está lá dedicada explicitamente ao mestre (o citado Jay – Z).
E o resultado final nesta verdadeira batalha de gigantes teve como vencedor, e de forma merecida, Kanye West que vendeu 957 mil cópias contra 691 mil do adversário.
Por fim, cito sabiás palavras proferidas por West, pois como afirma na abertura de Graduation em “Good Morning”: “people graduate but still stupid”. Sim, ele já alcançou a graduação, mesmo se registrando tardiamente (Late Registration, grande disco anterior a este) e ruma para a pós, mas almeja algo ainda melhor. Não se cansa de crescer. E digo não somente em público, mas também como pessoa já que anseia algo melhor não somente para si: busca melhorias também para o mundo (para quem não sabe West é ativista político e participou do Live Earth evento organizado por Al Gore).
E que fiquei a lição para 50 Cent e seus asseclas: seus dias de baderna estão contados. E se você quiser sair mesmo dessa vida Kanye pode lhe ajudar. Dias atrás ele ajudou ao Common a produzir um discão (Finding Forever) coisa que ele não fazia há tempos...

* Em referência ao álbum de Lou Reed lançado em 1980.

Great Expectations*

2007-09-22T10:37:00.000-07:00

“Pouca gente se lembra do Nirvana tocando no terceiro palco do Reading Festival”.

Não me lembro quem proferiu esta célebre frase citada acima (Nick Hornby? Tony Parsons? Simon Reynolds?... Hum... deixa para lá), mas a mesma fora bastante representativa. Digo isso porque enquanto meia dúzia de pessoas assistia ao grupo de Kurt Cobain e companhia em 1990, no ano seguinte o grupo lançaria Nevermind e graças a “Smells Like Teen Spirit” foram içados do palco três para o um a tamanha a projeção alcançada.
Trago isso para 2007 e vejo basicamente o mesmo acontecer já que, salvo as dividas proporções, a paulistana Céu traça trajetória semelhante.
A primeira apresentação da cantora em solo mineiro fora antológica tal como o grupo de Seattle que debutava na Inglaterra, mas poucos estavam contemplando-a. Digamos que uma média de 10% do público presente estava lá para vê-la, pois o restante estavam na Estação do Conde para ver o celebrado Funk Como Le Gusta ou curtir a noite de sexta-feira. E fora completamente visível este fato durante o show já que a turma do gargarejo fazia bonito entoando todas as canções em uníssono, admirando cada nuance de Céu que dançava timidamente sobre o palco durante as canções, cativava pela graciosidade e, claro, sua rara beleza natural que não necessita de “adereços” para ser exibida. É como Lucio Maia, da Nação Zumbi, disse certa vez: “Céu poderia ficar pagando de Beyoncé, mas não o faz”.
Sobre o desempenho da cantora posso dizer que a sua voz fora uma grande surpresa. Se em disco (o auto-intitulado Céu de 2005) ela já soava maravilhosa ao – vivo se faz ainda mais já que o ar levemente pasteurizado das gravações via estúdio dão lugar a simplicidade e a segurança de uma Billie Holliday.
O repertório, executado nos mínimos detalhes, há de se louvar e congratular a banda de apoio que atuou de forma impecável.
A sonoridade de Céu gira em torno de tantos gêneros que fica difícil classificá-la. Suas canções apresentam desde características urbanas (o rap, por exemplo) a raízes africanas (sua grande paixão confessa) como o reggae, o dub, o jazz... E tudo isso está tão bem diluído e palatável que impressiona aos ouvidos.
Por fim, afirmo, com absoluta certeza, que pouca gente irá se lembrar da apresentação de Céu no dia 21 de setembro de 2007 em Belo Horizonte. Porém, as chances da cantora ser a próxima next big thing são grandes. Se 2007 fora, de forma merecida, o ano de consolidação de Vanessa da Mata, 2008 tem tudo para ser o ano de Céu que vem conquistando aos poucos seu público e somado a crítica que segue vangloriando seu trabalho a faz a grande esperança do cenário nacional. E que venha seu segundo álbum para sacramentar!

* Em referência a clássica obra da literatura realista de Charles Dickens

A Pain That I'm Used to*

2007-09-09T16:11:00.000-07:00

Você acredita que música pode salver vidas? Caso afirmativa a resposta você já fora salvo alguma vez? Pois eu digo sem pestanejar que fui por várias vezes. Mas nada de suícidio aqui. Quando falo em ser salvo faço menção a reviravoltas na vida. Ao famoso termo "dar a volta por cima" para seguir em frente. Como exemplo, posso citar o fato de Summerteeth do Wilco (que nada mais é que um verdadeiro manual de como superar as dores pós - relaciomaneto findado) ter me dado bastante força anos atrás.

Sei que encontrar respostas em canções é um misto de Rob Fleming sindrome como também uma certa dose de infantilidade, mas este sou eu. O que posso fazer?

Mas se para cada Summerteeth existe seu réves então está aí West novo álbum da maravilhosa cantora e musa country Lucinda Willians.

Diferente dos álbuns anteriores o disco tem como essência a tristeza latente. E para tanto, essa novidade assusta na primeira audição a velhos fãs como eu habituados a sua voz rasgante, precisa e potente. A energia de antes agora ganha placidez. E não falo somente da voz: as guitarras de outrora que antes emulavam a sua porção Stones (via Keith Richards) dão lugar a sonoridades sutis e violões muito bem encaixados, docemente melodiosos.

Os títulos das canções também são um viés para compreender o novo universo adentrado por Willians: "Learning How To Live", "Fancy Funeral", "Rescue", "Where Is My Love?" e "Everything Has Changed" são alguns exemplos.

Há quem pense que o fato de ouvir constantemente canções tristes a tornam uma pessoa como tal. Porém, não enxergo nessa ótica. Há momentos que se faz necessário "curtir" um pouco da tristeza. Tal como nas cenas finais de Elizabethtown, dirigido por Cameron Crowe, onde Clare (personagem de Kirsten Dunst) diz a Drew Baylor (personagem interpretado por Orlando Bloom): "curta a tristeza intensamente por cinco minutos e depois esqueça - a". West, eu sei, não tem cinco minutos de duração (na verdade são 68), mas este é um dos raros casos que, como diria o falecido Jeff Buckley, a tristeza ganha contornos brilhantes. E Lucinda o faz muito bem. E a vida segue...

* Canção emblemática do Depeche Mode

Heroes of the day: “Extreme Ways”* of Jason Bourne & Paul Greengrass

2007-09-01T18:17:00.000-07:00

Dias atrás estávamos eu e meu grande amigo cinéfilo Luiz discutindo, filme a filme, a recente lista publicada pela Bravo! no qual estão dispostos os 100 filmes essenciais segundo a publicação. Aliás, exercício este muito interessante e delicioso. Mas não quero aqui colocá-la em pauta e sim realizar um pequeno questionamento: o porquê a ausência das obras de novos diretores?
Tocar em terreno sagrado é muito válido, principalmente para a nova geração de admiradores do cinema, mas também um pouco “fácil” já que não há muito a se discutir quando se fala de Orson Welles, Stanley Kubrick, Coppola, Fellini, Woody Allen etc. São diretores geniais que abriram portas e mentes, influenciando muita gente. Isto é fato e ponto. Se pensarmos na lista citada ao que parece o cinema parou nos anos 70. Porém, de lá para cá muita coisa aconteceu. Será que trabalho da nova geração de diretores como Michel Gondry, Spike Jonze, Fernando Meirelles (único novato na citada lista), François Ozon, Christopher Nolan, Richard Linklater entre tantos outros não são válidos? Dignos de nota? E de fato “uma verdade irritante” (tal como no filme Os Simpsons, em ironia ao documentário Uma verdade Inconveniente).
E dentre os novos diretores decreto hoje o mais novo membro da “academia”: o britânico Paul Greengrass. Sua carreira ainda engatinha eu sei, mas a “passos largos”. E muito me impressiona a maneira que conduz seus filmes: a câmera segue de maneira tensa seguindo cada nuance nos momentos exatos. Seus planos se alternam entre abertos e fechados sem perder a essência. Captura de forma primorosa cada um dos detalhes presentes na fotografia. Retira dos atores de seus atores interpretações no mínimo elogiáveis. E não se trata de um diretor especializado em dramas ou qualquer outro gênero ligado ao mesmo. Sua especialidade são as películas de ação.
Quando Vôo United 93, seu “segundo” filme (seguindo o ponto de vista mercadológico) estreou muita atenção fora dada ao fato de abordar um fato no mínimo perigoso, a ferida dos americanos: 11 de setembro que aqui no caso faz menção ao vôo que não alcançou seus reais objetivos ocasionando, após a queda, a morte de todos os tripulantes e terroristas a bordo. Mas, polêmicas a parte, o filme é realmente impressionante. E digo isso não somente pela carga de realismo apresentada em cenas angustiantes. Assisti-lo é algo que realmente incomoda. Lembro-me até hoje das dores de cabeça geradas ante sua exibição no cinema tamanha a confusão e caos apresentados nas cenas. Tal como nos diálogos da sala de comando do aeroporto que são recheadas de terminologias estranhas aos meus ouvidos e isto me fascinou grandiosamente tal e qual aconteceu ao assistir Laranja Mecânica de Stanley Kubrick, filme que, aliás, me deu muita dor de cabeça também. Entretanto, ambos os casos são dores de cabeça do bem.
E sua trilogia sobre o personagem de Robert Ludlum, o agente Jason Bourne, também não fica para trás. E falando nela me renderei agora a seu último capítulo: o soberbo Ultimato Bourne.
Na história Jason segue sua busca incessante de sua identidade. Para tanto abandona seu esconderijo e ruma ao redor do globo para findar a missão de um homem só. Agora, o agente encontra no jornalista Simon Ross do The Guardian (publicação inglesa), que acompanha toda a história inescrupulosa da organização secreta Treadstone (renomeada Blackbriar) da qual o próprio Jason fazia parte, a fonte necessária do resgate de sua origem. Porém, o encontro com o mesmo não fora dos mais felizes gerando a morte do repórter e mais uma nova caçada ao agente.
Eletrizante tal como os dois anteriores, em Ultimato Greengrass usufrui bem os milhões de dólares (R$ 125 mi.) utilizados para a realização do filme. E em grande estilo. As locações na Europa e África foram realmente muito bem utilizadas, tamanha a beleza da fotografia e as ótimas tomadas aéreas introduzidas a cada cidade que Bourne passava.
No campo das atuações Matt Damon segue magistral no papel do agente. Julia Stiles cede, mais uma vez, seu brilhantismo a personagem Nick Parsons. Joan Allen volta interpretando bem a personagem Pam Landy. O sempre marcante David Strathairn é Noah Vosen, agente do governo implacável quando o assunto é a morte de Jason Bourne. Da série “coadjuvantes de luxo”, estão lá Daniel Brühl (de Edukators e Adeus Lênin) em cena curta, mas importante na trama, e Albert Finney que em míseros 20 minutos de cena na reta final do filme expõe toda sua grandiosidade como ator (fato que quem já viu Peixe Grande sabe do que estou falando).
Em suma, para finalizar, faço das palavras proferidas por Gregory Kirschiling, crítico do Entertainment Weekly.com, as minhas: “para Greengrass, esses filmes se destacam porque Bourne é um homem real, num mundo real. E ele sustenta uma busca tão mítica e arcaica quanto uma tragédia grega, sua própria identidade”.
Esses e outros fatores fazem de Jason Bourne o agente da vez (já que a série James Bond aparenta entrar nos trilhos, mas aguardaremos ansiosamente por Agente 22 para definir) e de Paul Greengrass um dos melhores diretores da nova safra.

* A ótima “Extreme Ways” do Moby é o tema musical da trilogia de Jason Bourne.

Enquanto isso no Brasil...

2007-08-12T16:19:00.000-07:00

Este ano estou no paredão. Encurralado. Tudo por um simples motivo: a surpreendente guinada na cena musical brasileira.
Durante anos de dedicação a música pop poucos foram os disco do ala nacional que adentravam a minha tradicional lista dos cinco melhores álbuns do ano. Quando me prestava a pensar nesta categoria (separando os nacionais dos internacionais) o número de participantes era, por vezes, inferior ao total. Então às vezes nem me prestava à sua realização. Não que a música brasileira esteja em estado de putrefação. Muito pelo contrário. A diferença se dá pelo acesso a mesma. Incrivelmente, muitos discos da cena estrangeira chegam as minhas mãos com muito maior facilidade do que os daqui. A nossa distribuição é deveras inferior comparada aos gringos. Mas hoje em dia as coisas têm melhorado graças ao belo trabalho realizado por selos independentes como a Tratore, a Deckdisk e a revista Outra Coisa que aumentaram, consideravelmente, o alcance e a projeção da música produzida aqui. Mas ainda há muito a fazer. Porém, isto é assunto para uma outra ocasião. O que quero aqui é expor minha total surpresa com o nosso cenário musical. Um grande volume de discos de qualidade está sendo produzido este ano! E melhor ainda: oriundos, em sua maioria, da cena independente. Aliás, quem tinha dúvida de que a independência era um caminho perigoso tem bons motivos para mudar de idéia. O fato de artistas, das mais variadas vertentes, como o Pato Fu e Erasmo Carlos estarem fazendo parte do cast da Tratore e da Indie (outro selo independente), respectivamente, são bons exemplos de que este é um grande viés em tempos de crise no mainstream.
A título de exposição, seguem abaixo curtas resenhas sobre alguns discos que devem figurar na sua estante, HD e, claro, nas famosas listinhas de fim de ano:

Erasmo Carlos – Convida: Volume II: O segundo volume da série Convida é uma brasa amora! As releituras aqui realizadas das canções da dupla Erasmo/Roberto (a quem o disco é dedicado) são deliciosas. Difícil é pontuar qual é a melhor. Num disco que se tem Chico Buarque cantando “Olha”, Marisa Monte, estilosa com seu ukelele, na sublime “Tema de não quero ver você triste”, o Skank injetando força em “Bandas dos Contentes”, o Los Hermanos na dramática “Sábado morto” entre tantas outras é um martírio. Duro é o Zeca Pagodinho em “Cama e Mesa”. Mas o resultado final é muito bom. E o melhor de tudo: contando com o aval e os vocais do tremendão.
Ouça: “Ilegal, Imoral ou engorda” com Adriana Calcanhoto.

Canastra – Chega de falsas promessas: Depois da briga e a rescisão contratual com a Sony os cariocas do Canastra se cansaram de “falsas promessas” e voltaram à independência com o disco mais dançante do ano. De “Chevete Vermelho” até “Dallas” o grupo executa canções no qual é impossível ficar parado num caldeirão que mistura rock, jazz, ska e que mais for possível sem patinar em nenhum momento. Pura diversão. Disco curinga para festas chatas.
Ouça: “Miss Simpatia”

Autoramas – Teletransporte: A melhor banda de rock do Brasil em termo de apresentações (que sempre são enérgicas) volta com seu mais novo rebento. Teletransporte é um disco coeso e forte em canções que seguem a linha tradicional do grupo ao misturar surf music, jovem guarda e new wave em linguagem pop. A surpresa é balada “300 km/h”, homenagem indireta ao Rei Roberto de quem Gabriel Thomaz (o frontman do grupo) é grande fã.
Ouça: “Eu mereço”

Orquestra Imperial – Carnaval só ano que vem: Quem já assistiu a apresentação do combo composto pela nata da cena musical carioca sabe o quão infernal é. O Ep lançado antes do álbum dava impressão que o álbum cheio seguiria o mesmo rumo. Mas... aqui a história é outra. Com freio de mão puxado, o disco vai muito mais para o lado “dançar coladinho” do que “atrás do trio elétrico só não vai quem já morreu”. Daí o título. Independente disto, o disco é um grande achado. Muito bem produzido pelos grandes Mario Caldato e Kassin, o repertório faz justa homenagem ao samba de Cartola e afins que comandavam a época dourada do verdadeiro samba. A única que destoa desta temática é a tropicalista “Supermercado do amor” cantada pela musa Nina Becker e o gênio Jorge Mautner.
Ouça: “Ereção”

Cachorro Grande – Todos os tempos: Maturidade. De forma árdua, mas consistente. Digo isso porque pessoas como eu que adoravam a porção “rock n’ roll never die” (leia – se Rolling Stones, Small Faces...) dos gaúchos se assustam na primeira audição tamanha a diferença. Focado muito mais no folk e no rock inglês dos anos 90, o disco vai crescendo a cada audição graças a melodias muito bem construídas oscilando entre psicodelismo beatle e a lisergia do Stone Roses. Para os velhos fãs está lá a já clássica “Deixa Fudê”, enérgica como si só.
Ouça: “Quando amanhecer” co–irmã da clássica “Haverst Moon” de Neil Young

E não para por aí! Brevemente textos sobre a revolução criada por Vanessa da Mata, o novo do Pato Fu, o funk curitibano tipo exportação do Bonde do Rolê...

Bye Bye Mr. Ocean

2007-07-17T19:53:00.000-07:00

Ao deparar com mais uma sequência de Ocean's 11 (agora Ocean's Thirteen) os puristas não aprovam. Puristas reclamam em alto e bom som: prefiro a primeira versão. Bom, em suma, puristas serão sempre puristas e retrológos... e não sabem o que estão perdendo.

Ok! A versão orginal dos anos 60 com Frank Sinatra é clássica. É perfeita. Mas há de se vangloriar o trabalho de Steven Soderbergh e o grandioso elenco que, no decorer desta trilogia (que aqui "parece"findar) realizaram um grande trabalho.

A história começa com Reuben Tischkoff (Elliott Gould), aquele homem que bancou financeiramente o assalto triplo aos cassinos de Terry Benedict (Andy Garcia) lembra? Então, Reuben foi traído por Willie Bank (Al Pacino), dono uma rede cassinos premiados. Esta traição fora quase fatal para Reuben. Em tom de vingaça Danny Ocean (George Clooney), Rusty Ryan (Brad Pitt) e sua trupe mais uma vez se reúnem para iniciar um plano no qual o objetivo é derrotar Bank na noite de inauguração de seu mais luxuoso cassino, chamado The Bank, derrotando-o financeiramente e também atingindo sua reputação. A partir daí o desenrolar das tramóias em Ocean's Thirteen é semelhante as tramas anteriores, mas sem sombra de dúvida este é o mais engraçado deles. A canastrice dos personagens criados por George Clayton Johnson e Jack Golden Russell está aflorada. Chegando a pontos culminates como a cena final que, claro, não irei revelar.

No campo das atuações faltou o glamour do elenco feminino (Julia Roberts e Catherine Zetta-Jones), mas o masculino continua impecável. O destaque mesmo ficou para Al Pacino que rende interpretação elogiosa ao inescrupuloso Mr. Bank fato que não ocorria há um bom tempo (alguém aí falou Advogado do Diabo? Pois é...)

A trilha criada por David Holmes, mais uma vez, se destaca pela qualidade ao mesclar batidas eletrônicas com percussão humana.

Para pontuar de forma final esta resenha resumida e preguiçosa deixo uma mensagem aos puristas lá de cima: existe de forma explicíta uma homenagem a versão orginal em duas falas específicas do filme. Confira lá e depois me conta se valeu ou não.

The Concept

2007-06-23T07:19:00.000-07:00

Há anos o Radiohead lançava o, até hoje maravilhoso e difícil, disco que rachou o conceito sobre música: Kid A. Estranho aos ouvidos e construído em detalhes sinuosos, o álbum perdurou na cabeça de muita gente por anos a fio e muito se debateu acerca do mesmo no seu ano de lançamento (2000). A pergunta daquele ano para qualquer fã de música pop foi: “você ouviu o disco novo do Radiohead”?
Aí você se pergunta o porquê de tanto alarde? E eu respondo: o conceito. Ok! Assimilar a ideologia empregada por Thom Yorke e cia. nunca fora das mais fáceis, mas no disco citado... Digo sem me envergonhar, mas demorei anos para compreender um pouco do universo criado e tão diversificado de Kid A. Se hoje não sou tão “analfabeto” quanto a ele devo dar crédito ainda ao jornalista Simon Reynolds que em ensaio publicado no livro “Beijar o Céu” esmiúça através de entrevistas e declarações pertinentes de sua parte o processo de criação que quase culminou no fim da banda, mas alcançou resultados nunca antes imaginados pela banda.
Introdução feita, venho agora falar do real “objetivo” deste texto: Era Vulgaris, novo álbum do Queens of the Stone Age. Mas, antes de qualquer coisa, é preciso pontuar: não vou traçar comparações entre ambos. Até porque uma única razão me induziu a juntar Radiohead e QOTSA num mesmo texto: o conceito. Mas se em Kid A o Radiohead desenvolveu o seu próprio (novo) conceito que desvencilhou seu próprio universo e se recriou num outro o mesmo não acontece em Era Vulgaris que soa como os quatro discos anteriores. Porém, entender o que se passa na cabeça de Josh Homme é preciso.
Desde os idos de 1998, quando o Kyuss (sua primeira banda) encerrou as atividades, Josh se viu impelido a ir em frente e o resultado disso foi o próprio QOTSA que debutou no mesmo ano. Agora entender o conceito desenvolvido pela “mente doentia musical” de Homme nunca fora algo dos mais fáceis de interpretar.
Herdando a essência pesada e psicodélica de sua ex – banda Josh foi assimilando os mais variados gêneros para construção sonora que hoje é influência para qualquer banda que se preste a tocar “rock” (Muse, Arctic Monkeys, Pitty...) juntando a essência do pop radiofônico (via Kinks), uma veia oscilante entre punk e o metal, guitarras estridentes, espaciais/chapadas (leia – se de riffs repetitivos), vocais quase sempre limpos, bateria marcante, pulsante e animalesca, um número imenso de convidados dos mais variados tipos (que em Era Vulgaris foram: Trent Reznor(NIN), Julian Casablancas(Strokes) e o velho parceiro Mark Lanegan, que comparecem de forma discreta), letras que versam sobre temas alucinógenos (drogas), sexo, confusões inúmeras, dão o tom, de forma resumida, do que Josh é capaz de assimilar, misturar e criar algo único.
E vêm 2007 e Era Vulgaris chega às lojas sendo tachado por alguns como um disco “chato”, “difícil” e, olha a blasfêmia, o “pior disco do QOTSA”. Calma, calma senhoras e senhores. Olha o exagero. O abuso. Contenha – se, por favor. Tal como Kid A, Era Vulgaris não irá lhe conquistar na primeira audição e talvez nem seguintes se você não entender o que volto a frisar: o conceito.
Até para velhos aficionados como eu o disco não “desceu” muito bem nas primeiras audições, mas perseverar é importante e resultado hoje é bem diferente. Tudo o que afirmei acima como parte constituinte do universo stoner (chapado em português) do grupo está lá diluído, salvo a sonoridade punk que, infelizmente, fora levada junto com Nick Oliveri (baixista e co–fundador). Mas isto não interfere.
O começo com a cadenciada “Turning on the Screw” assusta a quem já está habituado ao fato de que, geralmente, discos da banda começam de forma urgente, mas não se engane: a faixa é mais uma daquelas para entrar no seleto hall de “canções clássicas e enigmáticas”. Logo na seqüência a “coisa esquenta” com o primeiro single, a grudenta “Sick Sick Sick”, que muita bandinha nova venderia a alma para tê-la composto. Vêm “I’m Designer” e sua bateria marcante e precisa. “Into the Hollow” é Black Sabbath em câmera lenta. A baladinha “Make It Wit Chu” (oriunda da última Desert Sessions, projeto paralelo de Josh) é incrivelmente deliciosa dada sua melodia marcante e letra engraçadinha. E falando em letra, salvo a última canção citada, o resto do álbum retrata a tal Era Vulgaris, que nada mais é reflexo da nossa, uma geração totalmente confusa, obsessiva, paranóica. Além das 11 ótimas canções que compõem o álbum aos poucos vão pipocando por aí b – sides sensacionais como a singela “Running Joke” e a própria “Era Vulgaris” que, ironicamente, ficou fora do álbum.
Para finalizar, sempre gosto de lembrar da fatídica apresentação do QOTSA no Rock in Rio III no qual o grupo fora vaiado, injustamente, da primeira a última canção pelos fãs que aguardavam ansiosamente o Iron Maiden . Será que hoje isso aconteceria? Duvido. A banda de 2001 (ano do show) não mudou muito quanto à sonoridade hoje, mas tornou – se um “monstro” muito maior, elogiadíssimo e cultuado, lugar talvez nunca imaginado por Josh Homme. E isto faz do grupo uma das melhores bandas dos últimos anos.
Então não deixe se incluir na sua tradicional lista de melhores do ano Era Vulgaris e tente entender o conceito antes de sair falando mal por aí. O diabo mora nos detalhes.

Entrevista

2007-06-14T20:15:00.000-07:00

Tive a honra de ser entrevistado por um meus hérois (o grande poeta e amigo Juan Fiorini) para um dos espaços mais respeitáveis on - line quando o assunto é cultura: o Nota Independente. Diversificado, como não poderia deixar de ser, o site é um deleite para os grandes admiradores das mais variadas formas de arte existentes no cénario nacional. Através desse link é possível acessar a entrevista na íntegra. Vai lá.

It beats for you

2007-05-19T19:24:00.000-07:00

Tempos em tempos o cenário da cultura pop me surpreende. Anos atrás estava eu começando a desbravar o universo feminino da música (leia - se: PJ Harvey, Tori Amos, Fiona Apple...) quando me deparei com uma resenha na Bizz (se não me engano escrita pelo José Flávio Júnior) de uma, até então, desconhecida cantora que tinha acabado de ter sua dilacerante discografia lançada em solo brasileiro via Trama. Álias, dilacerante é a melhor palavra para descrever os efeitos que Cat Power (aka Chan Marshal) causou em meu coração. Paixão a primeira audição, Cat Power foi capaz de causar - me enorme comoção e até hoje ao ouvi - la a impressão de sentir meu coração em frangalhos ainda permanece viva e latente.

Após um hiato de anos, em 2006, Cat lançou seu até então último álbum The Greatest, e o álbum realmente é impressionante, não devendo em nada a suas obras anteriores. A maneira que ela conduz sua bela voz que somadas as singelas melodias entoadas por pianos, viollões; uma visão de mundo extremamente poética e um certo namoro com o som de Nova Orlenas fizeram do álbum um dos maiores feitos daquele ano. Porém caro leitor, o assunto em voga não seria basicamente este. O que fica circundando minha cabeça é a seguinte questão: o que seria do mundo sem a figura de Cat Power? E se um dia (como, claro irá acontecer) a moça (ok! Nem tão moça assim) partir "desta para uma melhor"? Ou se ela decidir parar de gravar como fez no fim da década 90? Quem irá alimentar esta porção delicada e tão necessária para caleijados ouvidos como o meu? Muitas perguntas ficam no ar e substítutas são de menos. Mas eis que surge lá no Canadá a possível, e talvez melhor, substítuta para vaga: Leslie Feist (aka Feist).

Nascida no Canadá no dia 13 de fevereiro de 1976, Feist faz parte do combo canadense Broken Social Scene e exporadicamente cria álbuns solo. E The Reminder, seu quarto trabalho solo, é o melhor deles.

Lançado em 2007, o disco prima pela sonoridade que popularizou Cat Power, mas, para não soar pastiche da mesma, vai além por dialogar com outras fontes. Utiliza de forma sutil a sonoridade alt. country (via Ryan Adams). Respira a obra viva de divas do country como Emmylou Harris e Lucinda Willians. Deixa - se levar por uma certa porção elétrica de sua sonoridade. E como se não bastasse compõe letras comoventes que permeiam o álbum como um todo.

Este pequeno diagonóstico talvez não ilustre a grandiosidade do trabalho realizado pela cantora, mas o passível exagero acerca do mesmo (já que o crítica internacional não o vê tão importante assim) justifica - se pelo misto de comoção e surpresa causada pela audição dos primeiros trinados de "So Sorry" que me deixaram petrificados pelos seus 3 minutos e 12 segundos de duração. E, sem deixar a "ideologia cair" Feist mantém a cadência delicada até o fim.

Me bastaram duas audições audições e já estou cá de joelhos, com o coração batendo de forma lenta, mas feliz com o resultado galgado pela cantora.

Agora posso dormir um pouco mais tranquilo e idelizando, de forma sonhadora, um possível dueto de Feist e Chan Marshal. Será que meu coração suportaria? Creio que não. Infarte fulminante na certa.

My idea of version

2007-05-12T17:13:00.000-07:00

Na indústria fonográfica existem dois gêneros de álbuns que se destacam quando o assunto é prestar a homenagem ao artista(s) e suas respectivas canções. De um lado temos os castigados tributos que, salvo raras exceções, se destacam num emaranhado de reproduções que, em sua maioria, não acrescentam em nada e, geralmente, deixam uma enorme saudade da original. Nesse campo são tantos exemplos “clássicos” que listá – los é desnecessário.
De um outro lado temos ao que eu chamaria de “ousadia” que acontece quando o artista, literalmente, destrincha a versão original (alterando os arranjos, as letras ou ambos) e tenta aplicar, a sua maneira, as características que lhe agradam e o definem num tom misto de homenagem/versão. E essa é, sem sombra de dúvida, a trilha de maior de dificuldade, pois quando você foge do padrão Cifraclub (site especializado em tablaturas que, confesso, já utilizei por meses a fio quando tinha uma banda cover de Nirvana) periga não agradar tanto o artista homenageado e muito menos o público consumidor. Já ouvi milhares de tentativas frustradas dessa perspectiva. Porém, em toda regra existe uma (ou várias) exceções e uma das soluções ressentes a esse problema é o produtor Mark Ronson.
Deixando todas as dificuldades acima citadas de lado, Mark convocou um time de primeira para executar seu plano monumental de realizar releituras de canções dos mais variados campos da cena musical de ontem e de hoje em Version. Da ala do passado temos uma surpreendente “Stop Me” dos Smiths que, antes, era melancólica, angustiada, dramática... em suma: um clássico da dupla Morrissey/Marr que após a injeção de batidas dançantes e dos vocais de Daniel Merriweather você “quase” (eu disse quase) se esquece da tristeza latente da letra e sorri abertamente. Se até a dupla de compositores aprovou que sou eu para não discordar. E não para por aí. Lily Allen (a garotinha da vez) colabora na versão reggae de “Oh My God” da mais recente sensação do rock britânico, o Kaiser Chiefs. A delicada “Amy” de Ryan Adams vira algo extremamente suingado. A frenética “Just” do Radiohead ganha um naipe de metais sensacional. A electro – pop “Toxic” de Britney Spears vira rap com a honraria de contar com, o hoje falecido, Ol’ Dirty Bastard (ícone do Wu - Tang Clan). Comete logo na abertura uma versão funk instrumental para “God Put A Smile Upon Your Face” e por aí vai. Amy Winehouse, Robbie Willians, Kasabian entre tantos outros colaboram e abrilhantam e esse grande disco de 2007.
E é com um trabalho agradável aos ouvidos como este que Ronson, que já havia estreado bem no campo “solo” em Here Come the Fuzz, adentra a minha galeria de grandes produtores. Ele figura ao lado de ícones como o versátil Rick Rubin, o metódico Nigel Godrich, o especialista em sons sujos Steve Albini e Dave Fridmann (parceiro dos geniais Flaming Lips e Mercury Rev), mas com uma ligeira vantagem: ela dá a “cara à tapa” não somente produzindo álbuns (como disse no post anterior) como também compondo material próprio. Ponto para ele. E olhe que ele está só começando...

Baba, Joss Stone, baba!

2007-04-21T20:06:00.000-07:00

Lá pelos idos de outubto de 2003 a, hoje celebridade mundial (por diversas razões, alcoolismo incluso), a inglesa Amy Winehouse lançava seu disco de estréia, Frank, e tinha tudo para conquistar o globo naquele período. O disco, soberbo por excelência, oscila sonoridades que vão desde a estética jazz ao hip hop, passando pelo soul e o pop sem deslizes. Precedido pelo single "Stronger Than Me", que passou desapercebido na parada inglesa amargando uma dolorosa 71º posição, o álbum foi ganhando força single por single e atingiu a marca de 1 milhão de cópias, mas poderia ter logrado sucesso maior se o fenômeno Joss Stone não tivesse varriado qualquer outra manisfestação feminina no campo musical.

Um mês após ao lançamento de Frank Joss debutou via The Soul Sessions e dominou as paradas daí em diante. E de forma justa. O disco revitaliza a soul music através de 10 covers sendo algumas inusitadas tal como "Fell In Love With a Girl" do White Stripes (convertida para "Fell in Love with a Boy") que verte o rock visceral do duo norte - americano em uma balada carregada em suingue. Isto agregada a sua bela voz, sua beleza jovial e a comparações com diva Aretha Franklin contribuíram para que o disco ganhasse espaço enorme nos meios mídiaticos (jornais, revistas, rádios etc.) e fizesse bonito nas paradas.

Catapultada pelo sucesso, já em 2004, Joss lança seu segundo álbum, o autoral Mind, Body & Soul e alcança a extraordinária marca de 4 milhoes de cópias em poucos meses graças a repercusão dos singles "You Had Me", "Right to Be Wrong" e "Don't Cha Wanna Ride". O álbum, quanto a sonoridade, não difere do disco anterior e é justamente aí que reside a sua força, pois o frescor de suas canções iriam permancer por um bom tempo.

E lá se foi o ano de 2005 e Joss colheu os frutos de seu trabalho e optou por aproveitá - los. E talvez esse tenha o seu maior deslize. O motivo? Os holofotes da impressa agora já elegeram a suas novas musas: a já citada Amy Winehouse e Lily Allen.

Amy que passou um período de ostracismo de três anos voltou a gravar e o resultado fora o já comentando em posts anteriores Back To Black disco que explora de forma grandiosa sua verve black em todos os sentidos que essa palavra possa se relacionar, seja pela sonoridade oriunda da música negra via soul, funk e pitadas de jazz, seja pela carga pesada das letras que giram em torno de relacionamentos fracassados e eternas bebedeiras. A produção, sempre primorosa, de Mark Ronson (Macy Gray) auxiliou ao novo direcionamento a carreira de Amy que agora conquistou reconhecimento por parte do público e o prestígio de gente como o mestre Paul Weller.

E falando em Mark Ronson, outro disco que fora produzido pelas suas mãos em 2006 fora Alright, Still disco de estréia de Lily Allen. Filha do comediante Tim Allen e doida varrida (causadora de inúmeras confusões) a cantora surgiu como fênomeno na internet graças a excecução maçica de "Smile", primeira música de trabalho, que fora baixada em sua página no my space por milhões de pessoas e a partir daí criou - se expectativa enorme acerca do álbum cheio que chegou às lojas em meados de julho de 2006. O disco, uma verdadeira delícia pop, é um dos grandes achados do ano passado graças a voz adocicada de Allen que somada a competência dos músicos presentes no álbum, a sonoridade que vai do reggae ao grime (o tradicional rap inglês no qual Mike Skinner do The Streets é o principal representante) e as letras extremamente irônicas (tente não rir com "Smile" ou "Friday Night").

Com isso ambas, Lily e Amy, são, agora, o centro das atenções por aí e seguem ao redor do globo conquistando platéias graças as muito elogiadas apresentações. E no meio desse turbilhão Joss Stone tenta correr atrás do "tempo perdido" via Introducing Joss Stone, seu recém lançado terceiro trabalho que se depender da crítica não vai conseguir alcançar novamente o posto perdido. E realmente o disco não implaca. Na tentativa, talvez, de se aproximar ainda mais do mercado americano (tal como Nelly Furtado realizou de forma aprofundada em Loose) o álbum oscila de forma, em sua maioria, errônea no campo minado do hip hop e resultado alcançado, ironicamente, não fora explosivo. Quando aposta sua verve black como em "Put Your Hands On Me" acerta em cheio, mas quando aposta em outras o resultado fica aquém do que já fora produzido nos discos anteriores e soa por vezes insosso. Prova disso está na faixa "Music" na qual nem mesmo a participação da sumida, mas grandiosa, Lauryn Hill ajuda. Em suma, Joss, e seus longos cabelos vermelhos assemelhando - se a um palito de fósforo, digamos, pensa em acender o pavio, mas receia em acender. Uma pena.

No computador, no discman, em qualquer lugar

2007-04-01T18:19:00.000-07:00

Avalanche de discos que tenho ouvido ultimamente:

Black Rebel Motorcycle Club – Baby 81: Unindo a urgência jovial da estréia (B.R.M.C) com a beleza poética do penúltimo trabalho, Howl, o trio norte – americano, após um período conturbado que quase culminou no fim do grupo, ainda respira e coloca no mercado mais belo disco. Ouça: “Window”

Klaxons – Myths of near future: Da série muito barulho por nada, o disco de estréia do Klaxons é uma decepção. Após um EP elogiado a expectativa acerca de um álbum cheio fora enorme. Mas o resultado soa insosso com poucas faixas dignas de nota. E a tal da new rave talvez, se depender de discos como este, nem vá para frente. A salvação talvez esteja no Simien Mobile Disco, banda de James Ford produtor desse disco. E esperar para ouvir. Ouça: "Two Receivers".

The Good, The Bad and The Queen - The Good, The Bad and The Queen: A super banda formada por Damon Albarn (Blur/Gorillaz), Simon Tong (ex – Verve), Paul Simonon (ex – Clash) e Tony Allen (lenda viva do dub) assina um trabalho diversificado por oscilar sonoridades. Dub, neofolk, pop, ska... tudo muito bem misturado pelo requisitado produtor Danger Mouse. Ouça: "80's Life".

Norah Jones: Not Too Late: O terceiro disco da cantora é seu trabalho mais autoral. Com sonoridade voltada muito mais para folk do que para o jazz e letras do mais puro romantismo Not Too Late é o remédio para corações impuros. Ouça: “Be My Somebody”.

The Stooges – Weirdness: A volta do Stooges fora muito celebrada, até por eu mesmo. Mas ao ouvir Weirdness o hype não se justifica. Tal como os Rolling Stones (para não falar de outras bandas) Iggy Pop e seus comparsas pararam no tempo. Continuam compondo como se a ideologia dos distantes anos 70 ainda prevalecesse. A letra de “My Idea of Fun” é a confirmação dessa constatação já que Iggy versa sobre um homem cuja “a idéia de diversão está matando todo mundo”. Não desejava que a banda fizesse um disco eletrônico ou qualquer coisa que o valha, mas comparado a Skull Ring, último disco solo de Pop, Weirdness é muito inferior pois em Skull Ring o cantor se renovava ao buscar novas parcerias como o Green Day, o Sum 41 e a Peaches. Em suma, como diria Renato Russo “sempre mais do mesmo. Não era isso que queria ouvir”. Ouça: “My Idea of Fun”

The Roots – Game Theory: Um dos melhores e mais sinceros grupos de hip hop dos últimos tempos está de volta. Como bem descreveu Ahmir Thompson (aka "?uestlove", baterista do grupo) Game Theory é um disco "very mature, serious, and very dark”. Diferente de outros trabalhos, mas ainda mantendo o “padrão de qualidade Roots”. Ouça: "Atonement".

Wilco – Sky Blue Sky: O fantasma daquele Wilco experimental e genioso (via A Ghost Is Born) ainda assombra Jeff Tweedy, mas nem tanto. Um tanto introspectivo e voltado para a fase folk clássica de Neil Young, Sky Blue Sky é, desde já, um dos álbuns mais importantes e belos desse ano. E que fique bem claro: Jeff Tweedy é Deus. Depois eu explico. Ouça: “Either Way”.

Eu recomendo

2007-03-15T20:06:00.000-07:00

Após ofuscada estréia a cantora Amy Winehouse está de volta. Apostando novamente em sua verve negra, Back To Black é um verdadeiro deleite para fãs de funk, soul e jazz com ares setentistas. Ouça: "Rehab"

Enquanto Silent Alarm, primeiro álbum dos ingleses do Block Party, a sonoridade era oitentista, alegre e jovial o mesmo não acontece em A Weekend In The City que opta pela temática tristonha nas letras, mas ainda mantém de forma balanceada a energia da ótima estréia. Ouça: "I Still Remenber"

Em um dos álbums mais aguardados do ano os canadenses do Arcade Fire surpreendem mais uma vez. O que era assutador e ao mesmo tempo de rara beleza em Funeral, disco de estréia lançado em 2005, em Neon Bible essas características são elevadas a enésima potência graças a competência e grandiosidade das 11 canções que compõem este pequeno clássico de nossa era. Ouça: "My Body Is A Cage"

O próximo U2. Se o Coldplay deixar.

2007-03-11T17:32:00.000-07:00

Passaram- se dois anos para que o segundo álbum do Killers desse o ar da graça. De lá para cá muita coisa aconteceu. Eis aqui um resuminho: a banda alcançou o status de "grande", vendeu 5 milhões de cópias de Hot Fuzz (disco de estréia), Brandon Flowers (o frontman) comprou briga com o Green Day, o Bravery... conquistou a crítica e fãs famosos (Bono incluso). Álias é com a banda de Bono (o U2 é lógico, banda com que o Killers já dividiu o palco) que Sam's Town traz muitas semelhanças. A começar pela dupla de produtores (Alan Moulder e Flood) que foram os grandes responsáveis pela guinada na carreira dos irlandeses via Acthung Baby de 1992.

Quanto a sonoridade as canções do álbum ainda mantém um pé nos revitalizados anos 80, mas respirando de outras influências: saem as batidas indie-dance de grupos como o The Cure e entram a força e pungência de canções capazes de levantar estágios inteiros, de causar comoção de milhares de pessoas, tal como Tom Petty & The Heartbreakers, Queen, Bruce Springsteen & E Street Band e, claro, o próprio U2, protagonizaram na fátidica década e ainda o fazem. E é realmente nesse fator que reside a diferença no grupo. Ao que parece o grupo de Las Vegas decidiu por conquistar o mundo. Se depender de canções (maravilhosas por sinal) como "When You Were Young" (cujo belo videoclipe fora dirigido por Anton Corbjin fotográfo e parceiro de quem? Do U2!), "Bones", "For Reasons Unknown" entre outras o objetivo será alcançado. E nem mesmo o bigode rídiculo de Brandon Flowers parece impedir. A única ameaça reside do outro lado do oceano: os ingleses do Coldpaly que também está seguindo a cartilha do Killers seja trabalhando também Corbjin, que dirigiu o videoclipe de "Talk" (canção cujo fraseado da guitarra se assemelha, e muito, com os protagonizados por The Edge) e contratando os serviços de Brian Eno (produtor do vocês sabem quem) para coordenar as gravações do próximo disco.

O vencedor dessa briga ainda não é possível determinar, mas com certeza quem ganha algo nessa competição de imediato é o ouvinte. E que vença o melhor! Enquanto isso o placar informa: The Killers 1 x Coldplay 0.

Never stop the music

2007-02-24T17:11:00.000-08:00

Três anos após realizar sua despedida do showbussiness em uma grandiosa apresentação no Madison Square Garden (registrada no DVD Fade To Black) e jurar de pé junto que iria se aposentar, aproveitar a vida e coisa e tal, Jay - Z está de volta.
Os motivos reais, inicialmente, não saberia dizer, mas, talvez, temendo perder seu trono no universo hip - hop (ele é o artista rap solo que mais vendeu discos na história: 33 milhões nos EUA e 50 milhões em todo globo) no final de 2006 chegou as lojas Kingdom Come seu nono trabalho de estúdio.
O disco em si não difere de seus outros trabalhos clássicos. E não deveria. Em 12 anos de carreira construiu, a sua maneira, a sua musicalidade que somada a "mão cheia" como produtor (um verdadeiro Midas) influenciou o que veio depois e o que virá daqui para frente.
Sua volta fora precedida pelo single pungente de "Show Me What You Got" lançado em outubro de 2006 cuja letra celebra o seu retorno de forma grandiosa.
Outros momentos dignos de aplauso são "Hollywood" que conta com a participação de Beyoncé e a belíssima "Do U Wanna Ride" que conta com a voz divina de John Legend, velho parceiro de Kanye West que também participa do álbum produzindo a faixa.
Talvez pensando melhor existe uma razão óbvia para a volta de Jay (ou Shawn Corey Carter seu verdadeiro nome). E não seria o temor pelo perda do trono, pois nem de longe fora ameaçado nesse hiato. Sua volta está explicada no já citado Fade To Black. Durante o processo de gravação de seu, até então, derradeiro álbum The Black Album em um momento relax junto ao parceiro Pharell Willians (produtor e exímio músico) um dos excecutivos da Roc - A - Fella Records, gravadora do próprio Jay, invade o estúdio "pagando pau" ao próprio por não estar trabalhando e dizendo: nunca pare a música. Três anos mais tarde ele entendeu o recado. O resultado está aí. Firmão!

Everything is broken

2007-02-11T17:31:00.000-08:00

Após ler algumas curtas resenhas favoráveis em publicações Brasil a fora pensei que Pecados Intímos, novo filme de Todd Field (o mesmo do soberbo Entre Quatro Paredes), seria mais um, entre vários outros bons exemplos (Closer e Amor em Cinco Tempos são alguns), daqueles que desconstroem o universo, hoje, desastroso dos relacionametos amorosos. Já havia até idealizado um "pré - resenha" recomendando a casais apaixonados a passarem longe das salas de cinema onde o filme estivesse em exibição, mas fui pego de surpresa. O universo amoroso (ou do casmaneto no caso) é apenas um dos elementos trabalhados aqui. Em parte esse engano se deve ao título nacional e ao poster acima postado (que mostra o casal adultero nu). Para inicio de conversa fique com o título em inglês (Little Children) e construa a sua reflexão a partir daí.

Baseado no livro de Tom Perrota, roteiro utiliza do recurso "cobra coral", agora popular e que fora criado por Robert Altman em Short Cuts, o filme não apresenta um núcleo central e sim uma gama variada de personagens. E como não poderia deixar tudo se entrelaça de forma meticulosa e brilhante.

Sarah (interpretada por Kate Winslet) é uma mãe que abandonou temporariamente suas ambições acadêmicas para cuidar da filha pequena. Freqüentando o parque próximo à sua casa, ela observa suas reprimidas e alienadas amigas enquanto estas emitem julgamentos preconceituosos sobre tudo e sobre todos, numa rotina que torturante. É então que ela conhece Brad (Patrick Wilson), um bacharel em Direito que, sem conseguir passar na prova da Ordem dos Advogados, permanece em casa cuidando do filho enquanto sua esposa (Jeniffer Conelly) trabalha como documentarista de uma rede de televisão. Aos poucos, Sarah e Brad se tornam próximos e passam a construir um relacionamento amoroso, que poderia destruir a existência relativamente tranqüila que levam e que só é perturbada pela preocupação com a notícia de que Ronnie McGorvey (Haley), um ex-presidiário condenado por se masturbar em frente a uma garota menor de idade, está de volta a cidade.

Para retratar as histórias vividas pelos personagens Field faz uso do louvável recurso do narrador oculto que, logicamente, não participa de forma direta da trama, mas osberva, narra e analisa de forma profunda tudo que envolve a trama.

E mais do que tudo isso, ambos (diretor e roteirista) constroem de forma direta uma crítica perfeita a sociedade relatando várias histórias que tem como fio condutor o desgaste das relações humanas no mundo contemporâneo das mais variadas formas.

A relação com título remete a maturidade alcançada pelos personagens centrais que se isolam da visão sonhadora da vida e se aproximam dura realidade que terão que enfrentar por todo e sempre: ninguém (ou nada) foi ou será perfeito em nossas vidas.

Melhor que desenvolver críticas filosóficas ao filme é melhor você caro leitor assistir e se impressionar com esse grande filme, pois como Dylan cantou é duro, mas necessário, reconhecer:

Everything is broken.

Por um mundo mais sujo: a volta dos Stooges

2007-02-08T18:24:00.000-08:00

Após várias apresentações históricas ao redor do globo (que felizmente assisti em 2005 no Rio de Janeiro) os Stooges estão definitivamente de volta e com disco novo pintando por aí.

Para se ter uma noção do que está por vir "My Idea Of Fun", nova música dos patronos do punk que, como não poderia deixar de ser, soa como Stooges clássico está disponível no myspace do grupo.

Num cenário onde bandas indie dance e novas ondas musicais, como a "new rave" dos Klaxons, surgem por aí, ouvir a sujeira infernal de Iggy Pop e seus aseclas deixa este mundo um tanto menos careta e muito mais enérgico. O aguardado novo disco, intitulado The Weirdness, saí em março e conta com produção de Steve Albini (PJ Harvey, Pixies, Nirvana). Eis o track list:

1. Trollin'

2. You Can't Have Friends

3. ATM

4. My Idea Of Fun

5. The Weirdness

6. Free & Freaky

7. Greedy Awful People

8. She Took My Money

9. End Of Christianity

10. Mexican Guy

11. Passing Cloud

12. I'm Fried

Baixe aqui "My Idea of Fun" e comprove.

When Did You First Fall In Love With Hip Hop?*

2007-01-28T11:53:00.000-08:00

Escrever sobre os grandes ícones da longa história da música é uma tarefa que, ao mesmo tempo, é um tanto quanto difícil e redundante. A dificuldade mora no fato de que tudo o que se poderia dizer sobre Van Morrison ou Bob Dylan, por exemplo, já foi aparentemente dito. E como se não bastasse mesmo que alguém ouse a realizar tal tarefa, ainda que você não tenha lido nada sobre ambos, soa, por muitas vezes, familiar a outros tantos trabalhos. Deixarei os Deuses em paz.
Porém, escrever é um vício incorrigível. Então sinto me obrigado a escrever sobre o que muitos críticos brasileiros ortodoxos torcem o nariz e/ou fingem ignorar: o atual rap norte – americano, mais especificadamente sobre Kanye West e o soberbo disco Late Registration.

Breve histórico:

Kanye West nasceu no dia 08 de junho de 1977 e é natural de Atlanta, Geórgia, EUA. Antes de ingressar a carreira como rapper West estudou na The American Academy of Art, de Chicago, e trabalhou como produtor de uma infinidade de artistas como Mos Def, Alicia Keys, Eminem, entre tantos outros.
Depois de elogiadas (e premiadas) parcerias junto a Jay – Z (o Midas do Hip Hop), West, com o incentivo do próprio Z, em 2004, lançou o seu debut The College Dropout que contou com as participações de alguns parceiros com quem já havia trabalhado, como Mos Def, e abriu novas portas para seu trabalho.
The College Dropout foi bastante elogiado por toda a crítica mundial e fora nomeado em várias categorias do Grammy daquele ano (incluindo melhor gravação do ano) e venceu nas categorias de melhor disco de rap e melhor canção de rap por “Jesus Walk”.

Late Registration

Lançado em 2005 Late Registration, seu segundo álbum, colocou definitivamente o nome de Mr. West em voga.
Produzido por Jon Brion (famoso pelo ótimo trabalho realizado a cantoras pop como Fiona Apple e Aimee Mann) e o próprio West, o disco é um grande trabalho e leva o rap a patamares louváveis que não eram alcançados há alguns anos.
Diferenciado de outros produtores como Missy Elliot e Timbaland (cujos trabalhos foram esmiuçados de forma grandiosa pelo crítico musical Simon Reynolds no livro Beijar o Céu) que criam batidas quebradas e geniosas em prol da revolução, West opta por dialogar com velha geração através de samplers como bem fez Moby em Play.
Logo no início "Someone That I Used To Love" de Natalie Cole conduz de forma “manhosa” “Wake Up Mr. West” e “Heard ‘Em Say” canção que nasceu perfeita.
Em “Gold Digger” nada mais, nada menos que Ray Charles (via Jamie Foxx em Ray) e sua “I Got a Woman” criam um blues – rap de primeira linha.
“My Funny Valentine” (na versão de Etta James) contribui na percusiva e melodiosa “Addiction”.
“Diamonds From Sierra Leone” conta a presença de Jay – Z e Shirley Bassey é sampleada através do tema que compôs para 007, “Diamonds Are Forever”.
Curtis Mayfield e Otis Reading são alguns dos outros homenageados no decorrer do álbum.
West faz parte do seleto grupo no meio hip – hop os chamado de gangsta que basicamente versam sobre quatro coisas específicas: dinheiro, mulheres vagabundas, carros e drogas. A vida, ao ouvir canções compostas por este gueto, se assemelha há festas intermináveis. E claro essas referências estão todas lá, mas não somente desse tema gira em torno do álbum.
Politicamente correto, West “dispara” suas rimas também a George W. Bush e Ronald Reagan em “Crack Music”. “Diamonds From Sierra Leone” versa sobre a guerra civil instaurada há anos no país.
“Roses” (cuja base é construída na bela “Rosie” de Bill Withers) o rapper chora a perda de uma amigo homossexual vítima de AIDS. Sua mãe é também homenageada em “Hey Mama” cuja sonoridade se assemelha a uma canção infantil reflexo da letra no qual West retorna a sua infância, aos tempos felizes em que sua mãe o levava para a escola.
A repercussão do álbum perante a crítica fora superior ao anterior. Prova disso a Rolling Stone e seu tradicional Top 50 anual agraciou com o primeiro lugar o disco que, novamente, concorreu ao Grammy nas categorias melhor álbum do ano e melhor disco de rap do ano, sendo vencedor na segunda categoria.Voltando e fechando o que me propus a escrever no início do texto, ignorar a relevância de artistas como Kanye West é uma grande estupidez. É certo que tudo o que de maravilhoso a música fora produzido a décadas atrás. Mas se faz necessário se reeducar quanto a produção atual. O mundo não vive somente de artistas pop fabricados. Volte e meia surge alguém, mesmo no mainstream, que quebra esse estigma. E Mr. Kanye West é a prova.

Então deixe o preconceito de lado e se renda ao que se produz hoje. Você pode se surpreender. Late Registration é um caminho possível.

*Frase síntese do filme Brown Sugar, incursão maravilhosa no universo da cultura hip hop.

The Man Who Doesn’t Know How to Smile*

2007-01-22T18:06:00.000-08:00

Quase diariamente ele a observava a passar pelo espesso vidro que os dividia. Desde então começou a cultivar e a colecionar em seu imaginário tudo o que admirava nela: sua beleza jovial, seu sorriso espontâneo, seus longos cabelos negros, suas curvas suntuosas, suas roupas.
Certa vez estava ela passando ao seu lado e ao ouvir de relance a sua tímida voz a conversar distraidamente com um amigo em comum percebeu que algo mudara em si. Mas o quê?
Como se bastasse idealizou passar horas a fio a conversar sobre todas as coisas com ela. Sobre os amores de verão, sobre o passado que não deve ser esquecido e sobre a velocidade do tempo presente. Mas ainda não havia nada além de projeções de um futuro incerto para ambos.
Até que certo dia o “amigo em comum”, após breve conversa, resolve romper as barreiras existentes entre eles e abre caminho para que, talvez, algo grandioso possa acontecer. Ele descobre que seu nome era Daniele.

Após a resposta positiva, mesmo que ainda não tenham se conhecido pessoalmente, o mundo ganhou novas cores. Assim cessara o silêncio na cidade. O céu nublado de dias atrás tornou - se ao azul grandioso veraneio, de forma misteriosa, no dia seguinte.
Agora o homem que não sabia como sorrir descobrira o outro lado. Mas que lado seria esse? Ainda não sabia do que se tratava. Mas ao ouvir Josh Rouse cantar mais uma de suas belas canções encontra a resposta que pendulou durante todo o tempo a sua frente e ele temia não mais reconhecer:

It Looks Like Love

Sends has a little photograph that she shot in the nude

She doesn't wear a conscience

She doesn't play by rules

So turn me on baby everynight and in the daytime too

I feel like flyin'on an airplane

Like some clueless fool

There goes that melancholy feeln' again

It looks like love is gonna find a way

Hey, hey, hey

And when you start believn' in it

It looks like love is gonna show it's face

Hey, hey, hey, heyy

I got some things to show her

I take her to my room

She likes to eath that chocolate

She likes the scent of it too

She turns me on baby everynight

And in the daytime too

I feel like flyin' on an airplane

Like some clueless fool

There goes that melancholy feeln' again
It looks like love is gonna find a way
Hey, hey, hey
When you start believn' in it
It looks like love is gonna show it's face
Hey, hey, hey, heyy

And when you start believn' in it

It looks like love is gonna show it's face

Hey, hey, hey, heyy

* Texto profudamente inspirado (e expirado) em Subtítulo, disco apaixonante de Josh Rouse lançado em 2006.

Esquesitices invejáveis

2007-01-19T19:04:00.000-08:00

Existem na minha vida várias coisas que, num misto de inveja e admiração, gostaria de ter herdado ou até mesmo ter participado de seu processo de criação.

Gostaria de ter criado pelo menos metade das canções de Jeff Tweedy. De ter a sensibilidade (e a ironia) de Nick Hornby e Cameron Crowe. Uns 10% da genialidade de Woody Allen também não fariam mal. A versatilidade do Beck... E por aí vai.

Bom e fora com essa gama de sentimentos que abandonei a sala de cinema maravilhado com Mais Estranho Que a Ficção de Marc Forster (diretor cujo filme Em Busca da Terra do Nunca, cinebiografia do autor de Peter Pan, me fez chorar bastante durante horas a fio). Mas aqui a história e os elementos trabalhados são outros.

O filme retrata a história de Harold Crick (interpretado brilhantemente por Will Ferrell que ganhou muitos pontos a favor após sua magistral interpretação em Melinda, Melinda), um auditor da Receita Federal, protagonista de uma vida muito metódica (presa a números e horários) e, conseqüentemente, repetitiva. Em suma, o típico personagem que a literatura nos ensinou a odiar. Mas a rotina maçante de Crick é quebrada quando ele começa ouvir uma voz feminina narrando os fatos de seu dia a dia. Essa é Karen Eiffel (Emma Thompson vivendo seu melhor papel em todos os tempos), romancista britânica que está há dez anos enfrentando um "bloqueio criativo".

Na tentativa de descobrir o que seria essa misteriosa voz Harold é surpreendido por uma indagação aterradora da narradora na qual ele iria morrer em breve. E, justamente, quando isso ocorre sua vida havia mudado drasticamente: Harold descobre que o amor que, ironicamente, manifesta - se por uma padeira anarquista (interpretada por Maggie Gyllenhaal). A partir daí se inicia a busca desenfreada pela vida. Com o auxílio de um professor de literatura (Dustin Hoffman) Crick descobre ser personagem de Eiffel que tem como característica mor de sua escrita a morte dramática de seus personagens.

Estranho, mas surpreendente como os clássicos roteiros de Charlie Kaufman, Zach Helm (roterista) cria um magistral e invejável exercício metalinguístico no qual quem sai ganhando é o espectador tornado assim Mais Estranho Que a Ficção um dos filmes obrigatórios dessa primeira temporada de 2007 e por toda a vida.

P.S. A trilha sonora também é sensacional e versátil. Vai de The Jam a Vangelis passando por Maximo Park.

Durante uma das melhores passagens do filme Will Ferrell pega o vilão e toca a única canção que aprendeu a tocar, "Whole Wide World", e conquista o coração de sua amada. Mas também com uma letra dessa quem não de renderia?

The Last Song

2007-01-16T17:39:00.000-08:00

Lá pelos idos de 2000 o Oasis passava pelo seu período de transição. A saída turbulenta de dois integrantes somada as críticas negativas a Be Here Now e o uso de cocaína em escalas inimagináveis quase culminaram no fim daquela que será lembrada como a banda que foi a cara da Inglaterra na década de 90.

Na tentativa de correr atrás do tempo perdido Noel e Liam contrataram os serviços de Andy Bell (ex - Ride) e Gem Archer para a criação do incompreedido, até mesmo pelo próprio Noel, Standing On The Shoulder Of Giants. Lançado em 2000 o álbum é um coaglomerado de grandes canções que vão desde a essência do "rock tradicional"(que seria explorada de forma consistente no disco seguinte Heathen Chemistry) como na ótima "Put Yer Money Where Yer Mouth Is" e "I Can See A Liar" ou, para não perder o costume, levar o ideário beatle adiante em "Who Feels Love". Liam também compôs sua primeira música, a singela "Little James". Mas o apíce desse disco é uma canção que bateu fundo dias atrás e fez com que eu me relembrasse o por que de minha admiração pelo disco. Seu nome? "Where Did It All Go Wrong?".

Há tempos tenho procurado álguem que entendesse o que se passa nessa cabeça (a minha no caso) que parece, assim consta no primeira estrofe da canção, estar "mais velha que o tempo". E eu me pergunto? Seria eu esse personagem que está aí nessa canção? Os versos para mim me soam tão familiares que parece que Noel tocou realmente no ponto certo. Posso estar errado, mas no fim fica a pergunta:

Where Did It All Go Wrong?
Oasis

You know that feeling you get
You feel you're older than time
You ain't exactly sure
If you've been away a while

Do you keep the receipts
For the friends that you buy
And ain't it bittersweet
You were only just getting by

But I hope you know
That it won't let go
It sticks around with you until the day you die
And I hope you know That it's touch and go
I hope the tears don't stain the world that waits outside
Where did it all go wrong?

And until you've repaid
The dreams you bought for your lies
You'll be cast away
Alone under the stormy skies

But I hope you know
That it won't let go
It sticks around with you until the day you die
And I hope you know that it's touch and go
I hope the tears don't stain the world that waits outside
Where did it all go wrong?

The Best of 2006: Shows

2006-12-31T13:19:00.000-08:00

2006 não fora um ano de atrações internacionais para mim. Salvo a antológica de Gang of Four e o fofinho Cardigans, nada mais aconteceu. Vontade de assistir aos Beastie Boys, a Patti Smith, ao TV On The Radio (isto só para ficar no TIM Festival) não faltou. Faltou mesmo foi o duplo tempo (financeiro e cronológico). Em compensação, assisti a apresentações soberbas no cenário nacional. Eis as minhas cinco favoritas:

Chico Buarque – Palácio das Artes
“Carioca” - 09/12/2006: Já escrevi sobre o mesmo então ainda está valendo à mesma opinião.

Caetano Veloso – Chevrolet Hall
“Cê” – 25/11/2006: Também já escrevi sobre o show, mas agora virá uma ressalva inédita: a passagem de Caetano em BH foi o melhor show desse ano e uma das melhores que meus olhos presenciaram. E se vier novamente estou lá! Fantástico.

Skank - Chevrolet Hall
“Carrossel” – 08/10/2006: Fechando a trilogia iniciada em Maquinarama, a turnê de Carrossel é dividida em dois momentos distintos: o primeiro composto pelas pérolas (que não são poucas) do novo álbum mais o supra sumo dos dois discos anteriores. No segundo ocorre a entrega do caminhão de hits de outras eras. Na dúvida fique com os dois. Isto sem falar que visualmente essa nova turnê é espetacular. Não deve a ninguém da gringolândia. É o Skank do novo milênio e cada vez melhor.

Nando Reis - Chevrolet Hall
“Sim e Não” – 08/07/2006: E o folk/rock/abrasileirado do cantor continua funcionado bem. Escudado pelo ótimo novo disco, a apresentação é recheada de emoção e romantismo reflexo da atual fase que passa a vida do cantor.

Mombojó – “Homem Espuma” - Parque Municipal: A Conexão Telemig Celular esse ano caprichou em sua programação trazendo Pato Fu, Cordel do Fogo Encantado, Arnaldo Antunes, entre tantas outras agradáveis apresentações. Mas a melhor delas fora a dos pernambucanos do Mombojó. A primeira vez que assisti ao grupo fora no pequeno teatro da Biblioteca Pública onde, apesar da ótima acústica, não foi possível perceber a grandiosidade desse octeto fantástico. Mas a apresentação a céu aberto, junto a um enorme séqüito de fãs somada ao performance incendiária dos componentes é infinitamente melhor. Perfeita.

E para 2007 começar feliz temos Marisa Monte no Palácio das Artes e a Orquestra Imperial no Chevrolet Hall ambos em fevereiro. Prepare o bolso e acerte os relógios, pois o ano que vêm promete.

The Best of 2006: Films

2006-12-27T17:34:00.000-08:00

Dando inicio a tradicional retrospectiva anual começo pelas salas de cinema que, neste ano que se passou, fora visitada por 34 vezes (segundo consta meu vício de guardar os ingressos). E não fora de todo mal. Para tanto fujo, como no ano passado, do tradicional “Top 5” e engato um “Top 10” sem ressentimentos.
Antes citar quais estão dentro comento os que ficaram de fora. Apesar de assistir nesse ano deixei de fora os ótimos Crash, O Jardineiro Fiel e Syriania pela razão de que os mesmos foram produções realizadas em 2005 e inclusive premiadas na cerimônia do Oscar desse ano.
No âmbito do “quase” estão lá Paradise Now, Caché, Beijos e Tiros, Lemming, Factotum e O Amor Não Tira Férias que bateram na trave por razões distintas, mas vale a pena (e muito) assistir.
Detalhe: sou fã de Pedro Almodóvar, mas não encarei Volver até hoje. Por quê? Não tenho a menor idéia. Porém algo me diz que não deve assisti-lo porque toda vez que me prontifico para tal tarefa algo dá errado. Vou aguardar o DVD pacientemente. Sem mais delongas estão aí os meus 10 melhores filmes de 2006 (sem ordem de preferência):

Flores Partidas – Jim Jarmusch
O Grande Truque – Christopher Nolan
Fonte da Vida – Darren Aronofsky
Os Infiltrados – Martin Scorsese
Vôo 93 – Paul Greengrass
Obrigado Por Fumar - Jason Reitman
Separados pelo Casamento - Peyton Reed
V de Vingança - James McTeigue
O Plano Perfeito – Spike Lee
Amor em 5 Tempos – François Ozon

Dyslexic Heart – Crônica do adeus a “era dourada”

2006-12-20T18:38:00.000-08:00

Em mais uma manhã de café da manhã frente a TV fui pego desprevenido por algo inimaginável: o vídeo de “Dyslexic Heart” de Paul Westerberg (da trilha de Singles – Vida de Solterio e dirigido por Cameron Crowe) que causou em mim um flashback inesperado. Voltei a 1999, ano em que fora dado inicio da minha “era de ouro”.
Mesmo com fim do advento grunge em 1994, o movimento ainda ganhava (e ainda ganha) asseclas e eu seguia junto. Tive minha primeira (e única) banda que tocava covers de Nirvana. Não éramos os melhores, mas até que tocávamos bem. Acredito que não fomos em frente basicamente porque éramos um trio, logo depois um quarteto, de fanfarrões. Não ensaiávamos muito. Nossos fins de semana eram ocupados demais, regados a festas “rocker”(no Lapa Multishow), noitadas em botecos (no extinto Bar Rocho), shows e mais shows (de Mudhoney, Pearl Jam Cover...). Tinha a garota mais bela da escola a meu lado. Noites antológicas que perduraram por dois anos. Porém, tal como o filme de Crowe, a idade adulta chega e eu fiquei velho rápido demais. Não tenho pique para noitadas. Festas na casa de amigos abandono cedo. Shows? Assisto sentado.
Ao preparar – me para sair para mais um dia de trabalho deparo com a minha blusa xadrez “empoeirada” na guarda – roupa e resolvo lhe dar mais uma chance. Retiro os Cd’s do Caetano da bolsa e coloco alguns dos Screaming Trees, Temple of The Dog e, claro, a trilha de Singles. Tudo para tentar sentir aquele frescor daquela época.
Fico feliz ainda em saber que me arrepio da mesma forma nos primeiros acordes de “Nearly Lost You” dos Screaming Trees. Que ainda consigo ouvir Alice in Chains. Que sustento a idéia de ir algum dia ao show Pearl Jam. Mas os tempos são outros.
As obrigações da era moderna me deixam dia após dia ainda mais distante dessa era que se foi e não volta mais. Os amigos daquela época se foram. Estão ocupados demais. Quase tudo se foi. All Grow Up. Unfortunelly.

The legacy: the world domination of Gainsbourg family

2006-12-17T11:07:00.000-08:00

Nunca o sobrenome Gainsbourg fora tão comentado como neste ano que passou. O falecido Serge Gainsbourg (que partiu em 1991) deixara uma herança sobre a terra e isto não há dúvida. E tão versátil quanto o próprio Serge, 2006 fora o ano que sua honrosa família “atacou” por diversas as vertentes. Tributos, cinema e discos – solos da prole foram alguns deles.
Para celebrar seu 50º aniversário, o tributo Monsieur Gainsbourg Revisted traz nomes de peso do cenário musical atual (e algumas de suas amantes/cantoras) para recriação de algumas de suas composições clássicas. O cartão de visita fica com Franz Ferdinand que junto a Jane Birkin (ex – esposa do mestre) executam a enérgica “A Song for Sorry Angel”. Cat Power e Karen Elson injetam sensualidade em grau máximo (marca registrada de Serge Gainsbourg) na mais famosa de suas canções “Je T’Aime Mon Non Plus” vertida aqui para “I Love You (Me Either)” executando o dueto que antes fora realizado pelo próprio Serge e Jane Birkin. O Portishead coloca as batidas do trip – hop a serviço de “Requiem for Anna” e o resultado é grandioso. Um dos melhores trabalhos realizados em sua homenagem. Michael Stipe (R.E.M), o andrógeno Brian Molko (Placebo), The Kills e Jarvis Cocker também contribuem e engrandecem o maravilhoso álbum, pois o resultado do tributo esta a altura do autor. O único porém é o fato de que o disco é todo em inglês. Detalhe: Serge, como dizem por aí, só não dominou o mundo porque era avesso ao inglês e por isso compunha somente em sua língua nativa: o francês.
Falando em Jarvis Cocker (o figura aí ao lado), se existe alguém no universo pop que chegue próximo a magnitude do clã de Gainsbourg é ele. Em Jarvis, o cantor faz uso de temáticas trabalhadas em exaustão no universo fantástico “gainsbourguiano” no qual amores dilacerados, perversões, traições e assassinatos dão o tom. Não se trata de uma obra – prima já que o disco alterna momentos brilhantes (“Don’t Let Him Haste Your Time”) e outros nem tanto (“Heavy Weather”), mas deixa em aberto o destino do cantor cujo passado fora de glorias quando era o frontman do Pulp .
Quem também lançou disco em 2006 fora uma das musas do mestre: a já citada Jane Birkin. Fictions rompe um hiato de anos sem gravar e mostra Birkin escudada por uma nova geração de compositores (Beth Gibbons é uma delas). E o tempo parece passar de forma lenta. Sua voz continua intacta. Serena. Diversificação é o lema musical do álbum que vai do jazz ao eletrônico passando pelo folk. Como são bastasse canções em francês e em inglês alternam – se e comovem os corações ao redor do globo. A versão de “Harvest Moon” (de Neil Young) não me deixa mentir.
E para finalizar escrevo sobre minha musa, Charlotte Gainsbourg (filha de Jane Birkin com Serge), que me fez passar por bobo dias atrás. Estava eu no cinema assistindo a Lemming (2005) e a cada vez que ela surgia na tela sorria feito uma criança quando ganha seu doce predileto. Sorte minha ninguém estar ao meu lado.
A presença dela era tão radiante que quase me esquecia do filme que é deveras bom. O roteiro da a falsa impressão de que se trata de um drama protagonizado por dois casais de estilos de vida antagônicos. Entretanto, o filme da uma virada e o que poderia ser um “dramalhão” torna – se um suspense de primeira linha.
Apesar de o título ser o nome de um animal (o Lemingue, natural da Escandinávia) o diretor realiza intertextualidade com um fato originário da via animal (a migração) que se relaciona diretamente com a história vivida pelas personagens. Somente vendo para crer.
Como o assunto é 2006 Charlotte esse ano lançou seu segundo disco 5:55, comentado em posts anteriores, e ainda continua com nota máxima por aqui. E o também já comentado, mas ainda não assistido, Science of Sleep que continua a sua saga de confundir o mundo. Protagonizado por Charlotte e Gael Garcia Bernal, o filme retrata a história de Stéphane Miroux (Bernal), um jovem excêntrico cujos sonhos constantemente invadem a sua vida. Com uma promessa de um bom emprego, Stéphane é coagido por sua mãe a voltar a sua cidade natal.O sujeito é bastante criativo. Enquanto dorme, ele é o carismático anfitrião do programa imaginário "Stéphane TV", onde explora a "Ciência do Sono" em frente a câmeras de papelão. Porém, na vida real, consegue um trabalho entediante em um local onde são publicados calendários. Lá, é obrigado a dividir uma pequena sala com três colegas, incluindo Guy (Alain Chabat), que é bastante faminto por diversão, e seu chefe. A decepção com o emprego, no entanto, acaba ao conhecer sua vizinha Stéphanie (Charlotte Gainsbourg) e Zoé (Emma de Caunes), uma amiga dela. Inicialmente atraído por Zoé, Stéphane passa a gostar de Stéphanie devido a imaginação dela bater bastante com a dele. Ele passa a colocar a garota em vários projetos criativos de sua mente. Stéphanie, de alguma maneira, acha a chave para o coração do rapaz. À medida que a relação dos dois floresce, o sujeito começa a deixar a sua imaginação interferir na sua vida real. E por aí vai. Equanto o filme não chega aos cinemas brasileiros, a trilha (graças a Karina) já chegou aos meus ouvidos, mas não irei cometar, pois sem assitir ao filme não muita tem graça.
Enquanto isso, na “sala de justiça”, Serge Gainsbourg segue observando, mesmo distante, que seu legado vai só aumentando. E com justiça, pois sua influente obra ainda é matriz para muito do que se produz no universo da cultura pop.

Heaven knows I’m Miserable Now*

2006-12-13T18:35:00.000-08:00

“What about the voice of Geddy Lee. How did it get so high? I wonder if he speaks like an ordinary guy”
Sthephen Malkmus, vocalista do Pavement, em “Stereo”

Não! Não serei a, mais uma vez, tirar sarro com Geddy Lee (vocalista do Rush), pois, como percebe – se na epígrafe, Malkmus já o fez maravilhosamente bem. A utilização da mesma se justifica ao fato de que, assim como Lee, Ryan Adams já foi, em sua melhor fase, um “ordinary guy”.
Em Heartbreaker, seu melhor disco solo (e não me venha dizer que prefere outro!) Ryan expõe, em tom confessional, um período conturbado de sua vida. Para se ter uma noção sua ex – banda, a elogiada Whiskeytown (uma das prediletas deste que vos escreve), entrava num período de férias que culminaram no fim da mesma. Seu relacionamento com Winona Ryder chegou ao fim de forma catastrófica. O uso de drogas atingiu escalas grandiosas... E foi de “cabeça cheia” que Ryan mais o produtor Ethan Johns (fiel escudeiro que viria posteriormente a trabalhar em outros discos de Adams) gravaram em poucos meses esta obra – prima.
Como já afirme Adams aqui canta, de forma tristonha, as mazelas de quem está à beira do abismo. Apresenta todas as suas chagas temendo a não recuperação. Tudo de forma bela e serena.
Em “Oh My Sweet Carolina” castiga o ouvinte ao convidar a musa country (e de Gram Parsons) Emmylou Harris para realização de um dos duetos mais comoventes dos últimos tempos.
Na belíssima “Come Pick Me Up” (utilizada brilhantemente por Cameron Crowe em Elizabethtown) é visível também certa carga de ódio no qual o cantor diz: “Me fode, roube meus discos, estrague todos os meus amigos”.
Ecos de Dylan (das antigas como nas garageiras “To Be Young” e “Shakedown On 9th Street”), Bruce Springsteen (fase Nebraska na gélida “To Be The One”) e Nick Drake (fase Pìnk Moon em “Don’t Ask For The Water”) são perceptíveis aqui e acolá.
Uma pena que esta fase “Poor Boy”** tenha durado apenas um disco. Mais tarde, no disco seguinte (o multiplatinado Gold) Adams dá a volta por cima e, a partir daí, nunca mais seria o mesmo só voltado a explorar o formato (sem repetir o brilho) no duplo Love is Hell.
Mais eu e Nick Hornby (que escreveu um ensaio muito bacana sobre Heartbreaker) ainda preferimos a fase “ordinária” do moço.
O disco em si é um convite ao universo de quem ama de forma zelosa e incondicional e sofre as agruras por isso. É o convite para o universo românico e sôfrego de Ryan Adams. É um convite irrecusável.

* O título da canção dos Smiths é perfeitamente justificável pelo fato de que a primeira de Heartbreaker é na verdade uma discussão entre Ryan Adams e os integrantes de sua banda sobre uma faixa de Morrissey. E pela temática do álbum também.
** “Poor Boy” é uma canção de Nick Drake presente em Bryter Later, seu melhor álbum que se você não tem vale aqui aquela máxima da Bizz: "compre, roube, copie, peça empretado (e não devolva), mas não deixe de ter esta obra em casa".

Perólas de uma vida composta por outros sonhos.

2006-12-09T19:12:00.000-08:00

Num prazo curto de duas semanas duas das turnês mais comentadas do ano protagonizada, por dois ícones mor da nossa mpb (Caetano Veloso e Chico Buarque), passaram por Belo Horizonte e este que vos escreve foi conferir.

Dizendo de forma breve diria que se Chico emociona e Caetano surpreende.

O show de Caetano no dia 25 de novembro de 2006 fora um grande feito. Com casa cheia e com o repertório de Cê (seu mais novo rebento) debaixo do braço o bom baiano realizou uma apresentação espetacular. Jovial como nunca, o cantor esbanjou vitalidade em todos os sentidos. Musicalmente falando, a nova fase de Caê é rock não só na sonoridade, mas também na postura. Acompanhado por um jovem e enxuto trio (composto por baixo, guitarra, bateria e um teclado ocasional) Caetano, mais uma vez, se reinventa. Quem, por exemplo, espereva os tradicionais hits surprendeu - se com a nova roupagem de hinos como "Sampa" (que ganhou um arranjo de caráter psicodélico) e com o set list composto por b - sides como "You Don't Know Me" e "Nine Out of Ten" (ambas do clássico Transa) que abrilhantaram e justificaram o porque de tanto alarde acerca deste novo "Caê" . Em poucos mais de duas horas o cantor mostrou mais uma de várias de suas facetas o que me faz apelidá - lo de "David Bowie dos trópicos" pelo seu aspecto mutante.

Se Caetano é Bowie diria que Chico é o nosso "Leonard Cohen". Digo isso pela gênese autoral de ambos que primam muitos mais, a meu ver, sobre o que está sendo cantado. E como Chico faz tão bem está tarefa...

Na turnê de Carioca a volta do cantor aos palcos é na verdade uma celebração ao formato canção que, ironicamente, ele havia decretado a morte em entrevista recente à Folha de São Pualo. Amarradas como um bom roteiro cinematográfico, as músicas vão se interligando umas as outras, ganhando texturas belíssimas que arracaram lágrimas do público presente.

Tudo começa com a dobradinha "Voltei a Cantar/Duro na Queda" e você já fica estático.

Cada palavra pronunciada por Chico parece ter um tom de súplica ao que está sendo dito e que somado ao desejo fervoroso do público presente conciliam - se num casamento perfeito.

Visuamente o palco é de rara beleza alternado cores e luminosidades, ilustrando em sua plenitudade o calculado set list que opta por não entregar sucessos ao léo, mas sim uma "malha fina" no que de melhor Chico produziu nesses seus 40 anos de carreira. Literamente aqui vale o dizer: Chico nessa sua, ao que dizem por aí, derradeira turnê joga "pérolas aos porcos".

E nós, meros mortais, agradeçemos a ambos que transformam nossos sonhos em canções e nos dar força para seguir em frente. Amém!

Os efeitos da Globalização Musical

2006-11-30T18:44:00.000-08:00

O que seria globalização? Esse conceito basicamente todo mundo sabe e aprendeu naquela aula de Geografia. Se você não se lembra eu lhe refresco a mémoria num texto surrupiado lá da Wikipedia:

"A globalização é um dos processos de aprofundamento da integração econômica, social, cultural e espacial e barateamento dos meios de transporte e comunicação dos países do mundo no final do século XX. É um fenómeno observado na necessidade de formar uma Aldeia Global que permita maiores ganhos para os mercados internos já saturados.
A rigor, as sociedades do mundo estão em processo de globalização desde o início da História. Mas o processo histórico a que se denomina Globalização é bem mais recente, datando (dependendo da conceituação e da interpretação) do colapso do bloco socialista e o conseqüente fim da Guerra Fria (entre 1989 e 1991), do refluxo capitalista com a estagnação econômica da URSS (a partir de 1975) ou ainda do próprio fim da Segunda Guerra Mundial.
As principais características da Globalização são a homogeneização dos centros urbanos, a expansão das corporações para regiões fora de seus núcleos geopolíticos, a revolução tecnológica nas comunicações e na electronica, a reorganização geopolítica do mundo em blocos comerciais regionais (não mais ideológicos), a hibridização entre culturas populares locais e uma cultura de massa supostamente "universal", entre outros."

Como vimos, este processo iniciou e se consolidou na década de 90. Mas os Beastie Boys, via Paul's Boutique, anteciparam essa "universalização".

Ainda na era do vinil, os Beastie Boys adetram no fatídico ano de 1989 ao estúdio junto aos Dust Brothers para realização de seu mais audacioso álbum. Até então o que se conhecia da cartilha do rap (assim como qulaquer outro gênero) era que um grupo nunca poderia "trair o movimeto" agregando outros elementos, quaisquer que sejam eles. Mas o trio nova - iorquino optou por ignorar esta regra e seguiu em frente.

Se alguma parcela do público ainda duvidava que a seria possível unir ritmos dispares (como Ill Comunication, o primeiro álbum, já avisava), o grupo provou que era humanamente possível. Agregando ritmos de todo globo como Rock, Jazz, Rap, Samba, Dub, Funk, Soul, Reggae, Country (utilizando mais de 100 samples, marca incrível até hoje) encontram se aqui no universo "beastie" de forma plena.

Elogiadíssimo pela crítica e subestimado pelo público, o disco obteve seu reconhecimento anos mais tarde quando os efeitos da globalização musical tornaram - se vísiveis a olho nu.

Um mundo sem Paul's Boutique não haveria versatildade na música. O rap não teria saido dos guetos para o resto para o globo.

O que seria da carreira de Beck, Moby, Fatboy Silm, DJ Shadow entre tantos outros sem o álbum eu não sei.

Conclamado pela crítica na época como o "Pet Sounds/Dark Side Of The Moon do Hip Hop" e cada vez mais influente, o álbum provou em versos (recheados de citações literárias veja só!) e sonoridades o quão diversificado a música poderia ser, fato que seria comprovado no disco seguinte (o maior, a meu ver, álbum de rap de todos os tempos) Check Your Head. Mas isto fica para depois.

Last Night I Dreamt That I Was In Paris With Charlotte Gainsbourg

2006-11-16T18:46:00.000-08:00

Sonhos. Projeções. Ilusões. Do que seriam compostas nossas miseráveis vidas sem os sonhos? Um completo disastre.

Noites atrás minha mente tramou algo realmente inacreditavel: idealizei que estava na Paris de Bernardo Bertolucci (via Os Sonhadores) correndo sob a chuva de mãos dadas a Charlotte Gainsbourg, minha nova musa. Sorry Scarlet but...

Meu fascínio por esta bella dona teve inicio ao assitir ao trailer de Science of Sleep (novo de Michel Gondry, ainda inédito por aqui) no qual Gael García Bernal interpreta um homem que oscila entre o mundo dos sonhos e a realidade, cuja musa inspiradora é a própria. Assim como ele, também para mim fora paixão a primeira vista.

Em seguida, fora a vez do belo disco 5:55. Produzido pelo exigente Nigel Godrich (parceiro de Beck, Paul McCartney, Thom Yorke e por aí vai) com o apoio do duo francês Air, que cria o tradicional clima "lounge étereo", e de Jarvis Cocker (ex - Pulp) nas composições, o álbum é uma das mais gratas surpresas de 2006.

Começa a faixa título e a voz de Charlotte vai sendo sorvida aos poucos e cria uma cama deliciosa de melodias, ideais para serem ouvidas em tardes chuvosas, debaixo de um edredom e preferência acompanhada de um bom livro (composto de belas passagens) ou alguém que lhe aqueça o coração. Um disco deveras apaixonante que emociona - me a cada adição.

Pena que tudo fora um mero sonho e, talvez, nem mesmo os famosos Six Degrees of Separation sejam capazes de nos colocarmos frente a frente para um cafezinho em uma viela qualquer parisiana. A realidade é algo que sempre dói e acordar para ela é necessário. Mas, enquanto ainda estou em estado de dormêmcia continuo junto a ela correndo freneticamente pela ruas da cidade que ainda almejo conhecer.

Language. Sex. Violence. Other?

2006-11-11T17:24:00.000-08:00

O título do último disco do Stereophonics, transcrito acima à guisa de epígrafe, resume muito bem o espírito do mais novo longo de Martin Scorsese, The Departed (Os Infiltrados).

Inspirado em Conflitos Internos (2002), o roteiro em síntese gira em torno da história de dois homens em lados opostos da lei: um é mafioso e se infiltra no departamento de polícia de Boston; o outro é policial e se aproxima secretamente da máfia irlandesa. Quando a violência aumenta e o derramamento de sangue é inevitável, crescem também as suspeitas. Assim cada espião-duplo tem a missão de correr contra o tempo para revelar a identidade do inimigo. Tudo de certa forma com cara do tipo "hummm... já vi este filme". Porém essa analogia na cabe ao filme de Scorsese.

Elementos como sexo e violência (tão trabalhados em outros de seus filmes) aqui são explorados de forma tão densa que faz Cabo do Medo, clássico também de sua autoria, conto da carochinha. A lingugem dos personagens também é carregada de palavrões dos mais variados tipos (que chocariam os puristas) e recheada de conotações sexuais da maneira mais suja possível. Aliás sujeira é que não falta.

A corrupção é o elemento chave da manipulção. Está por todos os lados. Seja por parte da polícia, seja por parte dos criminosos, traficantes etc. Em grande ambos os departementos trabalham de forma conjunta em busca de informações chave. Os ratos estão a solta e conduzem a película.

No campo da atuações, quem rouba a cena, mais uma vez, é Jack Nicholson. Seu personagem. o gangster Frank Costello é sem sombra de dúvida uma das melhores atuações de sua longa carreira. Em entrevista a Rolling Stone Nicholson revelou que o diretor havia idealizado um Costello maléfico, mas nem tanto. O ator resolveu intervir nas características de constiuição do mesmo e o clima esquentou e Nicholson quase pulou fora do barco. Mas no final tudo deu certo. Ponto para ele!

Leonardo DiCaprio e Matt Damon também estão bem em seus respectivos papéis. E isto é muito tratando - se de DiCaprio que, a meu ver, não obteve uma atuação contundente digna de louvor até hoje.

A trilha é um capítulo a parte. Composta por canções setentistas, estão lá os mais variados artistas que Scorsese e, o sempre bom, Howard Shore escolheram a dedo. Então você tem um Stones aqui ("Gimme Shelter" e "Let it Loose"), um Pink Floyd acolá (com a sublime "Comfortable Numb" em cena extremamente sensual) e alguns artistas "b - sides" como o Badfinger (que poderia ser o Beatles, mas a história não deixou) e os Allman Brothers.

A intertextualidade em citações de ícones literários como James Joyce, Freud (mesmo que de forma irônica), entre outros, é algo a se destacar.

Comparado a sua filmografia recente (que inclui os medianos Gangues de Nova York e O Aviador) The Departed está anos luz a frente e coloca novamente Scorsese no famoso Top 5 de filmes do ano. Porém não difere muito de seus trabalhos anteriores, pois dialoga, de forma direta, com a trajetória violenta da construção da América de ontem, hoje e sempre. Ainda bem!

P.S. Falando em "Let it Loose", faixa do clássico Stoneano Exile On The Main Street, em uma das cenas decisivas do filme a capa do disco fora utilizada para uma revelação bombástica. Será que alguém viu? Eu vi!

Dois discos. Duas medidas. Ambos para lá de bons.

2006-11-04T16:34:00.000-08:00

Dois dos álbuns mais comentados da atualidade são Cê do Caetano Veloso e FutureSex / LoveSounds do Justin Timberlake .
Apesar da categórica distância musical de ambos, os discos trazem em sua gênese um elemento semelhante: “o sangue quente”. Porém, aqui isso se dá por razões distintas.

Como prova, faço uma análise “Chico Picadinha” (ou seja, parte por parte) do que são constituídos, justificando, talvez, o motivo de tanto comentário.

Temas

Cê: Sexo e ódio. Em igual proporção.
FutureSex / LoveSounds: Sexo, mas cantado de forma sexy. Muito sexy.

Alvo

Cê: O disco de Caê só tem, basicamente, um direcionamento: sua ex – mulher Paula Lavigne.
FutureSex / LoveSounds: Sua atual namorada Cameron Diaz.

Por quê?

Cê: O fim de seu conturbado casamento. Daí tanto ódio. O sexo vem da vontade de Caetano mostrar que, como afirma o refrão de “Outro”, ele não se abateu, pois continua na ativa de “cara alegre, cruel, feliz e mau. Com o pau duro”.
FutureSex / LoveSounds: Ao que parece o que Britney Spears não “liberou”, ou custou para “liberar”, Cameron Diaz tem dado a rodo. O quê? Sexo é claro! Eis o motivo de o disco girar em torno basicamente do tema.

Sonoridade:

Cê: Nunca Caetano soou tão rock em sua longa carreira.
FutureSex / LoveSounds: Em seu segundo álbum, Justin acende uma vela para pop de qualidade elevadíssima.

Top 5:

Cê: “Outro”, “Rocks”, “Deusa Urbana”, “Odeio”, “Homem”... Sinto que deixe algumas de fora. Foda!
FutureSex / LoveSounds: “SexyBack”, “Lovestoned”, “Damn Girl”, “Losing My Way” e “Pose” entre tantos outras.

Importância

Cê: Caê esfrega rock na cara do cenário mainstream e da crítica dando lição de como compor um belo disco a várias bandinhas que imperam no dial brasileiro.
FutureSex / LoveSounds: não vai mudar o mundo, mas com certeza rouba o cetro, que um dia já pertenceu a Michael Jackson e Prince. E injeta qualidade nas MTVs por aí. Afinal é o Justin né!

Por fim, é engraçado pensar que à bem pouco tempo odiava por razões inúmeras ambos. Agora basta criarem discos dignos de nota (que figuraram com certeza nas listas de melhores do ano) e tudo muda de figura. É o poder da música se confirmando!

The idiot – Crônica de um babaca que sonha ser Beck

2006-11-02T05:38:00.000-08:00

Uma das maiores virtudes do ser humano é o seu caráter mutante. De adotar máscaras. Transformar – se em outro. Desvirtuar o que está errado. Saber como virar o jogo na hora certa. Tudo isso em prol da superação dos problemas da vida que se leva.

Tempos atrás acredita eu ser deter este “dom”, pois a felicidade era o meu codinome. Se as coisas não iam bem fazia uso de certo jogo de cintura para que as agruras não me abalassem e seguia em frente sorridente e dançado conforme a música. Mas de uns tempos para cá parece que perdi meus “super poderes”. Parece que problemas do passado (que claro, sempre voltam) tornaram – se algo como vírus que é eliminado, mas ressurgem fortalecidos de tal forma que parecem imbatíveis. Aparentemente sem antídoto.
Nestas horas sonho em ser Beck Hansen, que pode não o cara mais feliz do mundo (afinal de contas ele pariu tempos atrás o disco tristonho, de dar dó, Sea Change), mas não há ninguém no meio musical tão mutante quanto ele. Seus discos são versáteis, poli temáticos, vigorosos, dançantes, belos... Um caminhão de adjetivos é cabível aqui.
Enquanto Bowie e Costello (considerados os camaleões da música) realizam discos focados num único estilo (se é R&B é R&B, se é eletrônico é eletrônico) Beck consegue a façanha de realizar o crossing-over (é assim mesmo que se escreve?) na mesma canção misturando country, rap, batidas electro e por aí vai. Não que ele não tenha realizado discos temáticos (o citado Sea Change, por exemplo, vai pela onda Nick Drakiana. Midinite Vultures é uma viagem pelo universo do funk e soul), mas ainda assim Beck cria álbuns sob a sua ótica. Ou seja: de forma diferenciada.
Prova mor disso é o seu último rebento: The Information. O que o multi instrumentista pretendia no disco anterior, o ótimo Guero, aqui fora alcançado em sua plenitude. Desde Odelay, clássico lançado há uma década atrás, Beck não soa tal genial. Para realização desse pequeno clássico, Beck utilizou uma gama enorme de instrumentos (de xilofones a pick – ups) em prol da criação de canções que refletem a sua personalidade: um tanto quanto atormentada, estranha, mas ainda sim com aquele frescor pop que todos adoram. O mundo agradece.
Não sei se estou certo por acreditar que Beck e sua versatilidade podem ser a soluções dos problemas que me afligem, mas gostaria muito de ser um cara assim, mutante, que sabe dar a volta por cima, de adotar personalidades para solucionar o que deve ser solucionado e depois abandona – lá para retornar a mim mesmo.
Ironicamente, o mais próximo que consigo chegar a Beck é me identificar com duas de suas canções emblemáticas: “Jack – Ass” e “Loser”. Mas hoje ele não é mais assim (acredito) enquanto eu continuo sendo aquele babaca, idiota que causa a irritação e magoa as pessoas que realmente se importam comigo e significam muito para mim.

Always isn't always? Bullshit.

2006-10-13T20:20:00.000-07:00

Você está em tudo o que vejo.

Você é tudo o que sinto.

Você está em todas as canções que amo.

Você está nas solitárias salas de cinema.

Você está nos filmes que aprecio.

Você é o meu vício.

Você é o motivo dos meus cigarros.

Você é a razão da minha vontade de beber todas as noites.

Você está em todos os lugares.

Você está nos corredores dos shoppings.

Você está nas esquinas escuras da cidade que nunca dorme.

Você está nos livros que admiro.

Você está nos versos que me inspiram.

Você, você sempre você.

Você é a desgraça.

Você é algo que eu odeio!

Você é algo que anseio deixar para sempre.

Mas você faz parte de mim.

E sempre fará.

Canção da semana

2006-10-11T20:45:00.000-07:00

Sei que este espaço está em estado de coma, mas aos poucos pretendo entrar nos eixos.
Enquanto não volto a escrever de forma plena, para não perder o costume, cito aquela que é a canção da semana: "Knights of Cydonia" peróla de encerramento do já comentado discaço Black Holes and Revelations. Detentora de um caratér épico(quanto a sonoridade) e político (quanto a letra), a canção é uma obra - prima por si só. Um retrato perfeito da Era Bush que vai chegando ao fim, mas que deixará marcas eternas na trajetória americana e do mundo. Infelizmente de forma negativa.

Knights Of Cydonia
Muse
Composição: Matthew Bellamy

Come ride with me
Through the veins of history
I'll show you how god
Falls asleep on the job

And how can we win
When fools can be kings
Don't waste your time
Or time will waste you

No one's gonna take me alive
The time has come to make things right
You and I must fight for our rights
You and I must fight to survive

No one's gonna take me alive
The time has come to make things right
You and I must fight for our rights
You and I must fight to survive

No one's gonna take me alive
The time has come to make things right
You and I must fight for our rights
You and I must fight to survive

All that I need is...

2006-10-01T18:38:00.000-07:00

Eu preciso de escrever ensaios, projetos e resumos. Sobre a importância dos Beastie Boys para a música pop; a necessidade do mundo ouvir a trilha de About A Boy; o universo masculino, romântico, fragililizado e desiludido de Ryan Adams; Tom Petty, o sublime Astral Weeks de Van Morrisson ...

Eu preciso estudar para apresentações, provas, seminários...

Eu preciso ler livros inacabados: Crime e Castigo, O Caçador de Pipas, Dylan: A Biografia...

Eu preciso ouvir discos que estão empilhando cada vez mais em minha prateleira.

Eu preciso agradecer (sempre) as pessoas que muito fazem por mim (vocês sabem quem são).

Eu preciso mudar de emprego, de vida.

Eu preciso de "um tiro no braço".

Eu preciso dormir mais. Eu preciso "não dormir" para fazer, pelo menos, metade do que pretendo.

Eu preciso pensar menos. Eu preciso agir mais.

Eu preciso de tempo. Eu preciso de que o dia tenha no mínimo 36 horas.

Eu preciso, por agora, dormir um pouco para mais uma terça - feira.

Cold Cold Hearts Time

2006-09-09T08:16:00.000-07:00

Qual foi o último grande romance cinematográfico (daqueles com finais felizes e tudo mais) você assistiu atualmente ? Você se lembra? Não!? Sabe por quê? Basicamente este tipo de filme não logra sucesso. E você se pergunta de novo: por quê? Eis a resposta: histórias deste tipo, salvo raras exceções, não existem mais no nosso cotidiano. Tome como base os dias atuais e você verá que a era do vazio existencial e da frieza predomina. E como o cinema hoje não tem mais a intenção de transcender e sim de reproduzir a realidade...

Lembro muito bem no dia em que assisti Closer – Perto Demais (de Mike Nichols) e quando subiram os créditos finais a primeira palavra que proferi fora: “sensacional” já que até então não havia visualizado um retrato tão perfeito do universo dos relacionamentos nos dias atuais.

Tempos depois foi a vez de Tentação que novamente me deixou embasbacado tamanha a proximidade com a nossa era.

Eis então que surge outro grande exemplo, talvez o maior deles, deste período: 5x2 ou Amor em Cinco Tempos de François Ozon (diretor dos ótimos 8 Mulheres e Swimming Pool).

O roteiro gira em torno da história do casal Gilles e Marion dividida em cinco capítulos: quando se apaixonam, o casamento, o nascimento do primeiro filho, o início dos contratempos e a separação. Tudo isso, só que com um diferencial: tudo é contado de forma inversa, ou seja, a primeira cena é realizada na sala do advogado onde assinam a papelada do divórcio.

Porém, não é somente isto. Se nos filmes citados anteriormente o carro chefe eram diálogos pesados e uma certa eloqüência psicológica aqui o que predomina são os “corações gelados” (e olha que não estou falando daquele personagem dos Ursinhos Carinhosos) que conseguem trair o esposo no dia do casamento ou não comparecem na maternidade no dia do nascimento de seu primeiro filho. Em suma, personagens avessos a sentimentos de qualquer tipo.

Estes são alguns fatores que fazem com que o trabalho de Ozon seja, mais uma vez, vangloriado pois consegue de forma heróica e ousada transpor para as telas o olhar cético do mundo contemporâneo não só na essência de seus personagens como também em tudo em que o envolve, incluindo o espectador.

Sometimes old friends can't be new lovers

2006-09-06T21:05:00.000-07:00

Como seria maravilhosa a vida se a mesma fosse uma canção do Thrills. Melodiosa e assobiável. Com letras fofinhas sobre as maravilhas do amor. Enfim, do tipo que conforta o coração. Mas, infelizmente, ela não é.

Para outras pessoas talvez isto seja humanamente possível, mas para alguém como eu (um looser por excelência) velhos amigos não podem ser novos amantes.

Começo a acreditar fielmente na frase que uma amiga disse me certa vez: "você nasceu para ser amigo das mulheres e não um amante". Agora vejo que ela estava certa.

Qual a chance de um "homem" como eu melodramático, romântico e gentil (palavras estas que me descrevem, mas não fora eu quem as disse) tenho neste mundo contemporâneo. "Less than Zero" afirmaria Elvis Costello.

Talvez seja chegada a hora de mandar confeccionar aquela camiseta com o seguinte dizer: "I was born to be single or alone. You choose". Ironias à parte, esta é a mais pura verdade.

Carrossel musical

2006-08-29T14:54:00.000-07:00

Certa vez Lulu Santos fora questionado, em entrevista realizada pela revista Bizz, se algum dia todos os gêneros musicais estivessem em extinção e apenas um sobreviveria ele optou pelo blues. Respondendo esta mesma questão eu optaria pelo folk. E o Skank também. Prova mor desta opção é Carrossel mais novo rebento dos mineiros.
Finalizando a pseudotrilogia iniciada em Maquinarama, disco no qual a banda iniciou a busca por novas sonoridades, Carrossel tem como cartão de visitas "Eu e a Felicidade" mais uma maravilhosa parceria entre Samuel Rosa e Nando Reis. Calcada na sonoridade folk/rock a faixa além de deter uma boa letra também poderia figurar perfeitamente em Sim e Não, mais novo disco de Nando.
A meta-canção "Um Canção é Pra Isso", primeira música de trabalho, contagia o ouvinte desde a primeira audição. Não à toa a mesma já é hit e figura no dial das rádios de todo país.
"Até O Amor Virar Poeira" é um dos pontos altos do disco graças a sonoridade brit remetendo aos ingleses do Supergrass fase Life On Other Planets.
Em termos de produção a mesma fora dividida por dois feras das mesas: Chico Neves (que trabalha com o grupo desde Maquinarama) e Carlos Eduardo Miranda que não necessita comentários.
Em síntese o disco vai por aí ao colocar em notas e versos o ideário Beatle (fase adulta) primando ora pelo psicodelismo, ora pela busca do pop perfeito (ouça a balada "Seus Passos").
Nos dias atuais ouvir um disco como este é gratificante, pois o mesmo tem potencial radiofônico impressionante e com isso pode despoluir um pouco as viciadas Fm`s.
Um disco que coloca novamente em foco a questão defendida por toda a crítica atual que afirma que a cena brasileira está morta. Mas graças a trabalhos como os novos de Marisa Monte, o já comentado Nando Reis e este Carrossel comprovam que existe sim vida fora do universo segmentado brasileiro.

Eu e a felicidade*

2006-08-27T19:40:00.000-07:00

Bom, neste centésimo post estou esbanjando felicidade.

Ao que parace minha fase de trevas vai chegando ao fim. Tudo graças aos amigos.

Não há nada melhor na vida que no dia de seu aniversário receber ligações, abraços, felicitações e presentes de pessoas que significam bastante em sua vida.

Agradeço de coração a todos os amigos que fizeram de ontem um dos melhores aniversários de minha vida que agora chega a um quarto de século. OBRIGADO!

Parêntesis: "Eu e a felicidade" é o título do cartão de visitas de Carrossel mais novo petardo Britpop/Folk dos mineiros do Skank. A canção é mais uma parceira clássica de Samuel Rosa e Nando Reis.

Considerações breves sobre a indústria fonográfica em 2006 – Parte 2

2006-08-26T19:35:00.000-07:00

Dando continuidade sigo comentando o que de bacana fora lançado em 2006.

Se na lista anterior faltou o álbum clássico de 2006, eis que nesta segunda parte surge o grande candidato: Mr. Thom Yorke.

Thom Yorke - The Eraser: Já havia comentado sobre o mesmo, mas o disco ainda me fascina pela simplicidade quanto a sonoridade e aspereza quanto às letras. Um álbum comovente de um homem que ainda acredita na possibilidade de um mundo melhor. E a gente vai junto.

Strokes - First Impressions of Earth: Este já saiu a muito tempo e realmente é decepcionate. Quem achava que o disco anterior ruim (o mediano Room On Fire) descobriu que a criatividade dos nova - iorquinos começou a declinar agora. As cinco primeiras músicas são deveras boas (que coincidentemente são os singles do álbum), mas o restante de tão insoso lhe faz passar mal. Muito barulho por quase nada.

Walkmen - Hundred Miles Off: Que o documentário No Direction Home, de Martin Scorcese, mudou o mundo isto não é novidade. Mas os "filhos" deste trabalho começam a aparecer. O Walkmen agora junta - se ao seleto grupo de bandas cuja sonoridade (que neste caso era digamos "alternativa") é alterada em prol do folk rock Dylanesco. Ouça "Lousiana" e veja por que.

Primal Scream - Riot City Blues: Mais outra banda influenciada pelo documentário de Scorcese. Famosa por guinadas sonoras, agora a banda de Bobby Gillispie vai fundo nas raízes da música americana. Leia - se: folk, rock, blues e country. Deliciosamente bom.

Elvis Costello & Allen Toussaint - The River in Reverse : Dedicado as vítimas do furacão Katrina na cidade de New Orlens, Costello pegou os seus velhos comparsas (os Imposters) e uniu forças com o compositor Toussaint, tradicional músico da cidade, para a composição deste trabalho focado na sonoridade local: o R&B. E o resultado é lindo.

Raconteurs - Broken Boy Soldier: projeto dos sonhos que une Jack White e Brendan Benson, dois compositores de mão cheia. Um elo entre o Led Zeppelin e os Beatles jamais alcançado antes. Ouça "Intimate Secretary" e "Hands", dois belos exemplos.

Johnny Cash - American V: A Hundred Highways: Antes de partir desta para uma melhor Cash havia finalizado estas que são as últimas canções registradas em estúdio antes de sua morte. O tom tristonho do disco revela atmosfera carregada de um homem que não suportou viver mais separado de seu grande amor: June Carter que falecera seis meses antes. Lúgubre até mesmo na capa (que contém uma foto de Cash em P&B olhando fxamente para baixo) o álbum comove até mesmo as pessoas de coração "duro" graças ao lirismo apaixonado contido aqui.

Muse - Black Holes and Revelations: A imprensa ,em sua maioria, não gostou, mas eu adorei. Não ouviu os discos anteriores do grupo porém que o fantasma do Radiohead parece não assombrar mais. Quer dizer menos, pois a voz de Matthew Bellamy é inegavelmente similar a de Thom Yorke. Contudo este álbum é um discos mais versáteis de 2006, emulando sonoridades das mais variadas. De Depeche Mode ao Queen para se ter uma noção. Se este é o disco mediano deles imagino como será o bom. Confesso: estou com medo do Muse.

Bruce Springsteen - We Shall Over Come: The Seeger Sessions: Já havia escrito sobre as maravilhas cometidas pelo cantor aqui. E as mesmas ainda valem. Discaço!

Flaming Lips - At War With The Mystics: Também já comentado aqui, mas agora com uma ressalva: Wayne Cone é um semi - Deus dos dos indies. E tenho dito!

Ben Harper - Both Sides of The Gun: Disco duplo conceitual (que cá para nós: somados os tempos de cada um caberia em um único cd) do mais versátil cantor dos últimos tempos. De uma lado as mais belas e serenas canções compostas por ele. De outro funks e rockões enfezados para alegria da massa. Um disco que agrada a gregos e troianos com folga.

E não para por aí! Na próxima discos nacionais que você não pode deixar de ouvir.

Canção dos próximos meses

2006-08-21T21:31:00.000-07:00

Madonna definitivamente não estava errada por cantar em "Material Girl" que vivemos num mundo materialista, pois também sou vítima. É duro reconhecer, mas estou morrendo de saudade de meu velho discman que pifou de vez. A sensação que tenho é a de que perdi um grande amigo. Inferno astral é isso aí. E como a grana está curta para suprir esta ausência...

Bom, enquanto isso, sigo me preparando para o show do Cardigans ouvindo Super Extra Gravity mais novo petardo de Nina Person e cia. que, ironicamente, começa com a chorosa "Losing a Friend" canção cujos versos seguem abaixo:

The Cardigans - Losing a Friend

You got it all wrong
It's not about revenge
You're losing a friend
I didn't see it coming
With my head stuck in the sand
But now I'm losing a friend
And it's keeping me up

It's the ribbons I tie
I would rather just die
Go to heaven, crawl back
Than let you go
You're losing a friend

You jeopardize me
Bad, bad blood on your hands
I see you're losing a friend
I'm flicke and I'm vain
And you trick me over and over again
And now I'm losing you
And it's killing me

It's the strings that I tie
I would rather just die
Go to heaven, crawl back
Than let it all go

My mistake
To lose you

Oh no, oh no
So this is the end now
I'm losing you

Oh, look at you!
Look what you wasted
You're losing a friend

Oh no, oh no
I'm losing a friend
Oh, oh oh no

Toda loja de discos tem um pouco de manicômio

2006-08-20T09:15:00.000-07:00

Em tempos nos quais se pode baixar o conteúdo completo de álbum (incluindo música, b - sides e encarte) compradores de discos são considerados doentes mentais. E é bem verdade.

Compradores de discos são aqueles que podemos considerar os verdadeiros apaixonados pela música, pois sabem aguardar, pacientemente, que , por exemplo, os novos discos de Bob Dylan e Skank cheguem as prateleiras na terça, mesmo sabendo que os discos já estão circulando por aí a meses.

Uma loja de discos é o ponto de encontro de pessoas que conversam horas a fio sobre o universo da música pop, mas sem planfletarismo a favor de uma banda ou outra.

São pessoas que se sentem comovidas ao ouvir uma canção de Johnny Cash sabendo que o mestre não está mais entre nós.

Que amam Morrissey, Lou Reed, Rufus Wainwright entre tantos outros (e outras), ignorando sua opção sexual.

Que assistem ao show de uma banda desconhecida e ao primeiro acorde da canção sentem conectados ao que é presenciado.

Que chora num show de Elvis Costello, se arrepia todo ao ver e ouvir ao vivo, em casa, uma versão “Man On The Moon” do R.E.M e balança freneticamente ao som de “Damaged Goods” do Gang of Four sem nem mesmo saber dançar (que é o meu caso).

Consideram que a história de Bob Dylan e Richard Nixon tem a mesma importância para a humanidade.

Que ficam felizes da vida por encontrar em vinil o segundo álbum de Elton John que contém a sublime "My Father's Gun" utilizada por Cameron Crowe no filme Elizabethtown.

Por fim, pessoas dementes que pensam que sem a música não seriam absolutamente nada já que afinal ela é tudo. Graças a Deus.

Reader Meet Author

2006-08-15T20:46:00.000-07:00

Eu tive um sonho. Sonhava que sabia escrever (bem) sobre música. Mas meu sonho acabou. O por quê? A Ultima Transmissão, compilação do que de melhor Greil Marcus escreveu para diversas publicações.

Formado em Ciência Política e Estudos Americanos, Marcus aplicou toda sua bagagem de conhecimento em prol da música criando assim textos antológicos sobre Elvis Presley, Joy Division e Gang of Four.

Para se ter uma idéia, sobre um show antológico de Bruce Springsteen o autor relaciona de forma coerente Lênin e Beethoven a performance de quem segundo ele “cantava a beira do abismo”. E vai além, pois “isso não é uma metáfora”.

Marcus foi editor chefe do período áureo da Rolling Stone (no final da década de 60) época em que Lester Bangs e Cameron Crowe faziam parte do cast de ouro da revista.

Seu discurso é tão convincente que até mesmo a canção mediana “Pills and Soup” de Elvis Costello (do álbum Punch the Clock) vira a casaca e se torna um clássico atemporal graças ao teor político carregado da mesma que versa sobre fascismo e a donzela de ferro (leia – se Margaret Thatcher).

Falando ainda em Lester, se seu modo de escrita era simplista (e isto não é demérito algum) Greil Marcus dá um novo patamar a análise musical, justificando assim o seu status de “inigualável. Não só como escritor de rock, mas como historiador cultural” (Nick Hornby).

O idealismo punk/pós punk (tido por muitos como uma brincadeira adolescente) ganha aqui interpretações soberbas de um homem que não só esteve lá como também compreendeu, como poucos, que aquilo era algo a ser levado à serio.

Enquanto escrevo este texto estou ouvindo, de forma incansável, A Brief History of The Twentieth Century coletânea do Gang of Four (cujo texto de apresentação é de autoria de Greil Marcus) contando às horas para a apresentação do celebrado grupo inglês que acontece no dia nove de setembro. Este título é também perfeito para se relacionar com a obra de Greil Marcus que soube analisar perfeitamente a cultura de massa, o que fora o século passado e o que ainda estar por vir.

Parêntesis: Realizando a leitura deste livro encontrei o meu caminho. Se Marcus fora pelo caminho da política eu vou optar pela literatura. Afinal de contas quantos são os álbuns que tem como a influência a literatura? Milhares! Coincidentemente dias atrás estava eu pensando numa coluna para o jornal da faculdade que girava em torno desta temática. Trabalho árduo e, espero, gratificante pela frente.

Canção da semana - Do Your Best and Don't Worry

2006-08-13T19:57:00.000-07:00

Teria Morrissey escrito canções para todos os momentos de nossas vidas? Não sei, mas parece.

Tempos atrás estava eu apaixonado e Ringleader of Tormentors (disco redentor) foi trilha graças ao romantismo carregado da obra como em "To Me You Are A Work of Art".

Quando o amor acabou estava no meu cd player You are the Quarry, raivoso álbum (nas letras e não no som) cujo ápice é "I Have Forgiven Jesus" (citada aqui por zilhões de vezes), canção na qual Moz perdoa o filho de Deus Pai Todo Poderoso por ter lhe concedido o dom de amar, pois o amor despositado por Ele não traz felicidade e sim uma enorme suscessão de sofrimentos.

Agora quando minha veia criativa parece estar minguada quando à um projeto acerca da cultura pop, eis que surge Southpaw Grammar, disco curto (8 faixas) mas pungente e surpreendente que tem como principal faixa "Do Your Best and Don't Worry". E aí eu me pergunto: será que as coisas são assim mesmo? Fazer o melhor e não me preocupar...

Hoje estou vivendo o que Glenda descreveu para mim recentemente como meu "inferno astral pré - aniversário" que segundo a ela deve passar logo, logo.

Então, inspirado, mais uma vez, na ideologia do cantor vou tentar realizar "o melhor" lendo um bocado de livros para ver se avanço no complicado projeto em que estou imerso. Try, try and try.

I have forgiven live albums*

2006-08-06T19:57:00.000-07:00

Sempre fui contrário a discos ao vivos. Primeiro porque se trata, geralmente, de um registro da qual não pude estar lá. Além disso, álbuns assim também funcionam como coletânea (outro gênero que odeio). Salvo raras bandas (o Pearl Jam e o Echo and The Bunnymen, por exemplo) são poucos discos que me levam ao revés.

Então eis que hoje mais um novo membro adentra ao prestigiado hall de "registros antológicos": Live At Earls Court de quem... de quem... do Morrissey é claro.

Lançado no ano passado, o disco passa a limpo quase duas décadas de boa música. Dos Smiths estão presentes nada mais, nada menos que cinco clássicos destacando as versões de "How Soon is Now?" e a minha predileta: "There is a Light That Never Goes Out".

Pérolas de sua elogiada carreira solo parecem ter sido escolhidas a dedo. Quem esperava os aclamados hits (como "Suedehead") ouviu b - sides de qualidade elevada como "Friday Morning". Sucessos mesmo somente as obrigatórias "The More You Ignore Me The Closer I Get" e "November Spawned a Monster".

Como o show era divulgação do soberbo You Are The Quarry estão lá outras cinco canções que ao vivo mantém a qualidade graças a competente banda de apoio do cantor.

Outras surpresas são a cover de "Redondo Beach" (de Patti Smith), executada com respeito ao arranjo original, e a atualização de algumas letras como acontece na segunda estrofe de "Bigmouth Strikes Again" (outra dos Smiths) onde Moz canta: "Agora eu sei como Joana D'arc se sentiu / Enquanto as chamas subiam até seu perfil romano / E seu walkman começava a derreter" que na versão 2005 transforma - se em: "Agora eu sei como Joana D'arc se sentiu / Enquanto as chamas subiam até seu perfil romano / E seu iPod começava a derreter". Genialmente hilário.

A cereja do bolo é "Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me" (outro clássico dos Smiths) que fecha com chave de ouro a apresentação realizada em 18 de dezembro de 2004 em Londres.

Por fim, vale dizer que este registro não é somente histórico por marcar o retorno do cantor aos palcos como também serve para provar que existem artistas cuja perfomance em disco convence até quem não é muito fã do formato.

Se bem que para um cara como Morrissey deve ser fácil afinal são tantas canções ótimas que qualquer set list é válido.

*Paródia de "I Have Forgiven Jesus" também presente no disco em versão matadora.

Love like a bomb

2006-08-05T20:31:00.000-07:00

"Declarações amorosas são como granadas de mão: não devem ser guardados dentro do coração e sim lançados ao vento". Não sei a origem desta frase, mas começo a acreditar fielmente nela.

Para tanto, nesta temática "urgente" cada dia será mais um na luta em prol de um novo amor. Será que sairei vitorioso nesta guerra? É díficil dizer, porém estou pronto. E que o mestre Greg Dulli (e seu Twilight Singers) me abençoem.

I'm Ready - Twilight Singers

the sun don't shine 'round here no more
and i know it won't be long
I hope I see you out tonight
and I hope we get it on

'cuz i'm ready, I'm ready
to love somebody
'cuz i'm ready, I'm ready
let's go

whatever you heard about me before
believe me, theings ain't what they were
whenever you look at me or talk to me
you sound just like her

and I'm ready, I'm ready
to love somebody
'cuz I'm ready, I'm ready
to love somebody

seldom seen and in between
and I know it won't be long
bittersweet is evergreen
until we get it on

now I'm ready...

Dêem as boas vindas! O homem de neandertal está de volta!

2006-08-01T20:24:00.001-07:00

É realmente impressionante como o homem (no caso do gênero masculino) ainda me surpreende negativamente. Diariamente uma colega de classe dava carona para mim e algumas colegas até um ponto próximo à minha casa para que pudesse chegar cedo em casa e com segurança. Até antes das férias tudo transcorria de forma plena, mas quando retornam às aulas chega aos meus ouvidos a notícia de que ela não poderia me ajudar mais de tal forma porque o seu "namorado" não gostou da idéia de ter um homem (que não ele ou outro familiar) no mesmo carro.

Em pleno século XXI ver que algumas pessoas tenham ideologia errônea de tempos remotos é algo deprimente. Pensar no fato de que ainda existem pessoas agindo de forma instintiva, vendo o próximo como ameaça a seu "território" é complicado. Mas como posso ser uma se ele nem mesmo conhece o "inimigo"?

Porém, o que de veras me chateia não é isto. O que me preocupa realmente é o fato de que homens assim é que destroem carreiras promissoras. A Talita (a tal amiga) é uma pessoa MARAVILHOSA em vários aspectos: beleza, inteligência, dedicação, simplicidade... e ver que, talvez, tudo isso vá por água abaixo em prol do imaginário de um cara que mais parece idealizar uma vida de "Amélia" para ela do que crescimento mútuo é revoltante. Pensava que histórias assim só aconteciam em filmes como O Sorriso de Monalisa (ambientado na década de 50 veja só), mas vejo que certos valores insistem em perdurar por anos à fio.

Torço, e muito, para que tudo o que escrevi seja um erro, um exagero ou que ambos consigam superar esta dificuldade e possam crescer juntos em prol de uma vida melhor.

Trilha Sonora: Falando em algo melhor quem também anda desejando isto é Thom Yorke em The Eraser, seu primeiro álbum solo. Assustador que na primeira audição o disco soa indigesto, mas vai crescendo e sendo sorvido aos poucos. Utilizando de raros recursos (guitarra, baixo e uma bateria eletrônica) Yorke comprova que para a realização de um grande disco se faz necessário não uma mega produção e sim uma grande idéia. E isto fora alcançado com louvor aqui. Sério candidato a disco do ano.

Cenas de um casamento

2006-07-31T07:15:00.000-07:00

Certa vez fui questionado pela bela Carol sobre o fato de se eu iria ou não ao casamento de meu amigo e guru Marcos então respondi: “Claro! Não é todo dia que se assiste ao enforcamento humano.” E era esta a ideologia mesmo. O casamento hoje em dia eu via como algo tão vago, desnecessário e inimaginável que somente passam pela minha cabeça piadas sem graça sobre o assunto.

Mas era chegada a hora da cerimônia e algo realmente impressionante aconteceu comigo: tudo mudou drasticamente. Não sei muito bem todas as razões, mas o cenário era de rara beleza, pois tudo estava muito bem ornamentado se assemelhando a filmes com uma bela fotografia. O fato de ver meu amigo aos prantos, quase não conseguindo falar, extremamente emocionado e as pessoas ao meu redor também estáticas e comovidas com tudo o que acontecia contribuíram para que meu ideal fosse pelo ralo.

Até mesmo o Padre que celebrou o casamento conduziu de maneira tão bela, versando sobre o amor e como o casamento é um exemplo mor deste sentimento que era visível que todos estavam “conectados” ao que fora presenciado.

E como a felicidade está nas pequenas coisas, no fim da cerimônia Marcos passa ao meu lado e me cumprimenta efusivamente, com um sorriso largo estampado ao rosto e eu quase choro.

Tudo que se seguiu depois também fora maravilhoso: a festa regada a muito champanhe e cerveja, conversas sobre casar ou não casar, sobre o presente e o futuro. Além disso, nasceram novas amizades e antigas foram reativadas. É como disse uma dessas amizades que estavam distantes (a Luciene) que encontro logo na entrada: “somente em ocasiões assim para nos encontrarmos”. Se a música ambiente era ruim passou desapercebido tamanha a minha euforia.

No fim, agradeci efusivamente ao Marcos e, a sua agora esposa, Tatiane por tudo desejando felicidades.

Abandonei o recinto cedo (creio que a meia noite), mas com uma vontade enorme de realizar algo incrível: me casar. Será que a garota Carol (aquela lá do início do texto) aceita? Vou sondar.

Preparando o bolso

2006-07-30T18:31:00.000-07:00

Parece um sonho, mas Belo Horizonte irá sediar quatro shows de peso até o final do ano. Se tudo der certo, dois serão em Setembro e um em Novembro. Veja só:

03/09 - Slayer (Chevrolet Hall)

09/09 - Cardigans e Gang of Four (Chevrolet Hall)

11/11 - New Order (Estádio Mineirão)

Bom, eu preciso assistir o Slayer porque é um caso antigo da minha porção metaleira (como o AC/DC) que não me abandonam. E ainda, de que quebra, assisto o maior baterista de todos os tempos: Mr. Dave Lombardo.

O Cardigans é uma banda que vim a gostar há pouco tempo, mas já tem um lugar especial no meu coração sendento de músicas fofinhas. E a Nina Person é uma das mulheres mais lindas do mundo.

Já o Gang of Four é a velha escola pós - punk de volta e ainda com a formação clássica.

Para o New Order eu digo que apesar de não ser um grande fã de sua fase oitentista, a banda tem em seu currículo várias canções bacanas e um álbum que adoro (o do retorno Get Ready).

Se vou ter grana para isso tudo e muito mais (já que planejo ir ao Rio assistir a Patti Smith no Tim Festival) não sei. Vontade é que não falta.

Caviar é bom. Mas frango com farofa também

2006-07-28T21:25:00.000-07:00

O que é preferível: assistir um filme do Steven Soderberg ou do Quentin Tarantino? Woody Allen ou Gore Verbinski? Goddard ou Almodóvar? Ou seja: você prefere o filme cult ou o de massa. Difícil não é? Bom eu, particularmente, prefiro ambos.

Claro que é um tanto quanto satisfatório sair do cinema com a “cabeça cheia” graças a um belo filme que lhe deixa perplexo. Não no sentido de chocar, mas que leve a reflexão sobre o aspecto abordado na película. Porém assistir alguns blockbusters de vez em quando não faz mal a ninguém.

Está certo de que a probabilidade de assistir um filme cult ruim geralmente é bem menor do que a de um “arrasa quarteirão”. Um bom exemplo de que um filme de mercado pode ser, ainda sim, digno de nota é Piratas do Caribe: O baú da morte. E por muitos motivos. A começar pelo óbvio: como é dirigido para o público pré – adolescente o roteiro é bastante simples e direto (cortezia de Ted Elliott e Terry Rossio), sem inúmeros personagens ou poucos de personalidade diversificada.

Além disso a atuação de Johnny Depp, mais uma vez, surpreende. Aliás já virou clichê falar isso afinal comentar qualquer coisa sobre as atuações de Depp é chover no molhado. Satisfação garantida.

Ainda no campo das atuações até mesmo Orlando Bloom, com sua insensatez e frieza, passa batido. Já Keira Knightley (esta sim, uma promissora atriz) mais uma vez não decepciona.

A direção de Gore Verbinski que poderia ser algo prejudicial (sim, prejudicial pois alguém se lembra que ele dirigiu porcarias como A Mexicana? Não né!) não atrapalha e sim acrescenta já que visualmente é espetacular. As cenas de guerra “mar adentro” e a tripulação de Davy Jones são impressionantes.

Aliás a incursão do personagem Davy Jones é extremamente louvável: criado digitalmente Jones é um pirata com uma pinça de caranguejo no lugar de um dos braços e uma longa barba formada por tentáculos de um polvo. Maléfico e engraçado este personagem é dos pontos alto do filme.

Por fim, nesta onda enorme de filmes de grande orçamento que estão por aí (o mediano Superman, por exemplo) é gratificante sair do cinema após uma sessão deste Piratas do Caribe: O baú da morte que, assim como o primeiro, é diversão garantida.

Considerações breves sobre a indústria fonográfica em 2006 – Parte 1

2006-07-22T19:03:00.000-07:00

Um ano, até agora, sem grandes surpresas. 2006 no campo musical não apresentou trabalhos que poderiam ser tachados de “clássicos atemporais”, mas isto não impede que bons álbuns tenham chegado ao mercado fonográfico. Segue abaixo um breve retrospecto do que até agora chegou aos meus calejados ouvidos:
Snow Patrol – Eyes Open: Não tão bom quanto o disco anterior, o divisor de águas Final Straw, mas com bons momentos. “It’s Beginning To Get To Me” é a “Dakota” (maravilhosa canção do Sterephonics do ano passado) de 2006.
Twilight Singers – Powder Burns: O mais “roqueiro” dos discos deste projeto paralelo de Greg Dulli. Um prato cheio para quem, assim como eu, está com saudades de seus tempos de Afghan Whigs.
We are Scientists – With Love and Squalor: Debut promissor destes americanos que só foram conquistar sucesso na Europa. Letras engraçadas, canções pungentes e refrões chicletes são os destaques aqui. “Nobody Move, Nobody Get Hurt” e “It’s a Hit” são canções que você não deve ouvir! Sim, pois depois que você ouve não consegue deixar mais.
Morrisey – Ringleader of the Tormentors: A redenção de quem soltou os cachorros em You Are the Quarry, disco sensacional de 2004. Aqui o maior compositor inglês do século passado versa sobre o fato de ter encontrado o amor em Roma (cidade onde o disco fora produzido) e pode o perdão de Deus na sublime “Dear God, Please Help Me”. Para quem até perdoou Jesus este é um senhor disco. Um dos melhores até agora.
Sonic Youth – Rather Ripped: No disco de despedida da gravadora Geffen, o grupo de Nova York optou por sair do jeito quem entrou: entregando um disco redodinho e pop. Nada de microfonias e esquizofrenia da comentada, e pouco ouvida, trilogia de sua cidade natal. Thurston Moore e Lee Ranaldo, uma das melhores duplas de guitarristas de todos os tempos, capricham para que Kim Gordon solte o berro em canções como “What A Waste”. Muito bom.
Wolfmother – Wolfmother: Outro debut de qualidade elevada. O power trio australiano capricha ao emular a sonoridade do Led Zeppellin, Deep Purple e Black Sabbath. Porém, com um diferencial: sem parecer pastiche de ninguém.
Clap Your Hands Say Yeah! - Clap Your Hands Say Yeah!: Lançado lá fora no ano passado, mas só chegou agora por aqui. Talking Heads + Arcade Fire: a sonoridade vai neste caminho. Interessante.
Josh Rouse – Subtítulo: Ah o amor... Depois conhecer a espanhola que modificou sua vida (Paz com quem divide os vocais na belíssima “The Who Doesn’t Know How To Smile”) Rouse mudou tudo (ou quase tudo) relativo ao seu trabalho. O Alt. Country agora, por exemplo, dá lugar a bossa nova como na contagiante “Summertime”. Mas as pérolas soul ainda estão lá. “Givin It Up” que o diga.
Pearl Jam - Pearl Jam: Sábios afirmam que para estar vivo basta morrer. Bom, o Pearl Jam então pode-se dizer que morreu pela segunda vez (a primeira foi em Yield) para que Pearl Jam, o álbum, ganhasse espaço. A morte aqui ganha contorno de sonoridade. Sem em Yield fora a maturidade que surgiu aqui é a vez de jovialidade dos tempos inicias de carreira, mas com caráter político. Porém em alguns momentos o disco não engrena, chegando a ser até chato. Porém em outros... Em suma: meia boca.
Arctic Monkeys – Whatever People Say I Am, Thats I Am Not: Será que os ingleses da vez duram mais um disco? Tanto hype em cima de uma banda é realmente bom? Deixando este questionamento de lado o álbum é deveras bom. “I Bet You Look Good On the Dancefloor” é a canção que muita gente venderia a alma para ter composto. Um hino da azaração na balada indie.
Editors – Back Room: Na cola do Interpol, os “Editores” assumem as influências darks de um Joy Division, mas um pouco mais de luz.
Wolf Parade – Apologies to the Queen Mary: Banda canadense cujo disco de estréia tem a proeza de soar como os conterrâneos do Arcade Fire, mas com a cara do David Bowie. Sacou?

Não fica só nisso. Muito mais no próximo post.

“I want to live with common people like you”

2006-07-15T11:42:00.000-07:00

Parêntesis: O movimento da pop art, iniciado nos anos 50, (que teve como figura mor Andy Warhol) tinha em seu fundamento a ideologia de retratar a realidade, seja ela qual for, em tom de crítica ao vazio substancial que figura na sociedade.
Gilles Lipovetsky, em O tempos hipermodernos, afirma que a sociedade nos tempos atuais vive um estado de presente contínuo, pois, basicamente, não realiza projeções do futuro.

Não sei muito bem se este era espírito que estava imbuindo Jarvis Cocker (ex -líder do Pulp), mas a cadência de Different Class (disco de 1995) gira em torno destes aspectos.

Agindo como um cronista / crítico da classe média inglesa, Cocker retrata, de forma sincera, fidedigna, a vida do cidadão inglês que na verdade é um reflexo da própria Inglaterra, e por que não do homem nos tempos atuais que se preocupa somente com o presente, ignorando basicamente o passado e se lixando com o futuro. Para demonstrar toda a sua indignação, o Pulp fez uso das mais variadas sonoridades que vão desde sintetizadores “carinhosos” a guitarras furiosas.

O disco começa com a enérgica “Mis-Shapes” que funciona como um hino já que conclama toda a nação a fazer algo, pois “There won't be fighting in the street”.

“Pencil Skirt” tem como tema um relacionamento de recheados de mentiras. Reflexo total da era em que dizer a verdade é algo incomensurável.

Já “Common People” relata a história de uma garota da classe média / alta que leva uma vida totalmente entediante e artificial, sonhando um dia levar uma vida comum.

Voyeurismo e a liberdade vigiada é retratada na quase épica “I Spy”. No fim da canção, Cocker justifica o seu ato de expiar: expiar a chance de um mundo melhor.

A sensacional “Disco 2000” (outro hino que ganhou versão fiel de Nick Cave) conta a história de como uma simples brincadeira pode ter conseqüências amorosas catastróficas. Derorah e o narrador da canção nasceram com uma hora de diferença entre si. Seus pais durante uma conversa informal traçaram o destino de ambos, que “poderiam ser irmãos”, mas iriam se casar. Durante toda a infância e adolescência o rapaz sustentou este pseudo romance que, logicamente, não viria a se concluir, deixando assim seqüelas “incuráveis” no narrador.

Mais a frente a Lou Reediana “F.E.E.L.I.N.G. C.A.L.L.E.D. L.O.V.E” (escrita assim mesmo) questiona o que seria o amor? Seria algo frio? Algo como um shopping center? Vai saber...

“Monday Morning” começa afirmando que “não existe nada para se fazer, então, por que viver no mundo se você pode viver em sua cabeça?”. Não saia de casa, pois todos os dias são iguais e solitários afirma mais a frente. Em suma, uma perfeita analise dos dias atuais que, cada vez, mais voam em velocidade astronômica e sem deter sentido.

Por fim, a última faixa “Bar Italia” conclama a “garota” a, mais uma vez, se mover pois chegou a hora. E questiona por que ela olha tão confusa? O que ela perdeu? Apenas a sua cabeça, explica.

Como se pode perceber, e recomendo ouvir, este é um dos melhores tratados da música pop do século passado e que de forma gratificante elevou o Pulp ao estatos de grande ícone.

O sucessor de Different Class só viria 3 anos mais tarde com This is Hardcore, que, ironicamente, começa com os 3 segundos finais de “Bar Italia”. Este fato se explica pela razão de que a temática desenvolvida no primeiro ganhou continuidade (algo como um filme) nesta outra grande obra. Mas isto é assunto para outra ocasião.

Something there is about you & me

2006-07-09T18:49:00.000-07:00

Dias atrás ao encarar uma sessão de Separados pelo casamento (drama interpretado por Jennifer Aniston e Vince Vaughn) deparei me com a seguinte situação: não sou o único a "inundar" a pessoa amada dentro de um relacionamento.

Sim! Inundar! Este é realmente o termo (retirado de "Sou dela", mais novo hit de Nando Reis) que neste caso significa não deixar que a outra pessoa apresente o seu universo. No filme, Gary (Vaughn) vive com Brooke (Aniston). Após morarem juntos por 2 anos, o casal termina o relacionamento. Porém nenhum dos dois aceita deixar o apartamento em que vivem, o que faz com que ambos continuem a viver sob o mesmo teto no filme. Porém, quase no fim do filme é que tudo se revela: Gary durante todo tempo coordenava o seria feito e o que não seria, não dando espaço para os anseios de Brooke. E o resultado não poderia ser outro: The Break-Up (título origonal do filme).

Aprendi lendo Sem Logo, de Naomi Klein, que filmes como este são exemplos clássicos de como a industria do Marketing invadiu de sola nos roteiros cinematográficos, pois na mesma situação em que me encontro (a de identificação) milhares de outros homens encontram - se na mesma.

E basicamente, o que tenho feito nos ultimos tempos foi apresentar a minhas perspectivas (errôneas ou não), o meu mundo, não deixando espaço algum para que a outra apareça. E, bom, talvez este seja um dos motivos dos quais tudo tenha desandado. Tenho que aprender (como aconteceu a Rob Fleming) que o universo não gira em torno somente de coisas que gosto. Preciso aprender a não "obrigar" a outra que faça o mesmo ou aceite tudo sob a minha ótica. Preciso ser e espero um dia ser dela. Seja ela quem for.

Sou dela
Nando Reis

Esperei por tanto tempo

Esse tempo agora acabou

Demorou mas fez sentido

Fez sentido que chegou

Eu pensei que não fosse nunca

Mas agora já se foi

Nunca mais parece triste

Triste eu era agora passou

Por que eu estou com ela

Sou dela

Sem ela

Não sou

Por que eu preciso dela

Só dela

Com ela

Eu vou

Sempre olhei à mim nos outros

Estava em toda a multidão

Sendo muito e tendo pouco

Dando muita explicação

Quero olhar para esse mundo

Ver o mundo em seu olhar

Quero ser, te quero muito

Ficar junto e respirar

Por que eu estou com ela

Sou dela

Sem ela

Não sou

Por que eu preciso dela

Só dela

Com ela

Eu vou

Estava tão longe

Num outro lugar

Trancado e distante

Na esfera lunar

Na superfície ou no deserto

No asfalto ou no avião

Na pratileira de um depósito

Na cordilheira, num vulcão

Não vou te inundar

A alegria é um presépio

A tristeza é tentação

Três Marias de um mistério

A surpresa em procissão

Trocaria a eternidade

Pela noite que chegou

Luz do dia realidade

De mãos dadas eu estou

Por que eu estou com ela

Sou dela

Sem ela

Não sou

Por que eu preciso dela

Só dela

Com ela

Eu vou

Dois pesos. Duas medidas. Ambos clássicos

2006-07-05T10:51:00.000-07:00

Woody Guthrie e Pete Seeger. Você sabe quem são? Não? Então não tem meu respeito! Calm down, calm down it’s a silly joke. Eu explico para você.

Ambos são ícones mor da música folk do século passado. Não alcançaram o sucesso devido, mas influenciaram Deus (leia – se Bob Dylan) e o mundo.

O reconhecimento de suas respectivas obras ganharam nos últimos anos uma projeção maior graças a justas homenagens prestadas por artistas do primeiro escalão da boa música: Wilco junto ao bardo Billy Bragg e o chefão Bruce Springsteen.

No caso do Wilco a história foi mais ou menos assim: a filha de Guthrie encontrou em sua casa vários poemas não musicados pelo pai (escritos entre 1939 e 1955) e saiu a procura de artistas que adotassem a causa de musicar os mesmos. Porém, não com fins mercadológicos (como muitos pensaram na época) e sim no intuito de homenagear o cantor. Acertada a escolha de Billy Bragg e o convite aceito pela trupe de Jeff Tweedy, como banda apoio, iniciaram as gravações em 1997. O resultado destas gravações foram divididas em dois álbuns: Mermaid Avenue Vol. I e Mermaid Avenue Vol. II.

Sobre o primeiro (que é trilha neste exato momento) pode – se dizer que se trata de um disco que se Woody estive vivo iria, com certeza, fazê – lo soltar um largo sorriso de gratificação, pois Bragg e o Wilco trataram com respeito a obra do cantor. E difícil citar quais são os melhores momentos do álbum (já que são muitos) mas a balada “At My Window Sad and Lonely”, “One by One” e a country “California Stars” são alguns exemplos das grandes canções presentes aqui. Se Dylan aprovou que sou eu para discordar. Isto falando somente do Vol. I. Karina, por favor, o Vol. II desta preciosidade já!

Com Springsteen aconteceu assim: desde 1997 (coincidência não?) o cantor idealizou o projeto de homenagear o homem que mais o influenciou no campo musical: Pete Seeger.

Com sessões realizadas no mesmo ano, em 2005 e neste ano, o disco somente veio dar o ar de sua graça a poucos meses. Graça? E que graça! Tributos de qualidade como este são contados, desde de sempre, nos dedos e We Shall Overcome: The Pete Seeger Sessions é um belo exemplar de como se deve proceder (um verdadeiro manual de boa conduta) ao se prestar a homenagear alguém. Para as gravações Bruce contou que um time excepcional de jovens músicos, que somada a tradicional ajuda de alguns comparsas da E Street Band (sua banda de apoio a anos) ora reproduziram, ora recriaram as arranjos das canções de Pete.

No intuito de fidelidade, foram utilizados instrumentos tradicionais de canções folk que vão desde violões antiquados, banjos, violinos, tuba, percussão, acordeão, piano, trombone, saxophone e por aí vai.

O resultado de tanto trabalho não poderia ser outro: maravilhoso. Springsteen e cia realmente se dedicam ao máximo, emocionalmente falando, nas canções e chega a ser comovente / arrepiante algumas interpretações como as de “O Mary Don’t You Weep” e “Erie Canal”.

Abrilhantando ainda mais, o disco vem acompanhado por um DVD que demonstra um pouco como foram realizadas as gravações, no qual percebe – se um Springsteen de bem com a vida e satisfeito com o resultado alcançado.

E pode ter certeza Bruce, não é somente você que está feliz da vida com o tributo, pois eu, Hornby, Cameron Crowe e muita gente ao redor do globo não deixa de ouvir o disco por inúmeras vezes ao dia. De longe o melhor disco deste ano.

O Neil Young brasileiro

2006-07-02T17:06:00.000-07:00

Pode procurar por aí e, com certeza, você não irá encontrar alguém em nosso país que tenha tantas semelhanças musicais com o mestre canadense.

Nando Reis (sim é ele), primeiramente, fundamentou a sua elogiada carreira solo calcando sua tradicional sonoridade pop / rock / mpb dos tempos de Titãs ao amor pelo folk que é marca registrada de Young presente em discos maravilhosos como Harvest (e logicamente a sua seqüência Harvest Moon) e Comes a Time.

Outro fator que os une é romantismo “barato” presente em todas em grande parte das canções. A visão de ambos são de homens que não temem demonstrar seus sentimentos quanto a mulher amada, amigos de longa data, filhos e até cachorros.

Como se não bastasse, até mesmo o visual de ambos são semelhantes: utilizam aquela tradicional calça jeans surrada, camiseta desbotada e chapéu de cowboy.

Banda de apoio? Se Young tem os fiéis escudeiros do Crazy Horse, Reis tem os Infernais que não devem em nada que aos companheiros do canadense já que também são exímios músicos pois reproduzem, com fidelidade, os arranjos produzidos em estúdio.

E no próximo Sábado teremos mais uma grande oportunidade de assistir o cantor em ação no Chevrolet Hall valendo pela turnê do elogiado Sim e Não, mais nova obra - prima de Nando. Para quem gosta de canções extremamente emocionantes e confessionais este show é imperdível.

Uma ode a amizade

2006-06-25T19:12:00.000-07:00

Se podesse resumir em uma única frase qual seria o conteúdo de Uma Longa Queda, última obra de Nick Hornby, acredito que esta frase título é a melhor. Porém, antes que qualquer resalva é preciso de um pouco de explanação.

O livro relata a história de quatro desconhecidos que se encontram no topo de um prédio com o mesmo intuito: o suícidio. Cada um com suas devidas razões: Martin, um apresentador de televisão que viu a carreira desabar depois de se envolver em um escândalo; Maureen, uma senhora solitária cuja vida se resume a cuidar do filho que há quase duas décadas se encontra em estado vegetativo; JJ, um músico americano fracassado que sobrevive entregando pizzas; e Jess, uma desequilibrada e passional filha de um ministro. Mas, ao contrário do que se imagina, ninguém conclui tal ação. Ao invés disso, optaram reunir forças (e logicamente suas diferenças) numa tentativa, às vezes surreal, de solucionar os problemas.

Mesmo com atmosfera pesada, Hornby permeia a obra com elementos clássicos de outros de seus livros como inúmeras referências a músicas, filmes, livros.. (em suma: cultura pop). Tudo isso, mas com um diferencial: humor negro, que por vezes lhe faz rir até mesmo em situações angustiantes.

Como se dá tudo isso? Somente lendo para saber!

A lição? Esta eu conto: os problemas (que não são poucos nos dias atuais) nunca irão ter fim. Mas resolução fica sempre mais fácil quando se tem grandes amigos ao lado. E eu tenho.

Canção representativa - Nada de canções em prol da amizade, pois Julian Casablancas, o cabeça dos Strokes, mandou avisar:

The End Has No End
The Strokes

One by one, ticking time bombs won

It's not the secrets of the government

That's keeping you dumb

Oh, it's the other way around - wait...

What's that sound?

One by one, baby, here they come.

He wants it easy; he want it relaxed

Said I can do a lot of things, but I can't do that

Two steps foward, then three steps back...

Alright.

"Won't you take a walk outside?"

- Oh no.

"Can't you find some other guy?"

- Oh no.

"1 9 6 9 what's that sound?"

- Oh no.

Keeping down the underground

Oh no...

The end has no end

the end has no end

The end has no end

the end has no end

He want it easy; he wanted it relaxed

Said I can do a lot of things, but I can't do that

Two steps forward, then three steps back

It won't be easy

"Won't you take a walk outside?"

- Oh no.

"Can't you find some other guy?"

- Oh no."1 9 6 3 what's that sound?"

- Oh no.

Keeping down the underground

Oh no...

The end has no end

the end has no end

The end has no end

the end has no end...

Changes

2006-06-13T21:32:00.000-07:00

Não reparem se alguns posts anteriores tenham sumido "misteriosamente", mas é porque estou tentando "lavar a roupa suja".

Para tanto, estou eliminando quase tudo de minha vida que remeta ao passado tristonho de meses atrás (algo como Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças sabe?).

Confesso estar em dívida quanto a este espaço, porém as desejadas férias escolares chegaram e prometo voltar aos eixos, recheado de comentários, projetos futuros e muito mais. Aguente aí que eu estou chegando!

Who am I?

2006-06-01T20:37:00.001-07:00

Quem seria eu? Eu realmente existo? Será que algum dia eu fui eu? Questionamento tolo (niilista) adolescente este não é? Porém este é o meu problema.
Percebi hoje que não tenho identidade. Não tenho caráter próprio. Eu me transformo em alguém ou algo que não sei explicar. Numa bela manhã sou o homem mais feliz do mundo, mas as vezes horas depois torno – me o mais amargo, rancoroso e depressivo ser da face da Terra. E esta oscilação custa muito caro, pois são pouquíssimas as pessoas que compreendem este meu aspecto multi de um dia ser e no outro não ser. Fato este que reconheço é um saco.
Sou como Bowie: um eterno camaleão, assimilando concepções, sentimentos, idealismos etc. de outros (as).
Com o intuito de me encontrar novamente decreto nesta noite a morte deste velho Bruno. Sem nenhum rancor. Nem choro nem vela.
Começa agora a jornada em busca do Eu que na verdade pode ser o velho, mas talvez não seja um novo. Ou será?

A redenção

"Estou cansado de fazer as coisas certas". Esta simples frase proferida por Morrissey no soberbo disco Ringleader of the Tormentors pode salvar vidas. E fora graças a este álbum que a minha tomará novos rumos.
Como Moz também estou cansado de seguir regras pré - estabelecidas. Ser o cara “certinho” resulta num sofrimento infindável que não vale a pena.
Meu hino agora, que levo comigo em meu coração, é a canção que fecha com chave de ouro esta nova fase do mais importante cantor inglês do século passado.

At Last I Am Born
Morrissey

At last I am born
Historians note
I am finally born
I once used to chase affection withdrawn
But now I just sit back and yawn
Because I am born, born, born

Look at me now
From difficult child to spectral hand to Claude Brasseur-oh-blah blah blah
At last I am born
Vulgarians know
I am finally born

I once thought that time accentuates despair
But now I don’t actually care
Because I am born, born, born

Look at me now
From difficult child to spectral hand to Claude Brasseur-oh-blah blah blah
At last I am born
At last I am born
Leaving the one true free life born
I once thought I had numerous reasons to cry
And I did, but I don’t anymore
Because I am born, born, born

At last I am born
At last I am born
It took me a long, long time
But now I am born

I once was a mess of guilt because of the flesh
It’s remarkable what you can learn
Once you are born, born, born
Born, born, born
Born, born, born

The Eternal Life of “Grace” ou um disco que pode salvar vidas

2006-04-16T10:57:00.000-07:00

O que Bruce Springsteen, Jeff Tweedy, Patti Smith, Tori Amos e Jeff Buckley têm em comum? Musicalmente falando? Quase nada. Entretanto, todos possuem em especial um fator fundamental: colocar a sua vida em risco em prol da música.

Não que estejam em constante ameaça, mas estes são exemplos clássicos de cantores que, literalmente, se jogam e se expõem totalmente durante a criação de uma canção. Colocam o coração à ponto de, praticamente, “sair pela boca”, tamanha a sinceridade presente em cada acorde, em letra, em cada segundo.

Hoje em dia são poucos os novos exemplos desta seleta categoria já que, basicamente, o que predomina é a indústria do “cool” na qual o ato de ser confessional em uma canção é crime hediondo.

Introdução feita, é chega a vez de falar de Grace, primeira e única obra de Jeff Buckley que infelizmente faleceu cedo e de forma um tanto quanto estranha (afogado).

Deixando este fator de lado, o disco é uma prova de amor à vida como poucos cantores alcançaram na década de 90. Um álbum de profusão temática no qual religião, amor, morte são demonstrados de forma “So Real” (nome de um das canções presentes no disco) que comove a cada audição.

Somada à voz divina de Buckley, o disco é um grande achado e, sem sombra de dúvida, um clássico de tamanha pungência e a leveza (quando ela se necessária) cuja sonoridades dispares (R&B, rock, folk, gospel, soul...) constróem uma das mais importantes obras do século passado.

Para as pessoas que, assim como eu, conheceram de forma tardia o disco (lançado há 12 anos) vai a dica: nunca é tarde para ouvir e, por que não, se apaixonar pelo grande Jeff Buckley.

Hollywood, finalmente, demonstra não temer a América

2006-04-14T18:12:00.000-07:00

Chega a ser estranho, mas dentre as mais variadas formas de arte o cinema é que menos se engajou (à meu ver) em relação aos males causados pelos EUA.

No campo musical, por exemplo, temos um número infindável de artistas (Springsteen, Jeff Tweedy, Michael Stipe e Trent Reznor são bons exemplos) que calcam suas canções em tom de protesto em prol de um mundo melhor.

Já na literatura temos magistrais de escritores(as) como Susan Sontag, John Steinbeck e Michael Moore que também não deixam por menos, pois revelaram em suas obras toda a sua amargura contra a política, o passado e o presente norte – americano. Entretanto, a sétima arte permaneceu por anos a fio imparcial.

Até mesmo produções recentes como Terra dos Sonhos, que no papel funcionaria como uma crítica ao fato de que imigrantes sofrem preconceitos das mais variadas formas ao chegar à “terra prometida”, soa sutil demais. Mas agora, ao que parece, surgirá uma onda maior engajamento por parte da indústria cinematográfica.

Tanto que no último Oscar, grande parte dos filmes que concorreram nesta edição, tinham em seu roteiro algo de contraposição a algum aspecto do contexto americano.

Boa Noite, Boa Sorte, por exemplo, traça um paralelo entre a era do McCarthismo (a ditadura deles) e o jornalismo desafiador da época, que colocava em questão certas atitudes governamentais.

Siryania relata de forma confusa, mas real, como é o funcionamento da indústria do “ouro negro”, na qual grandes lideres não demonstram nenhum pudor em prol da busca incansável de maiores fontes petrolíferas ao redor do globo.

Crash pega pesado ao apresentar várias histórias, inicialmente dispares, mas que possuem em comum um dos maiores problemas deles: o desenfreado racismo e, novamente, o preconceito à estrangeiros.

Outro exemplo recente é o soberbo V de Vingança, baseado na graphic novel de Alan Moore, que mesmo sendo ambientado em Londres tem como pano de fundo os EUA. A questão polêmica aqui é o teor pró – terrorismo que a obra possui já o idealismo adotado é que “um povo não deveria temer seu governo e sim o governo é que deveria temer seu povo.” E esta não seria uma solução possível? Fica a questão.

Spike Lee (diretor de A Última Noite e o Verão de Sam) também alfineta em seu último e sensacional filme, O Plano Perfeito, pois demonstra o estado de calamidade que se encontra seu país pós 11 de Setembro.

Se este quadro vai mudar eu não sei, mas continuo idealizando que talvez o mundo possa mudar. Conscientização é algo que tornou – se fundamental para os dias atuais se almejamos um futuro melhor para nossos eventuais filhos.

Canção representativa:

Ben Harper – With My Own Two Hands

I can change the world
With my own two hands
Make a better place
With my own two hands

Make a kinder place
With my own two hands
With my own
With my own two hands

I can make peace on earth
With my own two hands
I can clean up the earth
With my own two hands

I can reach out to you
With my own two hands
With my own
With my own two hands

I’m gonna make it a brighter place
I’m gonna make it a safer place
I’m gonna help the human race
With my own
With my own two hands
I can hold you
With my own two hands
I can comfort you
With my own two hands
But you got to use
Use your own two hands
Use your own
Use your own two hands
With our own
With our own two hands
With my own
With my own two hands

Emoções à vista

2006-04-07T20:43:00.000-07:00

Infelizmente, o meu sonho de ver o Echo and The Bunnymen ao vivo fora para o espaço já que a apresentação de Belo Horizonte realmente não irá ocorrer. Somente os paulistanos terão a honra. It’s a shame!

Mas quem não tem Echo vai de Los Hermanos. Por isso, pela quinta vez vou assistir aos cariocas.

Não pretendia ir, mas quando penso nos outros antológicos shows que presenciei, o fator vontade subiu assustadoramente.

A primeira vez fora em 2002 quando a banda divulgava o soberbo Bloco do Eu Sozinho, disco que figura tranqüilamente na minha lista de 5 melhores álbuns nacionais de todos os tempos.

E hoje será, mais uma vez, um dia especial com absoluta certeza de casa cheia. Não vejo a hora!

Trilha Sonora: A morbidez pop arcadista de Antony and the Johnsons no álbum I am a Bird Now. Sublime é pouco.

Feel flows

2006-03-26T18:17:00.000-08:00

Sou um completo idiota! E o pior é que é verdade. O por quê? Simplesmente pelo motivo de não conseguir ser homem. Ops! Calma lá! Não estou indo para o lado de Elton John, mas... é que não ajo como tal.

Por mais que eu tente, não consigo vestir a estirpe de galanteador (leia - se: "matador") que os homens adotam. Ser daqueles tipos que no primeiro encontro casual conquista a garota e sai contando para os outros tudo o que aconteceu (e exagerando na maioria das vezes). Na verdade vou pelo caminho contrário.

Deixo as coisas fluirem de forma processual. Deixo o tempo dizer se esta ou aquela é pessoa certa (se ela realmente existe). Nem sempre este é o caminho certo, pois às vezes se faz necessário um certo despojamento, quebrar a cara, se arriscar. Porém, se fizeste isto com certeza não estaria sendo eu. Perco muito com isso, mas sair aventurando parece não ser para mim. O pior disto é que minha "moleza" não acompanham minhas paixões, surgem de forma avassaladora dia após dia.

Poxa! Analisando tudo que acabo de dizer, talvez não seja um idiota, e sim um romântico. É que faz tanto tempo que não ouço esta palavra, que já entrou até em desuso, mas não me lembrava de sua existência. Fazer o quê!

P.S.: "Feel Flows" é na verdade uma canção dos Beach Boys presente na trilha sonora de Quase Famosos, dotada de rara beleza (só perdendo, claro, para "God Only Knows") e inspiração mor deste post.

Feel Flows

Unfolding enveloping missiles of soul

Recall senses sadly

Mirage like soft blue like lanterns below

To light the way gladly

Whether whistling heaven's clouds disappear

Where the wind withers memory

Whether whiteness whisks soft shadows away

Feel flows (White hot glistening shadowy flows)

Feel goes (Black hot glistening shadowy flows)

Unbending never ending tablets of time

Record all the yearning

Unfearing all appearing message divine

Eases the burning

Whether willing witness waits at my mind

Whether hope dampens memory

Whether wondrous will stands tall at my side

Feel flows (White hot glistening shadowy flows)

Feel goes (Black hot glistening shadowy flows)

Encasing all embracing wreath of repose

Engulfs all the senses

Imposing, unclosing thoughts that compose

Retire the fences

Whether wholly heartened life fades away

Whether harps heal the memory

Whether wholly heartened life fades away

Whether wondrous will stands tall at my side

Whether whiteness whisks soft shadows away

Feel goes (White hot glistening shadowy flows)

Feel flows (Black hot glistening shadowy flows)

Feel goes (White hot glistening shadowy flows)

Feelings to grow (White hot glistening shadowy flows)

White hot glistening shadowy flows

"Ouvir Led Zeppelin é como um bom baseado. É uma experiência que deve ser passada entre amigos."

2006-03-19T19:42:00.000-08:00

Grande parte da minha vida musical fui avesso a velharias. De tão avesso, se soubesse que em certa festa iria rolar um Pink Floyd, corria como diabo da cruz. Mas de uns tempos para cá este quadro tem sofrido graves alterações.

Tanto que hoje bandas Franz Ferdinand e Arctic Monkeys convivem em perfeita harmonia com The Doors e Led Zeppelin.

E falando no Zeppelin (que é minha "nova" paixão) é engraçado perceber como as estas coisas acontecem.

No já comentado Domingo de Carnaval estava eu na casa de Mariana, numa maior "leseira" quando encontrou em sua vasta discografia a pérola Led Zeppelin III. Não se foi pelo fato de eu estar "stoned", mas não me lembro de ter ouvido ultimamente um disco tão viajante e versátil quanto a este. Um disco vai do rock aos blues, passa pelo folk e a música oriental, versa sobre o universo viking e amores impossíveis.

Depois da chapação com este disco foi ouvir no mesmo dia Phisycal Graffiti que, para minha total surpresa, não deve em nada aos outros discos que foi adqurindo posteriormente como os também clássicos I, II e IV. Daí para o DVD How the West Was Won foi um pulo.

Em suma, agora minha vida se resume antes de conhecer a trupe de Jimmy Page, Robert Plant, John Paul Jones e John Bohan, e depois de tal fato.

Para não perder o costume segue abaixo um top 5 com as melhores músicas do grupo na atualidade:

"Since I've been loving you"

"Heartbreaker" (predileta de Hornby que já escreveu maravilhas sobre a mesma no livro 31 canções)

"That's the Way"

"Kashmir"

"Rock n' Roll"

P.S. Esta frase título deste post foi proferida por Cameron Crowe para definir o Led Zeppelin. Eu, particularmente, concordo em gênero, número e grau.

Let the bad times roll.

2006-03-13T19:20:00.000-08:00

Ando meio azarado ultimamente. Digo isto no campo de shows internacionais de 2006.

Como vocês acompanharam mês passado apresentações de U2 e Stones, que eram dados como certas, foram por água abaixo (para minha pessoa no caso).

Agora o show do Echo and The Bunnymen, programado para sábado, foi cancelado.

Até aí tudo bem, mas o motivo do adiamento é que dos mais estranhos. Veja só:

A Malab e o Chevrolet Hall informam que a Turnê “SIBERIA” da atração internacional Echo & The Bunnymen foi cancelada em toda a América Latina.

De acordo com as informações da produção da banda os músicos não conseguiram a liberação dos vistos temporários para a entrada no continente, tendo sido forçados a cancelar as apresentações dos dias 18 de março em Belo Horizonte, dia 19 de março em São Paulo e dia 21 de março em Buenos Aires.

Fonte: Chevrolet Hall.

Dá para acreditar?

Pelo menos fontes afirmam que o show deverá ser remarcado para abril. Só quero ver...

07 motivos para você não perder o show do Echo and The Bunnymen

2006-03-12T19:26:00.000-08:00

01. A importância da banda que é um dos maiores ícones da história do rock.

02. O figuraça Ian Mcculloch é sem sombra de dúvida um dos maiores compositores de todos os tempos.

03. Will Sergeant é um guitarrista fiel as tradições Lou Reedianas.

04. O caminhão de hits que banda possue ("The Killing Moon", "Lips Like Sugar", "Rescue", "All that Jazz" são alguns bons exemplos).

05. O clássico álbum Heaven Up Here (1987)que influenciou bandas como o Interpol para composição de sua sonoridade. A belíssima "Show of Strengh" ainda faz parte do repertório.

06. O fato de que mesmo com o passar dos anos a banda continua produzindo bons discos, como o último Siberia.

07. O preço módico de R$ 25,00 (preço de banda nacional)

08. O dia do show: sábado às 22:00 horas no Chevrolet Hall.

E aí! Vai perder?

Jornalismo verdade dói

2006-03-08T19:54:00.001-08:00

Certa vez em conversa com meu amigo (e guru musical) Marcos falávamos dos males da profissão jornalista (profissão esta que ele iria seguir, mas desistiu no meio do caminho). Depois de muito dialogar, chegamos a conclusão de que uma das mais tortuosas atividades deste fatídico ofício são meios de se obter a verdade, tarefa que na maioria dos casos, não é deveras satisfatória e os resultados podem ser irreversíveis.Basicamente esta é base de Capote, filme do diretor estreante Bennet Miller.

Ao contrário do que muitos dizem, a película não é uma biografia e sim o retrato fiel do desgastante processo de criação da obra À Sangue Frio escrita por Thuman Capote onde o mesmo manipula de todas as formas possíveis e imagináveis (usando às vezes do artifício de mentir) em prol da descoberta dos reais motivos do brutal assassinato de uma família norte – americana no final da década de 50, idealizado por dois jovens. Terminado o ardoroso processo, que perdurou por anos à fio, o livro tornou – se uma sucesso de vendas colossal nos EUA.

Entretanto, nem tudo são flores já que as sequelas deixadas foram impactantes e resultaram num processo de falta de criatvidade e culminou em sua morte, causada por alcoolismo, na década de 80.

Além do roteiro intrigante, as atuações de Phillip Seymor Hoffman (o eterno Lester Bangs de Quase Famosos) no papel de Capote e Catherine Keener (interpretando a escritora e fiel escudeira do autor, Nelle Harper Lee), são realmente de tirar o fôlego. Merecidamente Hoffman faturou a estatueta de melhor ator no último Oscar.

I' ve seen all good people.

2006-03-05T18:55:00.000-08:00

É realmente muito bom rever os amigos de longa data.

Ainda mais nos dias atuais onde a vida moderna nos deixa à deriva quanto a encontros eventuais.

Por isso, a noite de Sábado fora maravilhosa já que grande parte dos companheiros de longa data estavam lá reunidos em prol de uma boa causa: o aniversário do meu amigo Bruno.

É triste pensar que, infelizmente, reuniões deste tipo somente rolem em ocasiões assim. Mas isto passa desapercebido quando se está conversando pois é visível que apesar da distância, tudo continua mágico quando estamos juntos.

Ainda espero que este fátidico quadro distancial mude.

Enquanto isto não acontece, sigo esperando o próximo aniversário para mais uma grande reunião desta "família" que nunca irá se separar.