É o que temos - Bárbara Eugênia

O título engana. Afinal a expressão "é o que temos" é popularmente utilizada para entregar algo que, talvez, não agrade a quem o queira, mas o que vemos aqui nesta obra mais recente de Bárbara Eugênia é o exercício inverso, pois 3 anos após o belo, mas amargo, "Journal de Bad", a cantora retorna de forma ensolarada em seu segundo álbum.

A mudança de gravadora (o selo Oi música) e fator tempo parecem ter feito bem a moça que brada e desbrava os terrenos amorosos sem pudor. Há espaço para declarações de amor escancaradas como em "Coração", "You wish, You Get it" e a singela "Não tenho medo da chuva". Até mesmo os tropeços gerados  pela vida ganha espaço em tom de auto-ajuda via "Peso dos Erros".

Apostando em outros caminhos Bárbara traz à tona o lado a rocker em "Ugabuga feelings"; canta em bom inglês (como na folk "I wonder"); se arrisca no francês "Jusqu' à la mort" e aproveita a onda revival brega resgatando o hino "Por que brigamos".

A produção precisa de Edgard Scandurra  e Clayton Martins somado as participações especiais de Tatá Aeroplano, Guizado, Régis Damasceno e Pélico só abrilhantam este É o que temos. Disco para se ouvir de coração e mentes abertos.

To the wonder

Ame. Odeie. Aceite: Terrence Mallick é um gênio de seu próprio cinema. Dono de uma filmografia invejável e única, o diretor é autor de alguns dos filmes mais amados e discutidos por cinéfilos mundo a fora. 

Seja pelo hermetismo e beleza estética de "Tree of life" ou pela barulho causado pelo épico de guerra chamado "Além da linha vermelha", Mallick sempre soube retirar o melhor de suas ideias e transpô-las para a tela grande. E "To the wonder", sua obra mais recente, não foge ao caso.

No centro da narrativa temos o casal Ben Affleck e Olga Kurylenko cujas interpretações magistrais entregam beleza a uma narrativa que esboça a ascensão e decadência do amor nos tempos atuais.

Lindamente fotografado, marca contínua do trabalho do diretor, visualizamos Neil e Marina nos minutos iniciais em Paris, a cidade do amor, onde o casal se conhece e se apaixona abertamente. Mas como a vida não é nenhum conto de fadas moderno Mallick traz a sua narrativa para o mundo real e a definhação, inevitável, domina ao retornarem para os EUA.

No intuito de mostrar a amplitude do tema Terrence carrega o filme com metáforas visuais apresentando a nós, os espectadores, a falência de sentimentos humanos seja nos longos planos silenciosos, quartos vazios, ou até mesmo na figura de um padre (interpretado por Javier Bardem) que põe em cheque a fé ante a si mesmo e ao mundo.

Por fim, caros espectadores comuns uma dica: fujam desta película! Pois o que vemos aqui é uma retratação fidedigna e carregada de reflexão ao mundo que nos cerca. Mallick, mais uma vez, não nos quer deixar ilesos e alheios a reflexões de temas fortes e, por que não, importantes. "To the wonder" não foge à regra.

Em tempos de blockbusters infindáveis cinemas afora este filme é um autêntico respirar.   

Kate Nash - Girl Talk

Inglaterra. Ano 2007: a cada nova década há sempre a malfadada busca por similares dentro da famigerada indústria musical. Datasse desta época uma nova cena alicerçada por jovem cantoras como Lilly Allen, Duffy e, porque não, Amy Winehouse, que traziam em comum bastante personalidade nas letras e enorme carisma. Fatores estes que fizeram com que o mundo voltasse olhos e ouvidos para a terra da rainha.

Porém, passados quase 6 anos, percebemos o quão efêmeras foram as carreiras destas meninas que não conseguiram suprir as necessidades do público e, principalmente, da crítica.

Analisando por alto temos a trágica morte de Amy, os fracos segundo discos de Duffy e Lilly Allen. Porém, correndo pelas beiradas está a cada vez melhor Kate Nash. E a prova disso é Girl talk, seu terceiro e ótimo álbum.

Vindo de uma crescente, em termos de qualidade, o novo disco da cantora traz consigo o seu já habitual afiado discurso feminista, mas apostando numa guinada sonora muito mais próxima ao indie e ao garage, caminho este já apontado desde o seu segundo disco, My best friend is you.

Recheado de boas canções, destacam-se "Part Heart" e o seu andamento a lá Breeders; a dançante e pegajosa "Friends" e as raivosas, leia-se punks, "Sister" e "All talk". Há espaço inclusive para rap cometido "Rap for rejection".

Enquanto a sua já agendada apresentação em terras brasileiras não chega (23 de junho em São Paulo), Girl talk segue em alta por aqui. Desde já um discos a se ouvir em 2013.      

O lado escuro da-força em "Heligoland", disco novo do Massive Attack

Soturno. Etéreo. Belo. Dançante. Noturno. Angustiante. Sujo. Sexy. Depressivo. Estes são alguns dos vários adjetivos que permeiam críticas ao redor do globo quando o assunto é Massive Attack.

Ah mas você caro leitor não os conhece? Então eis aqui uma breve apresentação: trio formado em 1988 na cidade de Bristol (Inglaterra) pelos DJs Grantley “Grant” Marshall (Daddy G or “G”), Andrew “Andy” Vowles (Mushroom ou “Mush”) e o grafiteiro e cantor Robert Del Naja (3D or “D”). Eles foram responsáveis (junto ao Portishead) pelo o que se conhece como trip-hop que condensa em seu som uma almálgama entre o dub, a música eletrônica e hip-hop. De lá pra cá o hoje duo (Andrew Vowles abandonou o barco em 1998) consquistou prestígio da imprensa, respeito no meio musical e fãs por todo mundo. Após romper um hiato de 7 anos o retorno é celebrado via Heligoland.

Comparados aos discos anteriores(os dois primeiros inclusive: os celebrados Blue Lines e Proctetion) este disco difere por apostar em cores escuras. Não espere nada “fofo” como “Protection” (hit mor da década de 90 com clipe dirigido por Michel Gondry). A cadência aqui é outra. De um lado temos a arrastada e marcial “Saturday come slow” que tem Damon Albarn (do Blur) nos vocais. Em contraponto “Babel” tem como destaque a bela voz Martina Topley-Bird que nos conduz a dançar sem precedentes. O 1º single “Sliptting the Atom” tem Horace Andy (fiel colaborador do grupo) e seria a trilha perfeita para filmes de terror tamanho o caráter fantasmagórico. Já “Paradise circus” é perfeita para ninar crianças de colo tamanha a graciosidade, mas não sem um quê de soturno.

Introdução feita, os belo horizontinos terão oportunidade ímpar de conferir dia 15 de Novembro no Chevrolet Hall estas e outras perólas arrepiantes que embalam sonhos/pesadelos obscuros no vasto imaginário desta genial banda.

Nosso lar?

Atenção: você seguidor da doutrina espítita e admirador da obra Nosso lar, de Chico Xavier, não perca seu tempo com esta resenha. Antes de mais nada é preciso frisar: não tenho nada contra a quem segue a religião em si ou a própria obra. Meu exercício aqui é analisar a adaptação fílmica da obra tida como um clássico do gênero.

Dirigido por Wagner de Assis o filme, à primeira vista, tem um visual deslumbrante (um primor em termos de cinema nacional). A retratação do universo é de encher os olhos. Construída em parceria com o diretor de fotografia Ueli Steiger (de 10.000 BC e O dia depois de amanhã) e efeitos visuais supervisionados por Lev Kolobov (responsável por Watchmen) a veracidade em que ônibus espaciais e estruturas arquitetônicas modernas são projetadas na tela é tamanha que fazem jus aos 20 milhões de investimento (o maior da história aliás). Para completar este desbunde visual só faltava uma bela história, mas isso não 0corre.

Desconhecedores a ideologia espírita podem sair do filme com várias questões em mente, pois o roteiro é ralo e carente de substanciabilidade. A história de André Luiz, personagem central, é meramente ilustrada via flashbacks que em nada acrescentam à trama. A disposição e os mecanismos que movem a cidade astral são mal trabalhados. E estes fatores somados prejudicam, inclusive, a atuação do elenco que mais parecem peças dispersas de um jogo inacabado. A impressão final (tal como aprendemos em A origem, filmaço de Christopher Nolan) é que estamos em um sonho no qual, tradicionalmente, pegamos a história pela metade e tentamos juntar as peças de um complexo quebra-cabeça.

O espectador natural (assim como eu, sem vínculos que somente buscava assistir a um bom filme) sai insatisfeito tamanha a carência de elementos que garantam uma boa história. Que no final das contas é tudo o que queremos quando o assunto é cinema.

Os Manics querem você!

Canções movem você? Lhe causam "estranhas" sensações? Te fazem arrepiar quando tocam fundo seu coração? Se a resposta é sim para as três questões bem-vindo ao clube: você é um apaixonado pelo cancioneiro pop.

Provavelmente, 2010 será lembrado por várias razões graças a grandes álbuns lançados até aqui e os galeses do Manic Street Preachers, como não poderiam deixar de ser, deixam a sua marca via o belo Postcards from a young man.

Com proposta diferente do disco anterior (o sujo, cru e roqueiro Journal for Plague Lovers) os Manics (assim chamados, de forma carinhosa, pelos fãs) apostam nesta nova empreitada em canções mais ganchudas e grudentas. James Dean Bradfiled, o frontman do grupo, em entrevista concedida ao semanário NME disse que a proposta era criar um álbum que soasse como uma "coleção de grandes hits radiofônicos". Já o baixista Nicky Wire afirma que o alvo é "atingir o maior número de pessoas". E que ouvimos aqui atinge o seu objeto em sua plenitude. O 1º single "(It's not war) just the end of love" é o perfeito cartão de visita: riffs de guitarras pegajosos, refrão inesquecível somado a um quarteto de cordas criam corpo para a já habitual ressoante voz e o caráter poético nas letras abordando temas políticos, relações humanas e o amor que há tanto tempo comovem meus ouvidos caleijados. O restante do álbum segue essa mesma viciante linha e conta com convidados de peso como Ian McCulloch (do Echo and The Bunnymen) e o eterno ex-Velvet Undergroung John Cale.

Por fim, gostaria de falar mais do Manics, mas este é exercício deveras complexo, pois há anos (desde a minha aquisição de Everything must go, lançado em 1996) a cada lançamento me faltam palavras para descrever cada elogiado passo que este trio dá.

De certo, mais uma vez me rendo ao talento e faço parte deste "exército". Se você ainda não se "alistou" a legião galesa o convite está feito.

Friday nights

Clichê número 1: o tempo é efêmero. É bem verdade que a velocidade impressa e um elevado número de coisas à fazer nos dias de hoje é tamanha que quando assustamos tudo se foi num estalar de dedos. Mas isto não quer dizer que tenhamos que nos limitar nossa vida a pequenas ações na tentiva vã de desacelerar nossos dias. Deve se sim viver e aproveitar ao máximo o que nos é proposto. Um pouco de diversão não faz mal à ninguém (clichê número 2). E é nessa ótica que temos Teenage Dream, segundo disco de Kate Perry.

Em entrevista à Billboard a cantora afirmou que "queria um disco que só tivesse hits" e ela quase consegue. Temos aqui várias canções com cara de pop de FMs felizes que jovens adoram: versos pegajosos, melodias dançantes e letras engraçadinhas (clichê número 3). "California Gurls" e a faixa título são demonstrações que vocês podem conferir por aí. Outros atrativos do álbum são "Circle of the Drain" (a sua visão/versão de "You Outgha know", canção emblemática de Alanis Morrissete sobre ex-namorados) e a deliciosa "Hummingbird Heartbeat". Se não fosse as habituais baladinhas (desnecessárias) o disco atingiria seu objetivo com louvor.

Por fim, Teenage Dream tem cara de sexta-feira à noite e Kate Perry convida a molecada pra dançar. Como todo mundo sabe, (lá vem mais um clichê) após a baladinha vem as ressacas de sábado. Mas enquanto ela não chega curta o efeito/gosto deste chiclete.

P.S. Essa enumeração de clichês tem explicação: é oriunda da obra "Clube dos corações solitários" cujo personagem central (Spit) adora fazê-la.

Terrible love

Parêntesis: Ano de 2008. A banda The National colhia os louros do aclamado disco The Boxer (tido como um dos melhores de 2007) e fez uma elogiada turnê pelo nosso país em Novembro daquele ano. Num total ato de loucura abandonei minhas atividades de trabalho e parti para Vitória, capital do Espírito Santo, onde nem mesmo um lugar para ficar eu tinha. Porém, essa atitudade insana fora totalmente recompensada: o grupo fez um dos mais belos shows que estes olhos já viram.

A apresentação realizada para os 300 sortudos que foram ao teatro da Faculdade Federal do daquele estado foi carregada de emoção. Privilegiando a nata de seu repertório, a banda surpreendeu o público presente graças a um grande carisma, injetando força e pungência as canções executadas naquela noite especial. A mistura de influências dispares como Bruce Springsteen e Joy Division no som conquistou o público de tal forma que quem esperava pelo MGMT (a "grande" atração) saiu de queixo caído.

Voltando para 2010, muita expectativa se criou em qual seria próximo passo da banda que havia conquistado de lá pra cá bastante prestígio da crítica e apresentações ao lado de Wilco e R.E.M. E o silêncio foi rompido via High Violet.

Dificil nas primeiras audições, o álbum lançado em Janeiro de 2010, vai crescendo a cada play. A estrutura das canções de certa forma rende comparações ao jeito The Smiths/Morrissey de ser: apresenta tristeza em suas letras retratando amores perdidos, o estado de medo ante as pessoas, fantasmas que assobram noites obscuras e doses parcas de esperanças quanto ao mundo estão no cardápio. Tudo isso executado de forma brilhante graças ao instrumental que adiciona o contexto de beleza necessário ante a poesia escrita por Matt Beringer (vocalista e compositor da banda).

Indiscutivelmente, em tempos de vazio sentimental, este grupo do norte-americano segue a sua ousadia musical ao apostar em falar de peito aberto sobre os temores que nos cercam. E o fazem de maneira sublime como poucos (muito poucos) fazem tão bem hoje. Ponto para eles.

Qual o sabor da nostalgia?

Quais são os mecanismos que movem o passado? Por que sempre gostamos de retomar/reviver tempos já vividos? Quais são os sabores e desabores que a nostalgia nos trás? Essa gama de perguntas enevoaram minha mente após a leitura de Clube dos corações solitários obra de André Takeda.

Lançado em 2001, o livro traz à tona um história simples, contada de forma informal, desfragmentada e com personagens "fúteis". E se pensada dessa forma talvez a obra não tenha tantos atrativos literários já que se comparados a clássicos atemporais da literatura (quem nem cabe citar aqui) se torna uma obra menor. Mas muito se engana quem pensa desta forma.

No pós-segunda guerra mundial, a literatura (principalmente a norte-americana) ganhou outros contornos e estruturas que em quase nada se assemelham ao tradicional. Objetivando dialogar com o público se sua geração, um exemplo clássico dessa revolução é O apanhador no campo de centeio de J.D. Salinger cujo personagem central é um garoto desajustado e perdido num mundo cada vez mais confuso. Reside aí o mote central do livro do autor. Lá temos um grupo de jovens que procuram se encontrar em meio a diversas escolhas como carreiras, amores e amizades. Garotas e garotas que assim como eu nasceram na década de 80, cresceram vendo tv e na década de 90 passaram a consumir (ou foram consumidos) pela cultura pop via filmes, livros, canções fator este que faz com que a narrativa seja carregada de referências.

De maneira geral esse tipo de literatura (chamada de fast-food) tem a sua validade. Porém, não deve ser ignorada já que de certa forma a alimenta a saudosa nostalgia de um tempo bom que se foi e não volta mais.

P.S. Como consta na epígrafe do livro "Maturidade é uma fase, adolescência é para sempre" Jules Feiffer.

Almost there

Dias atrás antes do lançamento deste The Suburds um crítico da BBC afirmou ser este 3º disco do Arcade Fire "uma obra prima". Até aí tudo bem, mas ele foi além e afirmou que (pasmem!) este seria melhor que OK Computer do genial Radiohead. Logicamente, tal análise gerou comentários em todo mundo, pois o status imaculado do disco da trupe de Thom Yorke é enorme e qualquer comparação é tida como blasfêmia/heresia. Deixando observações externas de lado, o fato é que a banda canadense realmente surpreende em sua nova guinada sonora. O universo tristonho das letras (caracterítica habitual) não fora deixada de lado, mas as doces melodias ensolaradas tomaram corpo e enchem os olhos. O "susto" já vem desde o 1º play quando a faixa título vem à tona: um piano conduzido com tamanha delicadeza e um refrão pegajoso permeiam o ar. "Ready to start" e "We used to wait" contagiam via melodias que lembram o passado da banda. "Month of May" surpreende pela crueza e rende comparações ao Queens of the Stone Age. A singela "Wasted Hours" é perfeita para embalar os mais belos sonhos. Por fim, o disco só não é a tal "obra-prima" por ser longo demais (16 faixas). Mas se você fã de música pop quer ouvir algo de uma banda que vai crescendo em qualidade disco a disco esse The Suburbs agrada a ouvidos e corações mundo afora.

Pavement no Brasil!

Para celebrar a antes sonhada, e agora real, vinda do Pavement ao Brasil (novembro no festival Planeta Terra) relembro um texto meu publicado em Julho de 2004 no site Dying Days sobre o clássico "Slanted Enchanted":

Unindo influências de bandas como R.E.M, Velvet Underground e Sonic Youth, o Pavement surgiu no fim da década de 80 inicialmente como um projeto de estúdio idealizado por Stephen Malkmus (guitarrista e vocalista) e Scott "Spiral Stairs" Kannberg (guitarrista).

Após o lançamento de alguns EPs e definida a formação que perdurou até o fim, o grupo seguia sendo cultuado por meia dúzia de pessoas até que a Matador Records faz uma ótima proposta para gravação do 1º álbum.

Assim, no dia 20 de abril de 1992 nasce o clássico "Slanted and Enchanted". Gravado antes do "boom" do movimento grunge, o álbum tornou-se um clássico lo-fi (onde não se preza muito pela produção), obtendo ótima receptividade, tanto por parte do público quanto por parte da crítica, que não se cansava de elogiar o disco e transformar o Pavement na banda da vez. Stephen Malkmus, na época, não tinha a noção de que isso viria a acontecer. "Eu trabalhava como vigia no Whitney Museum de Nova York e pensava em, no máximo fazer um disco melhor que os do Sebadoh". As melodias simples, preguiçosas e cativantes, somadas às letras triviais/bobas tornaram-se a marca registrada da banda.

Músicas como "Summer Babe", "Trigger Cut", "No Life Singes Her", "In the Mouth a Desert", "Zurich is Stained" e "Here" falam por si mesmas e são obrigatórias em qualquer lugar onde Stephen Malkums (hoje em elogiada carreira solo) se apresente. O álbum ainda gera um número imenso de seguidores no meio alternativo.

O melhor é que hoje em dia "Slanted & Enchanted" pode ser encontrado no Brasil com extrema facilidade (vide a gravadora Trama) com o seguinte adesivo na capa: "clássico do rock". Ouça e comprove.

Bruno Lisboa

Once, twice and ever.

Havia declarado o falecimento deste espaço, mas a paixão pela vida me fez voltar. Os motivos são vários, mas por hora, é simples e belo: Once, filme lançado em 2007 e dirigido/escrito por John Carney.
A película chegou a causar certo burburinho no universo pop vide ao fato de ter concorrido e, merecidamente, ganhado o Oscar de melhor canção. Mas os atrativos desta película são muitos outros.
Dialogando com a máxima do ator Jeff Brigdes, via o recente Coração Louco, a essência do filme poderia ser assim dita: “quanto mais triste a vida, mais doce é a canção”.
O roteiro aborda a vida Glen Hansard e Marketa Irgova.”, músicos que buscam seu espaço num mundo cada vez mais complicado. Porém, mesmo com um passado aterrador, que não que conseguem ignorar, ambos acreditam que não importa o quão dura e aparentemente imutável a vida possa ser. A canção é o mote de sobrevivência e da realização do seus sonhos.
Rodado de forma manual (quase documental) em quase todas as tomadas, este recurso auxilia a exposição da veracidade histórica.
Em tempos de cifras milionárias para a realização de uma obra, assistir a um filme de baixo orçamento, mas de rara beleza me faz lembrar da celebra frase do falecido gênio François Truffaut que dizia que independente dos recursos financeiros o que garante a sobrevivência do cinema são as boas histórias. E Once de forma simples e apaixonada mantém viva a chama da cultura pop. Amém.

The death is not the end ou é o fim do blog como conhecemos e eu me sinto bem.

Bom eu tentei por meses manter esse espaço vivo, mas infelizmente não deu...

Um bom blog exige dedicação que, como vocês podem ver, tem faltado bastante tal como tempo hábil para escrever algumas linhas sobre as minhas paixões.

Então sem mais delongas e choramingos fecho as portas deste espaço que por anos foi a minha razão pop de viver, que fez com que fosse entrevistado e gerasse boa discussões por aí.

Porém, atento a "modernidade" meu twitter (http://twitter.com/brunorplisboa) é ferramenta na qual, mesmo que de forma reduzida, irei destilar meu ar "subversivo" (como diz meu grande amigo André).

Abraços e até mais.

Bruno Lisboa

Este blog está em estado, mais uma vez, de "paradez" total. O último post tem data do ano passado é de setembro... mas espero nesta férias tentar voltar ao batente.

Por hora, para deixar a par dos assuntos, continuo sim ouvindo bastante música pop e irei gastar gastar algumas linhas com alguns discos do ano passado futuramente.

2009 foi um ano relativamente bom no cenário internacional graças a perólas de Norah Jones, o essencial Them Crooked Vultures, a fofinha parceria de Scarlett Johansson e Pete Yorn, o bons discos de veteranos como Dylan e Morrissey...

A ala nacional, surpreendente, se destacou. Por anos tive certa birra de algumas coisas, mas dos discos novos da cena feminina de Céu (ah Céu...), Mariana Aydar, Ana Canãs, Erika Machado e os novos petardos de Arnaldo Antunes, Otto e Eramos Carlos foram de encher os olhos.

No cinema destacaram - se o belo 500 dias com ela, a loucura sempre genial de Quentin Tarantino em Bastardos Inglórios, a viagem surreal de Avatar (viva James Cameron e seu cinema), o ignorado Inimigos Públicos de Michael Mann...

Faltaram palavras eu sei, mas eu volto já.

Aguarde e confie.

Juan Fiorini: o poeta

Meu grande amigo e mestre Juan Fiorini irá lançar em Dezembro seu primeiro livro de poesia em parceria com a editora Tradição Planalto. Para os admiradores deste gênero literário fica a dica de um belo trabalho. Para maiores informações e como adquirir clique na imagem.

A melhor banda do mundo ou razões para você não perder o show do Faith No More

Fato: quem gosta ou já gostou do Faith No More já teve ou tem a banda com a melhor do mundo. E tem muitas razões para isso. A começar pela formação: o melhor vocalista de todos os tempos (para muitos) Mike Patton que oscila entre agudos e sutilezas como se fosse à coisa fácil do mundo. As linhas de baixo de Billy Gould são sinuosas e cheias de groove. Mike Bordin é um monstro da bateria graças a suas batidas quebradas e inventivas. Roddy Bottum acrescenta com o teclado suas melodias épicas. O peso e a precisão da guitarra de Jon Hudson fecha com chave de ouro este quesito. As letras são outro ponto a favor, pois desde The Real Thing (momento da entrada de Patton) ninguém soube tão bem analisar o ser humano seja através de canções sobre a crise de meia-idade (“Midlife Crisis”), a religião (“Just a Man”), a violência latente dos dias atuais (“Be agressive) e a vida computadorizada (“Naked in front of the computer”) entre tantas outras. Versatilidade sonora é outro ponto a favor. Qual banda no mundo executa covers de Bee Gees (“I started a joke”), flerta com o funk de Isaac Hayes, canta em português (“Caralho Voador”, cuja melodia é pura bossa-nova), vai ao metal extremo (“Malpratice”), passa pelo gospel e é pop ao compor clássicos radiofônicos como “A Small Victory” ou regrava “Easy” de Lionel Richie? Pode procurar por aí. Você não vai encontrar alguém tão bom quanto eles.

Minha entrada ao universo do grupo foi há 11 anos atrás via King for a day, fool for a lifetime. De lá para cá a banda sempre esteve presente em minha vida.

2009 será lembrando por várias razões e duas em especial para mim: o ano em que vi os Beatles da minha geração (o Radiohead) e a volta do Faith No More a ativa com shows espetaculares realizados ao redor do globo.

E é com grande prazer que anuncio que dia 08 de novembro a banda se apresentará em BH Horizonte às 20 horas com ingressos já à venda no Chevrolet Hall. E você caro leitor irá perder? O meu já está na mão. Histórico.

Professores

São cinco e meia da manhã de uma segunda–feira. A água está fervendo no fogão para preparar o café e para ajudar a enfrentar a semana. Mais uma como qualquer outra na qual podemos ser heróis ou bandidos, mas sem direito de escolha. E uma dezena de dúvidas perpassa nossas cabeças: como será nosso dia? Voltaremos vivos aos nossos lares após a nossa exaustiva carga horária de trabalho? Seremos maltratados ou agredidos? Teremos em algum momento reconhecimento da nossa antes

admirada agora malfadada profissão? Dúvidas estas e outras tantas que permanecem sem resposta definitiva.

Após o café é hora de partir para a batalha. Porém, por mais que a realidade apresentada seja semelhante à de um policial estes questionamentos se dirigem a um raro grupo de pessoas que acreditam que o mundo ainda tem solução e ela reside no ato de educar. São eles: os professores.

Diariamente, acompanhamos em jornais, revistas e no bate-papo do intervalo, situações vergonhosas que envolvem a já desgastada relação professor/aluno. É o professor que teve seu braço quebrado porque reprovou um aluno. É a professora ameaçada de morte devido a uma nota baixa dada, etc. Antes respeitada, a figura do professor hoje está num estado de putrefação educacional aparentemente insolúvel.

Este estado de incerteza absoluta continua imaculado de tal forma que até mesmo o cinema que antes acreditava/apresentava a figura do professor revolucionário, capaz de mudar a realidade vigente (tal como vemos nos belos A Sociedade dos poetas mortos, Mentes perigosas entre tantos outros) caiu por terra. Um exemplo recente desta guinada é Entre os muros da escola do francês Laurent Cantet, filme baseado no livro homônimo de François Bégaudeau (que também é o roteirista, atua como protagonista do longa e nas horas vagas é professor de francês) percebemos que esse mal das adversidades apresentadas não difere em nada da atual educação francesa. O desrespeito dos alunos, o desinteresse por parte dos mesmos, a luta do professor que, despreparado, não consegue alcançar seus objetivos, a tentativa vã de promover a interdisciplinaridade, o descaso de alguns pais quanto ao comportamento de seu filho(a) perante regimento escolar, inúmeras tentativas de reestruturação deste... são tantos aspectos em comum que a concepção sobre os problemas educacionais brasileiros torna-se lugar-comum; tristemente, não mais pertence a nossa cultura, e sim, ao mundo.

Por fim, talvez este texto amargo devesse terminar de forma sombria, sem esperanças, mas ainda temos que acreditar que todos esses males possam ser sanados, pois, como disse certa vez finado cineasta François Truffaut sobre Luz de Inverno, filme de Ingmar Bergman:

"No final de Luz de Inverno vemos um padre que quase perdeu a fé celebrando uma missa em sua igreja completamente vazia. ... ‘Sim, Bergman quer nos dizer que os espectadores no mundo inteiro estão se desligando do cinema, mas acha que devemos continuar mesmo assim a fazer filmes ... ainda que não haja ninguém no cinema."

François Truffaut, em O Prazer dos Olhos. Escritos sobre Cinema

Faz-se necessário, mais do que nunca, acreditar que a educação é a chave de um mundo melhor e que ela irá proporcionar grandes mudanças em todas as estruturas da sociedade. Ainda que grande parte dos nossos espectadores (os alunos) não estejam atualmente interessados nisso.

Por Bruno Lisboa

Texto publicado originalmente no jornal Soletrar da PUC - Minas

Conexão Vivo: últimas linhas

Chico Amaral convida Marina Machado e Samuel Rosa: Um das maiores figuras do cenário musical mineiro, Chico Amaral veio ao festival mostrar um pouco de seu trabalho autoral focado no samba/jazz e algumas de suas realizações junto a seus “pupilos” (Marina Machado e Samuel Rosa). No final a aparição surpresa de Milton Nascimento foi motivo de catarse geral.

Makely Ka convida Alexandre Lima: O mineiro Makely Ka vem aos poucos conquistando o seu espaço no cenário musical. Recentemente foi atração de abertura do show de Tom Zé em terras mineiras. Unindo a sua poesia urbana com guitarras pesadas sua banda fez um das apresentações mais significativas do festival. O capixaba Alexandre Lima trouxe o seu “Game Boy sonoro” e acrescentou sonoridades eletrônicas que casaram perfeitamente.

Porcas Borboletas convida Arrigo Barnabé e Paulo Barnabé: A sensação do cenário mineiro junto à família Barnabé foi divertidíssima. Letras engraçadas e melodias cheias de groove fizeram com que o público gastasse todas as suas energias. No final “Minha Menina” dos Mutantes com um autêntico All Star Game no palco (Otto, Curumin etc.) deixaram o Parque Municipal com um gosto de quero mais.

Enéias Xavier convida Flávio Venturini e Kadu Viana: O show era para ser do músico instrumental Enéias Xavier que tinha na sua banda de apoio, entre outros feras do cenário musical mineiro, Chico Amaral. Porém, após a segunda canção e a entrada de Kadu Viana (guitarrista) e Flávio Venturi a apresentação privilegiou o set list na obra do ex-integrante do Terço. Casais apaixonados de todos os tipos eram só sorrisos.

Patrícia Ahmaral convida Vander Lee: Grata surpresa. Indo do samba ao rock sem derrapar Patrícia surpreendeu positivamente intercalando canções próprias com covers genialmente reestruturadas (como “My guitar gently weeps” do Beatles). A presença de Vander Lee, o músico mineiro mais querido da atualidade, foi motivo de comparecimento em peso por parte do público que cantava cada um de seus versos a plenos pulmões.

Pedro Morais convida Moska: Garoto prodígio da cena brasileira o rapaz mostrou suas belas e românticas canções que agradaram geral ao público. A presença de Moska foi motivo extra para que o público devoto ao artista solta-se a voz. Resumo da apresentação: total entrosamento de público e banda. Coisa bonita de se ver.

Curumin: Dono de, a meu ver, o melhor show do festival. O baterista do Hurtmold veio com dois discos solos na bagagem (o último Japan Pop Show é obra-prima) e um repertório no qual mescla as mais diversas variedades sonoras que são impossíveis de se classificar. Agora fácil é se render o seu carisma e sua simplicidade. A presença surpresa e improvisada do rapper Renegado não deixou ninguém parado. Para quem não conhecia seu trabalho saiu de boca aberta.

Bom... assim foi o Conexão que mesmo em tempos de cancelamento de festivais em todos país (Tim Festival, Skol Beats, Motomix...) permanece Vivo e trazendo o que há de melhor no vasto cenário musical brasileiro. E que seja eterno enquanto dure.

Beat connection. Beat communication: Considerações iniciais do Festival Conexão Vivo

Realizado entre os dias 17 a 26 abril no Parque Municipal mais uma vez BH recebeu o festival Conexão Vivo. Tido como um dos maiores do Brasil, a edição de 2009 foi um grande sucesso.
Diferente de outras edições, talvez pela malfadada crise, o evento careceu de grandes atrações (como a Nação Zumbi ou Fernanda Takai, presentes no ano passado) em 2009. Porém, este foi o grande trunfo do festival.
Conciliando apresentações de artistas que ainda debutam no cenário nacional (ou que ainda permanecem no underground) com o público, presente em peso todos os dias, e artistas sedentos por novidades estas foram algumas atrações de destaque:

The Hell’s Kitchen Project: Power Trio inusitado tendo como instrumentos baixo, bateria e vocal realizou show explosivo graças a performance eletrizante no palco.

Renegado convida Marku Ribas e Cubanito: Passado e presente. Tudo agora e ao mesmo tempo. Renegado, grata revelação do cenário rap mineiro, dividindo o palco com o ícone da black music Marku Ribas e companheiro de cena Cubanito (da banda Black Sonora) não deixaram ninguém parado.

Vanguart: a maior banda de todos os tempos da última semana apresentou as belas canções do seu primeiro, e elogiado, álbum conciliando novas músicas presentes no registro Multishow ao vivo. Faltou a dylanesca “The Last time I saw you”, mas atendendo a pedidos, teve o seu momento “toca Raul” com “Medo da Chuva” no bis. Os indies deliraram.

Macaco Bong: tendo no currículo o melhor disco de 2008 por várias publicações (incluindo a Rolling Stone brasileira) o trio instrumental impressionou pelo cross-over de jazz, rock e sutis brasilidades. Um dos melhores shows do evento.

Cidadão Instigado: a banda de Fernando Catatau, guitarrista predileto de Vanessa da Mata e Marisa Monte, veio ao festival mostrar que gostar e ter influência de artistas bregas é cool. A competente banda de apoio reproduziu fidedignamente os arranjos do ótimo E o método tufo de experiências e apresentou outras pérolas da banda que promete disco novo para 2009.

Kiko Klaus convida Naná Vasconcelos: Mineiro com raízes pernambucanas em seu som, Kiko Klaus e sua soberba banda de apoio uniram a poesia regional com a percussão experimental do gênio Naná Vasconcelos e agradaram geral.

Falcatrua convida John Ulhoa: o sempre performático grupo mineiro surpreendeu positivamente ao apresentar a sua nova turnê que tem como base a obra de Tim Maia. Passando longe da reprodução de acordes, a banda colocou a cara à tapa recriando, adicionando novas texturas e peso aos clássicos do ícone do funk brasileiro. John Ulhoa (idealizador desta nova fase da banda) veio no apagar das luzes e fechou a brilhante apresentação.

Para visualização de fotos e outras informações do festival acesse: http://www.conexãovivo.com.br. Em breve os comentários de outras atrações do festival. Aguarde e confie.

See ya!

A contract with god or Jesus (Frank Miller) was only a son

Will Eisner é para muitos um Deus. E quem o considera assim não está exagerando. Eisner e seus personagens foi o pai de uma geração de fãs de quadrinhos. Criar a primeira chamada graphic novel (A contract with god) fora outra de seus inúmeros trunfos. Porém, seu legado não foi apenas aceito pelo público leitor como também por toda uma geração de quadrinistas veio a ser influencido pelos seus traços. Não à toa o Oscar do gênero tem o seu nome... Como se pode observar, falar sobre esse precursor, que começou a escrever suas histórias na década de 30, é algo que se pode fazer por horas a fio. E dentre um dos seus admiradores/seguidores está Frank Miller, o Jesus dos quadrinhos.

Dono de uma carreira genial Miller é o homem que restruturou a "carreira" de Batman (a elogiada fase Dark Knight é dele) e do Demolidor. É o criador das bestiais graphic novels Sin City e 300 ambas levadas ao cinemas e com grande repercursão de público e crítica. Entre tantas outras obras primas. Eis então que nasce a idéia de The Spirit.

Desde o inicio o encontro era tido como espetacular, pois de um lado teríamos um dos personagens mais clássicos das HQs (o héroi The Spirit criado por Eisner) e tendo o comando de Miller seria um sonho a ser realizado. Mas por vezes seguir os mandamentos divinos é um exercício arriscado.

Em 102 minutos de filme o que vemos é um sucessão de maneirismos e erros que prejudicam e muito a grandiosidade esperada. À começar pelas técnicas de filmagem surrupiadas/emprestadas de Sin City (co-dirigido por Miller) o que faz com a antes novidade seja vista com maus olhos do tipo "ah! já vi isso antes". Os personagens são vazios, caricatos e carentes de um caráter psicológico. No campo das atuações salvo o protagonista (interpretado por Gabriel Match) o restante do elenco repete trejeitos de atuações anteriores: Samuel L. Jackson e seu Dr. Octopus é igualzinho a 20 outros personagens maléficos que ele já fez, Scarlet está virando sinônimo de insosa. Eva Mendes e a sua sensualidade. O roteiro é fraco e superficial ao extremo. Em suma: um desperdício.

Então o encontro de pai e filho, Deus e Jesus, aconteceu. O contrato foi assinado, mas o resultado desta parceira não rendeu frutos. Deus escreveu certo, mas com linhas tortas e Miller não as interpretou muito bem. O que comprova que Jesus era realmente apenas um filho de Deus como todo nós seres humanos, pois somos passíveis de erro. E Frank Miller que então até não havia errado cometou o seu primeiro pecado: assinar a direção deste fiasco chamado The Spirit. E Deus que está nos observando do céu desde de 2005 está em ira.